Natalie González Acedo/ Artista en Residencia/ diciembre 2024









NATALIE GONZÁLEZ ACEDO (México, 1984) 

Natalie es gestora cultural, artista y curadora. Una creativa y enérgica coordinadora con experiencia en exposiciones y divulgación. Trabaja entre el museo @oceansidemuseum y la galería @sparksgallery de San Diego, California, ciudad de Estados Unidos donde reside actualmente. Su intención es trabajar para hacer el arte más accesible al gran público, explorando estéticas y modelos curatoriales alternativos. Su estancia será una pausa en su actividad para dedicarse a escribir e investigar paradigmas locales, intercambiando con colegas, artistas e instituciones. Natalie es graduada de la Universidad de Guadalajara como Licenciada en Asuntos Culturales y también es Bachiller como instructora de Música.


Natalie is an artist, curator and cultural manager. She is a creative and energetic artistic coordinator with extensive experience in exhibitions and cultural outreach. She works between @oceansidemuseum and @sparksgallery in San Diego, California, where she currently resides. Her intention is to work to make art more accessible to the general public, exploring alternative aesthetics and curatorial models. Her stay as a resident at Corazón will be a pause in her activity to dedicate herself to writing and researching local paradigms, exchanging with colleagues, artists and institutions.  
Natalie is a graduate of the University of Guadalajara with a degree in Cultural Affairs and also holds a Bachelor's degree as a Music instructor.

Chélanie Beaudin-Quintin/ Artista en Residencia/ diciembre 2024





 

  •  Chélanie Beaudin-Quintin (Canadá, 1984 )
  • ”Durante la residencia mi propuesta será trabajar sobre un proyecto para  videoinstalación que explora el tema de la disociación corporal a través de retratos filmados. Inspirado inicialmente en experiencias personales, el proyecto retrata tensiones psicológicas y físicas, representadas en retratos de cara al público, que evolucionan de sonrisas serenas a momentos de tensión y liberación final. Cada retrato va acompañado de narraciones sonoras que revelan historias de resistencia y vulnerabilidad. El proyecto pretende documentar diversas experiencias corporales, de justicia social o medioambiental y destacar el papel del cuerpo en la resistencia. También estoy interesada en investigar las diversas situaciones que se dan en las manifestaciones por reclamos en la vía pública. Para ambas líneas de trabajo tengo previsto recopilar testimonios y perfeccionar las estructuras a futuro, colaborar con artistas y prácticas contemporáneas locales”.

    Chélanie es artista y realizadora audiovisual. Su formación incluye un Doctorado en Humanidades Interdisciplinares, Investigación-Creación, en la  Universidad de Concordia, Montreal, Canadá y un  Master individual en Cine y realidad virtual en la Universidad de  Montreal, Canadá.
  • “During the residency my proposal will be to work on a video installation project that explores the theme of bodily dissociation through filmed portraits. Initially inspired by personal experiences, the project portrays psychological and physical tensions, represented in head-on portraits, that evolve from serene smiles to moments of tension and final release. Each portrait is accompanied by sound narratives that reveal stories of resistance and vulnerability. The project aims to document diverse bodily, social justice or environmental experiences and to highlight the role of the body in resistance. I am also interested in investigating the diverse situations that occur in street demonstrations. For both lines of work I plan to collect testimonies and refine the structures in the future, collaborate with local contemporary artists and practices”.
  •  Chélanie is a visual artist and filmmaker. Her training includes a PhD in Interdisciplinary Humanities, Research-Creation, at Concordia University, Montreal, Canada and an  Individualized Master, Film and Virtual Reality at the University of Montreal, Canada

    www.chelanie.com


Eve Iusopova/ Faces & objects from La Plata/ noviembre 2024

 









EVA IUSOPOVA (Rusia, 2006) 

Eva (aka Eve ) es una artista multimedial que nació y creció en Rusia y  vive actualmente en Londres. Se mueve con naturalidad entre distintos medios y formatos, como el video y la fotografía. También utiliza la cerámica, la pintura, el dibujo, textiles, los objetos encontrados y la performance.

