Olia Fedorova en Residencia Corazón

 

OLIA FEDOROVA

Artista conceptual multidisciplinar que trabaja con la performance, la fotografía, el vídeo y el texto. Reside en Kharkiv, Ucrania.

Su práctica se centra en la investigación de los significados y los sentidos, los mecanismos y la problemática de su (trans)formación, a través de métodos de intervención performativa, observación y escritura.

Ha realizado exposiciones individuales en Kharkiv, Kyiv, Dnipro, Odesa, Ivano-Frankivsk (Ucrania) y Turín (Italia). Ha participado en residencias, exposiciones colectivas y eventos en Ucrania, Reino Unido, Polonia, Austria, Alemania, Estados Unidos y Japón.

La participación de Olia en el programa de residencia cuenta con el apoyo de la Fundación Cultural de Ucrania - https://ucf.in.ua

La Fundación Cultural Ucraniana es una institución estatal creada en 2017 con el objetivo de facilitar el desarrollo de la cultura y las artes en Ucrania, proporcionar un entorno favorable para el desarrollo del potencial intelectual y espiritual de las personas y la sociedad, un amplio acceso de los ciudadanos al patrimonio cultural nacional, apoyar la diversidad cultural y la integración de la cultura ucraniana en el espacio cultural mundial. Las actividades de la Fundación Cultural Ucraniana están dirigidas y coordinadas por el Ministerio de Cultura de Ucrania.

Multidisciplinary conceptual artist, working with performance, photography, video and text. Based in Kharkiv, Ukraine.

Her practice is focused on the research of meanings and senses – the mechanisms and problematics of their (trans)formation, through the methods of performative intervention, observation and writing.

Had solo exhibitions in Kharkiv, Kyiv, Dnipro, Odesa, Ivano-Frankivsk (Ukraine) and Torino (Italy). Participated in the residencies, group exhibitions and events in Ukraine, United Kingdom, Poland, Austria, Germany, USA, Japan.

Olia’s participation in the residency program is supported by the Ukrainian Cultural Foundation - https://ucf.in.ua

The Ukrainian Cultural Foundation is a state-owned institution created in 2017 with aim to facilitate development of culture and arts in Ukraine, to provide favourable environment for development of intellectual and spiritual potential of individuals and society, wide access for the citizens to national cultural heritage, to support cultural diversity and integration of the Ukrainian culture into the world cultural space. Activities of the Ukrainian Cultural Foundation are guided and coordinated by the Ministry of Culture of Ukraine.

oliafedorova.com

Curadora/ Mariel Uncal Scotti

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Kelsey Hamilton Davis/ Perséfone y la ruta a lo largo del Atlántico/ Febrero 2021 en RC

 

kelseyhamiltondavis.com

Perséfone y la ruta a lo largo del Atlántico

“Prayer to Persephone”, by Edna St. Vincent Millay

From the collection, Second April, published 1921

 

Be to her, Persephone,

All the things I might not be;

Take her head upon your knee.

She that was so proud and wild,

Flippant, arrogant and free,

She that had no need of me,

Is a little lonely child

Lost in Hell, - Persophone,

Take her head upon your knee;

Say to her, “My dear, my dear,

It is not so dreadful here.”

 Notas de la artista:

 En general, me preocupa examinar y afrontar la domesticación y las narrativas de la herencia colonial, y cómo éstas interactúan simultáneamente con el cuerpo antiguo y contemporáneo. Pienso mucho en las vagas nociones del linaje europeo-americano, en lo formal, lo decorativo y lo educado, utilizadas originalmente para asociar al colonizador con la idea de lo civilizado como distinto y separado de lo natural, como un medio de dominación de uno mismo y de los demás. Me pregunto cómo estas nociones dan forma a nuestra comprensión de la cultura como contraria al cuerpo animal y cómo esto cultiva la ansiedad y el miedo a la vasija rebelde, abultada y texturizada. Amaso objetos para encontrarme en situaciones ambiguas, a menudo anclando el trabajo en representaciones apropiadas, míticas, literarias o populares de la feminidad y la naturaleza. Materialmente, tanto la cerámica como lo textil, se encuentran en una posición única como una antigua forma ritualista y material de entender el lugar del ser humano en la palabra y, al mismo tiempo, un objeto doméstico de utilidad y decoración. La vasija y el tapiz son a la vez un registro del toque humano, el ritual y el gusto, pero también el contenedor de todo lo que necesitamos para sostener y ser sostenido.

