Jade Langevin/ Artista en Residencia/ mayo 2023

 




JADE LANGEVIN  (Canadá, 1996)

- Jade es egresada en Diseño gráfico de la Universidad de Quebec en Montreal y eligió nuestro proyecto para viajar por primera vez a Argentina y continuar su búsqueda artística más allá de los límites de sus diversos trabajos en marketing y la gráfica. Aquí su link para ver trabajos: 

- Jade Langevin (Quebec, 1996) is a graduate in Graphic Design from the University of Quebec in Montreal and chose our project to travel for the first time to Argentina and continue her artistic search beyond the limits of her various works in marketing and graphics.


@pastel.cocktail 

msha.ke/pastelcocktail



Rosana Ybarra/ Proyecto Re Nacimiento

 








ROSANA DAWN YBARRA  (USA-BRASIL, 1986)

Rosana es una experimentada artista con un Máster en Bellas Artes en la Universidad de Nebraska. Trabajó en las universidades de Portland y Oregon (EE:UU:), donde también realizó exhibiciones en diversos espacios e instituciones.  Actualmente reside  en Brasil.  “Espero concentrar mi tiempo en un proyecto que ha tardado mucho en llegar. He estado compilando un archivo de escritos y dibujos desde mi mudanza. Incluye reflexiones sobre la desorientación, la crianza del niño interior, el pensamiento en nuevos idiomas y la adaptación a una nueva cultura bajo aislamiento social. También quisiera  explorar la vieja tradición del dibujo automático y la comunicación a través de la canalización mediúmnica.Trabajaré este contenido en objetos, ilustraciones, performances y animaciones que eventualmente se publicarán como una colección impresa y online.
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Rosana is an experienced artist with a Master in Fine Arts from the University of Nebraska. She worked at the universities of Portland and Oregon (USA), where he also exhibited in various spaces and institutions. She currently resides in Brazil.  "I hope to concentrate my time on a project that has been a long time coming. I have been compiling an archive of writings and drawings since my move. It includes reflections on disorientation, raising the inner child, thinking in new languages, and adapting to a new culture under social isolation. I would also like to explore the old tradition of automatic drawing and communication through mediumistic channeling.I will work this content into objects, illustrations, performances and animations that will eventually be published as a print and online collection.
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A veces, cuando alguien encuentra un nuevo camino espiritual, dice que ha vuelto a nacer. Otros, tras una experiencia cercana a la muerte, manifiestan que tienen una nueva oportunidad en la vida. En la naturaleza, podemos observar fácilmente cómo la materia en descomposición es la base de una nueva vida.

En muchas mitologías, el aspecto femenino está asociado a la reproducción. Es la fuerza salvaje, intuitiva y creativa. Desde que llegué a Residencia Corazón, estuve considerando lo que significa dirigir esta fuerza creativa hacia uno mismo, en un acto intencionado de renacimiento.

 ¿Nacer es un acto único o sucede muchas veces a lo largo de nuestro ciclo vital? Al igual que nuestro cuerpo se desprende continuamente de las células muertas de la piel para que crezcan otras nuevas, ¿podemos optar por dejar que partes de nuestra vieja identidad desaparezcan para descubrir quién puede resurgir de sus cenizas? Cuando entendemos el proceso de nacimiento y muerte no como un principio y un final, sino como puntos de parada en un ciclo eterno de transformación, ¿puede cambiar nuestra forma de vivir?

El Proyecto Renacimiento es la primera iteración de un experimento en curso para crear obras con la capacidad de biodegradarse rápidamente, imitando el ciclo orgánico de vida y muerte del mundo natural. El proyecto combina inquietudes personales en torno al envejecimiento y los procesos de renacimiento con cuestiones más amplias sobre la interconectividad, el cambio climático y la sostenibilidad. Todos los materiales utilizados en la exposición son de esta zona y completamente nuevos para mí: junco, mimbre, bioplásticos hechos de algas y pigmentos naturales. Las formas adoptan el vocabulario de alas, capullos, órganos y piel desprendida, invitando al espectador a imaginarse a sí mismo en este proceso de transformación.

The Rebirthing Project

Sometimes, when someone finds a new spiritual path, the say they are born again. Others, after a near-death experience, say they got a new chance at life. In nature, we can easily observe how decomposing matter is the foundation for new life.

Throughout many mythologies, the feminine aspect is associated with reproduction. It is wild, intuitive, creative force. Since I arrived at Residencia Corazón, I have been considering what it means to aim this creative force toward one’s self, in an intentional act of rebirth.