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 Persephone and the Highway Along the Atlantic

 In general, I am worried about an examination and coping with domestication, narratives of colonial heritage, and how they interact with the simultaneously ancient and contemporary body. I think a lot about vague notions of American European lineage, the formal and the decorative and the polite, utilized originally to associate the colonizer with the idea of the Civilized as distinct and separate from the Natural, as a means of domination of self and other: I wonder about how these notions shape our understanding of culture as contrary to the animal body and how this cultivates anxiety and fear of the unruly, lumpy, textured vessel. I amass objects to meet in ambiguous situations- often anchoring the work in appropriated, mythical, literary, or folk portrayals of womanhood and Nature. Materially, both ceramic and textile are in a unique position as an ancient ritualistic and material way of understanding the human’s place in the word and simultaneously a domestic object of utility and decoration. The vessel and the tapestry are at once a record of human touch, making ritual, and taste but also the container for all that we need it to hold and be held by.

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 En este lado del mundo, estamos acostumbrados a pensar y enunciar sobre las colonizaciones. Desde las históricas, que fueron borrando y limitando pueblos, hasta las contemporáneas, escondidas bajo el discurso de la aldea global inclusiva.

 Son los pocos cruces con voces alternativas los que nos hacen pensar ¿existe colonización en los países colonizadores? ¿Cómo es y de dónde nace?

Las obras de Kelsey son las hijas rebeldes de esa herencia conquistadora. Desnudan la incomodidad que la tradición de raíces británicas, bajo el lema de la formalidad, continúa imponiendo sobre los cuerpos en su cultura, censurando las particularidades bajo los patrones del “buen gusto”.

 Cerámicas, dibujos y telas que, como Caballo de Troya, siembran pequeñas disrupciones a través de las mismas materialidades que esta amabilidad protocolar suele registrar como marcas de una comunidad conquistada.

La obra de Kelsey es el maquillaje corrido, la quemadura de cigarrillo en la cortina, es el ruido del que nadie quiere hablar.  

 Mariel Uncal Scotti/ Curadora

 

 

 

 

Sarah Zakaib en Residencia Corazón

Esta serie de obras se inició en un proceso relacional, tras realizar una convocatoria general en el contexto de una residencia artística de dos meses. Ahora he vuelto para presentar los resultados de este proceso. Este año es el 43º aniversario del inicio de la dictadura argentina, lo que influyó mucho en las historias que me contaron.

El proyecto trata de historias personales, recuerdos e historia oral. Convoqué a los participantes (jóvenes y mayores) buscando más historias, que sean importantes y tengan sentido para ellos. La intención es representar tanto una conexión íntima con el pasado como una disonancia con esa misma cosa, o responder a algún imperativo innato de la historia misma, y trabajarlas en colaboración con las personas que me las entregan.

Este proyecto se inscribe en la continuidad de mi práctica artística vinculando arte, identidad y tiempo a través de objetos, independientemente de su importancia simbólica o su aparente trivialidad. El objeto aquí son las historias. Mi interés reside en la fascinación por la coherencia de la identidad, la historia y la memoria colectiva y personal, las historias que se convierten en mitos y la apariencia borrosa de la identidad estática. Creo que las historias pueden llegar a ser capaces de resonar entre personas; y es a menudo con objetos relacionales que resuenan íntimamente entre los miembros de la familia que las relaciones se mantienen y se mantienen vivas.

Me inspiro para crear este proyecto a partir de estas palabras que encontré al leer "What the Body Cost" (Jane M. Blocker, 2004), un libro sobre el arte de la performance de los años setenta: "eso que resulta en el conflicto entre lo que innegablemente somos y de lo que seguimos distanciados".

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This series of work was started in a relational process, following a general call for participants, in the context of a two-month artist residency. I have returned to present the results of this process. This year marks the 43^rd year since the start of the Argentinian dictatorship, which greatly influenced the stories that were told to me.

The project deals with personal stories, memories and oral history. I sent out a call for participants, searching for more stories, old and young, that are important to your sense of self. The intention is to depict both an intimate connection to one's past, and a dissonance to that same thing, or to respond to some imperative innate to the story itself, and in collaboration with people that give them to me.

This project is inscribed in the continuity of my artistic practice linking, art, identity and time through objects, regardless of its symbolic importance or its apparent triviality. The object here are the stories. My interest resides in a fascination with coherence in identity, collective and personal history and memory, stories becoming myth, and the blurred appearance of static identity. I believe that stories can become able to resonate between persons; and it is often with relational objects that resound intimately between family members that relationships are maintained and stay alive.

I am inspired to create this project from these words I encountered while reading “What the Body Cost” (Jane M. Blocker, 2004), a book on performance art of the 1970´s: “that which results in the conflict between what we undeniably are and yet remain distanced from.”

Escritores- Writers en Residencia Corazón

https://kategies.com/

https://www.instagram.com/katygies/?hl=es-la

http://jamiebrisick.com/

https://www.instagram.com/jamiebrisick/?hl=es-la

                                  https://www.tomfeulner.com/
     
                                             https://www.instagram.com/tomfeulner/?hl=es-la

Flounder Lee en Residencia Corazón

Flounder Lee es un artista/curador/educador que actualmente se encuentra en un período sabático haciendo residencias artísticas y curatoriales en todo el mundo. Creció en una granja en los Estados Unidos y recibió su BFA de la Universidad de Florida y su MFA de la Universidad del Estado de California en Long Beach, ambas en arte de estudio y fotografía. Durante la última década, varios temas que se superponen han recorrido su trabajo: el postcolonialismo, el mapeo, la ciencia y el cambio ambiental. Utiliza varios medios como la fotografía, el video, la performance, el sonido y la instalación para crear obras que tocan temas importantes. Muchos de los mismos temas y medios también forman parte de su práctica curatorial. Los restos de su primera especialización en ingeniería aeroespacial, como las reglas y las condiciones preestablecidas, son comunes en su práctica. Su trabajo sabático trata sobre un futuro cotidiano y descolonial.

Flounder Lee is an artist/curator/educator currently on sabbatical doing artistic and curatorial residencies around the world. He grew up on a farm in the United States and received his BFA from the University of Florida and his MFA from California State University, Long Beach, both in studio art and photography. Over the past decade, several overlapping themes have run through his work: post-colonialism, mapping, science and environmental change. He uses various media such as photography, video, performance, sound and installation to create works that touch on important themes. Many of the same themes and media are also part of her curatorial practice. Remains from her early specialization in aerospace engineering, such as rules and pre-set conditions, are common to her practice. His sabbatical work is about a daily and decolonial future.



www.flounderlee.com

Lisa Huntley en Residencia Corazón

https://www.instagram.com/lisachuntley/?hl=es-la

Andrzej Tarasiuk/ El Gato y el ceibo

www.andrzejtarasiuk.com/

Había una vez tres arroyos que fluían libremente hacia el estuario del Plata: Pérez, Regimiento y El Gato. Los arroyos jugaban bajo la atenta mirada de los árboles de Ceibo, sus flores rojas a menudo encontraban su camino hacia las aguas. Un día la gente, bajo el hechizo del poder industrial y el pensamiento racionalista construyó una hermosa ciudad inspirada en la geometría. Regimiento y Pérez fueron forzados a la clandestinidad, atrapados en tuberías de hormigón y metal. Los árboles de Ceibo y la vegetación local se eliminaron porque no se adaptaban a la visión de la ciudad planificada. Con el tiempo, las orillas de El Gato se colmaron de desarrollo, sus aguas se ensuciaron con basura y excrementos porque la gente en todo el mundo olvidó cómo honrar el agua. El tiempo pasó hasta que un día la ciudad perfecta se rompió bajo innumerables gotas de lluvia. Esto asustó a la gente, porque durante 300 años la humanidad creyó que habían domesticado la naturaleza. Para asegurarse de que volvían a tener el control, El Gato fue encerrado en hormigón.

Pero el Ceibo sabe que los humanos no tienen ese control, el clima está cambiando. Si esperamos seguir teniendo ciudades hermosas, debemos recordar que no somos dueños de la tierra, sino que, como El Gato y El Ceibo, somos sus hijos.

 Al trazar el camino del Arroyo Gato, imaginé la incorporación de los hábitats nativos de La Plata como parte de su marco planificado. Modelé mi visión de Toronto, que, después de su propia inundación en 1954 durante el huracán Hazel, revirtió el desarrollo en sus barrancas y se ha dedicado activamente a rejuvenecer sus espacios verdes como hábitats nativos productivos. Estos hábitats brindan a sus ciudadanos un espacio muy necesario para el disfrute local, protección contra inundaciones naturales, disipación térmica, filtración de aire, el alivio psicológico, la curación, y muchos otros beneficios. La obra exhibida analiza cómo la relación entre la naturaleza y la humanidad se manifiesta en el paisaje, para alentar la reflexión personal sobre qué tipo de mundo elegimos modelar y vivir.