 Is being born a one-time act, or does it happen many times throughout our life cycle? Like the way our bodies continuously shed dead skin cells and grow new ones, can we choose to let parts of our old identities go to discover who might rise from the ashes? When we understand the birth and death process not as a beginning and end, but as stopping points in an eternal cycle of transformation, can it change the way we live?

The Rebirthing Project is the first iteration of an ongoing experiment to create artwork with the capacity biodegrade rapidly, mimicking the organic life and death cycle of the natural world. The project combines personal concerns around aging and re/birthing processes with larger issues around interconnectivity, climate change and sustainability. All of the materials used in the exhibition are completely new to me and from this area: junco, mimbre, bioplastics made from algae and natural pigments. The forms take the vocabulary of wings, cocoons, organs and peeling skin, inviting the viewer to imagine themselves in this process of transformation.

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Los procesos creativos son tan variados y amplios como personas y proyectos existen.

 Aun encontrando tendencias y puntos en común, lo inesperado de las búsquedas y los procesos investigativos es lo que mantiene a las artes (o más, al conocimiento en general), indomables.

 Rosana Ybarra decidió en este proyecto colocar una obstrucción en su tránsito: evitar los materiales que no fueran biodegradables. Pero esta pauta no fue una decisión caprichosa, un obstáculo lúdico cuasi-vanguardista para arribar a lo original. Fue una decisión política consciente: alejarse del ego de artista que pretende que sus obras le sobrevivan in aeternum. Aportar un poco menos al daño generalizado sin dejar de poetizar. Como en cualquier ecosistema, esa decisión modificó otras y así comenzaron a filtrarse en su trabajo materiales, procedimientos, tiempos propios de la naturaleza. Pequeños gestos que hablan de una observación y una comprensión de las necesidades del medio mismo.

 Lo que Rosana persigue modestamente es que sus obras puedan volver a la tierra, cuando ella en su carácter nómada lo necesite o cuando la temporalidad de la materia lo decida. 

 Rosana llegó a una ciudad húmeda y aprendió a aceptar los ritmos y respiraciones de los materiales en relación a ella. Asimiló que la humedad se debe a las características de una región ribereña. Entonces fue al río y a sus recursos. Conoció el mimbre y a quienes lo trabajan. Se empapó de esos saberes-haceres locales y los incorporó en su producción. El resultado es un ecosistema de formas, materiales, texturas, brillos que parecieran contradecirse cuando aparece algún elemento que nos remite al plástico o al metal. Pero eso nos sirve como gatillo para recordar la potencia de la naturaleza cercana.

 Quizás eso sea parte de la militancia silenciosa de Rosana: contagiarnos su entusiasmo y percibir nuestro entorno natural cotidiano con mirada asombrada, atenta, novedosa, como si estuviéramos conociendo esta región, como si nosotrxs también fuéramos artistas viajerxs en residencia.

Mariel Uncal Scotti/ Curadora

 


Clara Liekmeier/ Artista en Residencia/ marzo-abril 2023






Clara Liekmeier (Alemania-Suiza, 1991).
Esta residencia se propone como pausa en medio de un largo viaje. Como una forma más de búsqueda, nuevos aprendizajes y desafíos internos que se vuelquen en obras.”Como pintor autodidacta, trabajo sobre todo en proyectos que están profundamente ligados a mi historia personal. En la residencia me gustaría confirmar mi identidad de artista y estilo de pintura. Me gustaría tener nuevos desafíos y aprender a poner más de mi personalidad en mis obras”
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This residency is proposed as a pause in the middle of a long trip. As another form of research, new learning and internal challenges that are turned into works.”As a self-taught painter, I mainly work on projects that are deeply linked to my personal history. In the residency I would like to confirm my identity as an artist and painting style. I would like to have my work challenged and learn to put more of my personality into my works”

Nate Larson/ Artista en Residencia/ febrero 2023






Nate Larson (USA, Baltimore, 1976) Soy un artista contemporáneo y documentalista residente en Baltimore que trabaja con medios fotográficos, libros de artista, instalaciones que responden al lugar y medios basados en el tiempo. Mis proyectos se han expuesto en
EE.UU. y Europa, así como en numerosas publicaciones y medios de comunicación.
Además de mi práctica artística, soy profesor- jefe del Departamento de Fotografía del MICA / Maryland
Institute College of Art en Baltimore.
Mis obras de arte forman parte de las colecciones permanentes del George Eastman Museum, High Museum Atlanta,
el Crystal Bridges Museum of American Art, el Orlando Museum of Art, el Portland Art Museum, el
Museo de Bellas Artes Houston, Museo Contemporary Photography Chicago, entre otros.
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I am a Baltimore-based contemporary artist and documentarian working with photographic media, artist books, site-responsive installations, and time-based media. My projects have been widely exhibited across
the US and internationally as well as featured in numerous publications and media.
In addition to my artistic practice, I am a Professor in the Photography Department at MICA / Maryland
Institute College of Art in Baltimore.
My artwork is held in the permanent collections of the George Eastman Museum, High Museum Atlanta,
Crystal Bridges Museum of American Art, the Orlando Museum of Art, Portland Art Museum, the Museum of Fine Arts Houston, and the
Museum of Contemporary Photography Chicago, among others.

Kristi Dick/ Escritora en Residencia-Writer in Residence/ Febrero 2023



Kristi Dick (USA, 1972) Residente de nuestro programa P3 #escritora /#investigadora tiene una gran trayectoria como guionista, ha trabajado para Disney, Marvel, Netflix entre otros mega. Vino a investigar y trabajar y escribir sobre #arteurbano y porqué no sobre #cafe #cafeteria
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Resident of our P3 program #writer /#researcher Kristi has a great background as a screenwriter, has worked for Disney, Marvel, Netflix among other mega. She came to research and work and write about #urbanart and why not about #cofeeshops #cofee #cofeelover


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Laura Pawela/ Back in RC/ diciembre 2022

 





Polish visual artist born in 1977, associated with Upper Silesia and Warsaw.
She graduated from the sculpture at the Wroclaw Academy of Fine Arts in 2006, where she led the Open Studio. She also studied at the Art Institute in Opole, Schloss Akademie in Germany and the University of Warsaw (Marketing in Culture).
She made her debut in 2002 – project “Reallaura”, that using mobile wittily commented on the changes in the information society.
Laura Pawela is a multidisciplinary artist whose work is driven by the concept of the imagination as a filter for reality. Her diverse practice includes video, sculpture, drawing, installation, and other time-based works.

Pawela’s practice deals with a myriad of themes, often associated with the exploration of the artist’s identity and functioning, the impact of personal history on the creative process. It also deals with topics such as utopian ideas, the influence of politics on artistic activity or the functioning of the mechanisms of oppression. Her works also deal with multiple realities suggested by the characterisation of contemporary society as an Information Age, and the interaction of the fictional, the virtual and physical.

Pawela exhibited in Poland and abroad, presented her work at about ninety exhibitions. Their projects were realized f.e. in France (“Bathroom” / 2005), Argentina (“Unfinished Histories” / 2008), Upper Silesia (“Untitled / Friedrich” / 2008), Finland (“Musicam Video” / 2010-11) and most recently in the United States (“Bloodbuzz Ohio”/ 2011).

Her works are in private and public collections, both Polish and foreign (Museum of Contemporary Arts/Wroclaw, Arsenal/Bialystok, Bunkier Sztuki and others)
She has won many awards and scholarships (6th Competition of Polish Paintings/Wroclaw, “Young Poland” scholarship, Visegrad Fund Scholarship), was nominated for Polityka’s Passport in 2004, her works were also presented in many catalogs and publications.



laurapawela.net

Tamara Torres/ Light in Darkness/ noviembre-diciembre 2022

 








La creación artística ha sido siempre una forma de sanar y cambiar de perspectiva. Crear mundos imaginarios que dan la sensación de nadar en ellos, generar un momento de paz o verdad en el ojo del espectador. A estas pinturas abstractas las identifico como "paisajes mentales". Se generan a partir de un equilibrio visual y emocional al transmitir tanto la posibilidad de exponer las ansiedades ocultas de las que no hablamos, como ofrecer un atisbo de luz interior que trae un momento de esperanza. Las obras tienen una dimensión espiritual y utilizan símbolos religiosos, pero son post-religiosos. Cada pieza es un grito que busca un santuario mental contra cualquier oscuridad que haya surgido de encuentros no deseados. Las cruces son un símbolo de conexión con algo más grande y el recuerdo para una mujer dentro de mi vida que creía, por encima de todo, que no existía nadie horrible en el mundo. Los personajes en la sombra representan a aquellos silenciados, olvidados, que muchos identifican como ángeles ocultos a plena vista. Todas las técnicas apuntan a construir arte estética y emocionalmente impregnado de una verdad que la vista no puede cambiar. El objetivo de estos “paisajes mentales” es que el espectador encuentre en la oscuridad la luz que lo habita. Mi interés creativo, se da a través de los detalles de mi paleta en una relación sistemática entre el color y la respuesta emocional. En última instancia, busco una "verdad" en mis pinturas y collages abstractos. Tener una relación con el espectador que lo atrape inmediatamente pero que también lo invite a explorar y a tener un lenguaje visual no representativo. 