There once were three streams that flowed freely into the mouth of La Plata: Arroyo Perez, Regimiento and El Gato. The streams played under the watchful eye of the Ceibo trees, their red flowers often finding their way into the waters. One day, people under the spell of industrial might and rationalist thinking built a beautiful city inspired by geometry. Regimiento and Perez were forced underground, trapped into pipes of concrete and metal. Ceibo trees and local vegetation were removed because they did not suit the vision of the planned city. With time, El Gato’s banks were crowded by development, its waters soiled with garbage and excrement because people all over the world forgot how to honour water. Time passed until one day the perfect city broke under countless tiny raindrops. This scared the people, because for 300 years humanity believed that they had tamed nature.  To assure themselves that they were once again in control, El Gato was encased in concrete. 

But Ceibo knows that humans have no such control, the climate is changing. If we hope to continue having beautiful cities, we need to remember that we are not masters of the earth, but like El Gato y El Ceibo, we are its children.

            In retracing the path of the Arroyo Gato, I imagined La Plata’s incorporation of native habitats as part of its planned frame work. I modeled my vision on Toronto which, after its own flooding event in 1954 during hurricane Hazel, reversed development in the ravines and has been actively engaged in rejuvenating its green spaces as productive native habitats. These habitats provide its citizens with a much needed space for local enjoyment, natural flood protection, thermal heat sink, air filtration, psychological relief and healing, and many other benefits. The work in the show looks at how the relationship between nature and humanity manifests itself in landscape so as to encourage personal reflection on what kind of world we chose to create and live in.

Andrzej Tarasiuk

Andrzej  llegó  a La Plata intrigado, entre otras cosas, por ser “la Ciudad de los Tilos”, pero parece que algún Ceibo le advirtió que su especie vivió aquí por miles de años antes de que la ciudad existiera. Luego de una conversación preliminar en la que se enteró de la trágica inundación del año 2013, su profundo interés en la relación humano/entorno lo lanzó a una exploración detallada del territorio, descubriendo a cada paso el devenir de la prevalencia del desarrollo urbano por sobre los atributos naturales de la zona, sus cursos de agua, la vegetación local.

¿Que es un artista sino un explorador que, como si poseyera un radar, intenta captar lo esencial en lo que ocurre alrededor durante su travesía, convirtiéndola en una propuesta crítico/poética?

Mediante sus elaboradas pinturas, su texto al modo de un cuento infantil, sus fotografías y sus minuciosas recolecciones, el decidió pasearnos entre  lo regional y lo microscópico, lo cotidiano y lo trascendental. El interrogante que plantea Andrzej es simple, y a la vez crucial: ¿Cómo queremos vivir?

A través de su trabajo, el pasado y el presente informan el futuro. Un futuro que advertimos complicado, mientras algún Ceibo, junto a  Andrzej, nos susurra que podría no serlo tanto.

Rafa Santos/ Curador-Curator

Charline P.William en Residencia Corazón

 https://cargocollective.com/charlinepwilliam

Las casas canadienses son, en su mayoría individuales y están muy bien adaptadas para largas temporadas de frío. Entramos apresurados y cerrando la puerta, para que el calor se quede adentro.

Muchas en La Plata, en cambio, cuentan con numerosos espacios semi-abiertos y semi-cerrados, varias puertas y ventanas que proponen un sinfín de configuraciones, de circulaciones, de intimidades, terrazas y patios interiores a los cuales tenemos acceso solamente por la entrada de la casa.

Aquí, en el zaguán, este espacio de transición, de indecisión entre el interior y el exterior de la casa, espera impacientemente el visitante para saber si será recibido.

La pintura es para mí una metáfora de la casa, este espacio con múltiples posibilidades, infinitamente abierta, infinitamente cerrada.

Yo soy su visitante. Me quedo en el vestíbulo, esperando que me inviten, para vivir dentro de ella respetando a sus límites.

Les maisons canadiennes sont souvent des bungalows bien isolés, adaptés aux nombreuses intempéries, dans lesquelles on entre en se dépêchant de fermer la porte derrière soi pour garder la chaleur à l’intérieur.

Les habitations de La Plata, quant à elles, comptent de nombreux espaces mi-ouverts, mi-fermés, plusieurs portes et fenêtres qui proposent une multitude de configurations, de circulations, d’intimités,des terrasses et des cours intérieures auxquelles on n’accède que par la porte d’entrée.

Ici, c’est dans le zaguán, cet espace de transition, d’indécision entre l’intérieur et l’extérieur de la maison, que le visiteur attend patiemment de savoir s’il pourra être reçu.

La peinture est pour moi une métaphore de la maison, cet espace aux multiples possibilités, infiniment ouverte, infiniment fermée.

Et moi, je suis son visiteur. Je reste dans son vestibule, en attendant qu’elle m’invite à l’intérieur, afin de l’habiter tout en respectant ses limites.

Charline P.William

En la arquitectura doméstica existe un tipo de espacio vestibular destinado a separar el espacio exterior del espacio interior. Vestíbulo, porche, recibidor, galería o zaguán, está es una zona de transición, de indecisión, de transición fluida entre el espacio íntimo y el espacio público. La obra que Charline P. William presenta como parte de su estancia en Residencia Corazón hacen de la pintura una casa. Hay en sus pinturas una necesidad de habitar, de hacer de su práctica cobijo y guarida. Si la pintura es entonces casa, la artista es quien espera a ser recibida, invitada a habitarla. La obra de Charline esconde entre los pliegue de sus lienzos una pregunta, una historia, un secreto, una marca, como una casa contiene y custodia las memorias de sus habitantes. Sus pinturas son casas vestibles que guarecen, protegen, revisten. Estas pinturas-refugio, no sólo cubren al cuerpo, sino que se hacen cuerpo, adoptando la forma de quien las habita. Así, la pintura se transforma en una arquitectura corporal, un vestido, que protege, a la vez que hace casa en la intemperie. Así, la calle aparece como extensión de la propia casa, como una zona de espacio temporal por el que deambulan estos cuerpos-casa, caminantes nómades que diluyen el límite entre lo íntimo y lo público. Una tela rosada, que cuelga de una pared como un gesto doméstico es espacio autobiográfico que se trama entre las historias mínimas y los recuerdos de protestas y luchas obreras locales y el polo opuesto del mapa.  La pintura se traduce así en una casa sin paredes. Un espacio precario, que deviene en una existencia nómade. Un lugar inestable, una arquitectura frágil que es asimismo espacio de resistencia, cuidado y refugio. Una necesidad, la demanda de un habitar y ser habitada por la pintura.

Catalina Poggio /Curadora - Curator

Blaire Stapp/ Muy muy serio

https://www.instagram.com/blairestapp/?hl=es-la

Cuando escuchamos la palabra doodle, inmediatamente linkeamos con los logos animados del buscador Google. Pero para los angloparlantes, su significado es más amplio: supone un dibujo simple, rápido, muchas veces hecho mientras la persona está ocupada en otra cosa (el clásico garabato nacido al hablar por teléfono, el que habita los apuntes de una clase poco atractiva).

Como si se tratara de un idioma, Blaire se aprovecha de los doodles para exponer los estados de ánimo, los divagues o las canciones que la atraviesan desde el día uno en Residencia Corazón. 

Hojas de un cuaderno y de otro, arrancadas como almanaque, pegadas como postales, son el motor del cotidiano lejos de su home sweet home.

Pero lo que estructura la obra de Blaire es el humor. Mucho se ha teorizado respecto a su rol en la sociedad, como canal para nombrar miedos, nervios, incomodidades (quién no profirió un chiste en un funeral...). Blaire, por su parte, lo aprovecha para reírse de las inseguridades, vergüenzas y frustraciones propias y de su entorno. Como forma de abordar temas angustiantes y enervantes, sobre todo aquellos que nos atraviesan constantemente a las mujeres que sostenemos la lucha contra un sistema enteramente patriarcal.

Consciente de su lugar, Blaire nos retrata pequeñas situaciones, grotescas, cotidianas o fantásticas, que nos llevan a construir escenas de películas que nunca existieron. Comedia dramática, diría Netflix.  

                                                                                                                  

When we hear the word doodle, we immediately link it to the animated logos of the searcher Google. But for English speakers, its meaning is broader: it is a simple, quick drawing, often done while the person is engaged in something else (the classic garabato born when talking on the phone, the one that inhabits the notes of an unattractive class).

As it is a language, Blaire uses doodles to expose the moods, wanderings or songs she experiences from the first day at Residencia Corazón.
Sheets of a notebook and another, ripped as a calendar, sticked as postcards, are the engine of everyday life away from home, sweet home.
But what structures Blaire's work is humor. Much has been theorized about its role in society, as a channel to name fears, nerves, discomforts (who did not make a joke at a funeral...).

Blaire takes advantage of it to laugh at insecurities, shame and frustrations of herself and her surroundings. As a way of treating distressing and unnerving issues, especially what constantly crosses us to women who sustain the struggle against an entirely patriarchal system.
Aware of her place, Blaire portrays for us grotesque, every day or fantastic situations, which lead us to build scenes from movies that never existed. Dramatic comedy, Netflix would say.

Mariel Uncal Scotti /Curadora-Curator