 Tamara Torres es una artista interdisciplinar feminista afrocaribeña, activista comunitaria y madre afincada en EE.UU. Su obra artística es variada, conceptual y se presenta en múltiples medios como collage, pinturas abstractas "mindscape" y la performance. Su práctica artística une la defensa de los derechos de la mujer, la equidad racial y su propia experiencia autobiográfica. Tamara ha expuesto su arte en Nueva York, Filadelfia, Chicago, Londres, Italia, Edimburgo y Dubái.

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Light in Darkness

 Creating art has always been a way of healing and changing perspective. Creating imaginary worlds that give you the sense to swim in them generates a moment of peace or truth in the viewer's eye. These abstract paintings are identified as “mindscapes” to Tamara Torres they are generated from a visual and emotional balance in conveying both the demoralization of the unspoken darkness within our inner anxieties yet offering a glimpse of the light within that brings a moment of hope. The paintings have a spiritual dimension and use religious symbols but are post-religion, each individual piece is instead a cry for mental sanctuary from any darkness that has surfaced from unwelcome encounters. The crosses are a symbol of connecting with something greater and a reminder of a woman in my life who believed above all there wasn’t one awful person in the world. The shadow people in my work are representative of those unspoken, forgotten, or how many identified as angels hidden in plain sight.  All of the techniques are pointed towards constructing art that is aesthetically and emotionally suffused with a truth that the view cannot changed. The goal of these mindscapes it’s to have the viewer find in the darkness the light that it’s built in themselves. The detailed paint palette that addresses my creative interest through a systematic relationship between color and emotional response. Tamara say’s ultimately, I seek a “truth” in my abstract “mindscape” paintings and collages. A relationship with the viewer which grips them immediately but also invites them to explore and have a non-representational visual language. 

Tamara is an interdisciplinary Afro-Caribbean feminist artist, community activist, and mother based in the United States. Torre's artistic work is varied and presented in multiple mediums such as collaged narrative, abstract paintings, and performance. Her artistic practice knits together advocacy for women's rights, racial equity, and her own autobiographical experience. Producing vigorous conceptual paintings. Tamara has exhibited her art in NY, Philadelphia, Chicago, London, Italy, Edinburgh and Dubai.

tamaratorresart.com

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Luz en la oscuridad

Lo que toca toda pintura verdadera es una ausencia,

una ausencia de la que, de no ser por la pintura, no seríamos conscientes.

Y eso sería lo que perderíamos.

John Berger, 2001.


Las pinturas que Tamara Torres presenta en Residencia Corazón, son a su decir, paisajes

mentales. Históricamente la relación entre la pintura de paisaje y el paisaje evocado en sí,

nos abre puertas a estados interiores: reflejos de estados anímicos, expresiones de los

sentimientos o las emociones de l* artista. Sin embargo, estos paisajes, plagados de

elementos y códigos, fallas y formaciones que no llegan a escapar del todo de una nebulosa

interior y oscura, más que representar estados interiores preparan, disponen un lugar para

recibir la ausencia.

La ausencia no es algo definido de antemano, sino más bien algo que la pintura da a ver.

Traumas, sentimientos, fantasías, negatividades resultantes de opresiones y violencias que

se procesan en el trabajo artístico, abriendo un lugar imaginal: a veces santuario, templo,

cementerio, donde llorar nuestras pérdidas, las propias y las colectivas.

Las pinturas de Tamara ofrecen un suelo común: un topos indefinido. La abstracción, nos

invita a estar atent*s a la lenta alteración de las formas que van apareciendo, en donde la

imaginación, esa facultad para armar ficciones e historias, se despliega en imágenes y

asociaciones. Quizás sea este agenciamiento de la transformación al que se refería Gloria

Anzaldúa, la posibilidad de usar el proceso creativo para reestructurar las imágenes que

moldean la conciencia de una persona: “Las imágenes se comunican con los tejidos, los

órganos y las células para producir cambios.” Así, la obra no elude la hostilidad del mundo,

pero encuentra un potencial positivo de resistencia y resiliencia.

                                                                                                       Catalina Poggio / Curadora