“Durante mi estadía me gustaría crear una serie de pinturas utilizando la fotografía en las calles como punto de partida, creando los conceptos de mi entorno y recogiendo objetos encontrados. La serie girará en torno a la identidad de género, el sentimiento de no pertenencia y la aleatoriedad de la vida cotidiana. Con este proyecto pretendo profundizar en mis conocimientos de pintura, mejorar mi habilidad, al tiempo que trabajo más en mi escritura creativa”
Radicada en UK, estudió arte y diseño en la International School of Creative Arts (ISCA) y  Arte y Diseño en la Cambridge School of Performing Arts (CSVP) 

Pasé mi tiempo en Residencia Corazón tomando a escondidas referencias fotográficas de la gente de La Plata y recolectando basura para reutilizarla. Mientras miraba lo encontrado, no dejaba de imaginar las cosas que podría crear. Este proyecto fue un reflejo de mi estadía. Cada cuadro sufrió horas de cambios y nuevas ideas iban circulando. Al principio, no estaba segura de qué tipo de pintura quería, si debían ser elementos de paisajes urbanos u objetos inmóviles. A medida que pasaba el tiempo, me dedicaba cada vez más a trabajar en bocetos de rostros y personas. La gente es una de las principales fuentes de inspiración de mi trabajo, me gustan las formas y las figuras, pero lo que más me gusta son las caras, con todas sus grietas, curvas y formas.

Cuando empecé a pintar personas, ya no paré, marcando cada pieza con un rostro y una historia única. Me gusta imaginar las historias que hay detrás de cada objeto, la verdad que nunca llegaré a conocer. Tampoco sabré más sobre cada rostro que imprimí en los objetos. Para mí era importante tener en cuenta la forma del objeto, estirando y doblando la cara para que encajara. Algunas piezas tienen las caras en su forma normal y luego son invertidas y adquieren forma de criatura desde el otro lado. Literalmente, muestran el paralelismo de cómo los humanos pueden ser un punto de partida para transformarse en criaturas.

Bushy fue otra pieza que creé, cada parte de su cuerpo está llena de basura, y cuando se aplastan, cada una hace su propio y único sonido. El nombre proviene de sus pobladas cejas. Quería crear una escultura grande, que se relacionara con las que hago habitualmente y que al mismo tiempo abarcara el tiempo que estuve pasado acá. Sus muslos están llenos de hojas secas del suelo, los pies de cartón y papel, los genitales de bolsas de plástico. El cuerpo de todo lo que me cabía dentro. 

 The faces and objects of La Plata

I spent my time at Residencia Corazon sneakily taking photo references of people of La Plata and collecting trash to utilize it. As I was looking at collected trash, I kept imagining the things I could create using it. This project was for reflection of my time at the residency and in La Plata. Each painting undergoing hours of changes and new ideas circulating as at the beginning I wasn’t sure what kind of painting I want to end up with, whether they should be of elements of city scapes or still objects. As time passed, I kept spending more and more time doing sketches of faces and people. People are one of the main sources of inspiration in my work, I like the shapes and figures, but my favorite thing will forever be the faces, with all the crevices and bends and forms. 

After I began painting people I never really stopped, marking each piece with a face and a unique story. I like to imagine the stories behind each and every object, truth of which I will never get to know. Nor will I know more about each face I printed on the objects. It was important to me to take in the shape of the object into account stretching and bending the face accordingly to fit it. Some pieces have the faces in their regular form and then inverted into a creature form on the other side. Literally showing the parallel of how humans can be a starting point for creatures. 

Bushy was another piece I created, each part of their body is filled with trash, and when squished each makes its own unique sound. Bushy name comes from the bushy eyebrows they have. I wanted to create a large sculpture that would relate to my usual creatures while also encompassing my time here. Their thighs are filled with dry leaves from the ground, feet with cardboard and paper, genitals with plastic bags, body with whatever I could fit inside. 

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 La obra de Eve es un relato sobre los modos de provocar los encuentros. Encuentros que se dan en diferentes planos y formatos. Los hallazgos que surgen de estos, pueden parecer tímidos o forzados. Pueden ser vinculares, sumatorios o sintéticos. Pero sí son, en todos los casos, sinérgicos.

Desde una mirada introspectiva salió a toparse con La Plata, a tropezarse con personas y estrechar la mano con objetos sin dueño. Eve los encastro como ladrillos imposibles, aplastando unos contra otros, construyendo una trama indescifrable por la sumatoria de las partes que encuentra sentido en el vértigo de habitar una nueva ciudad.

La muestra nos propone desafíos, ¿Cómo articular este espacio personal? ¿En qué lado de la sartén nos sentimos cómodos? ¿Cómo podremos seguir repensando las estructuras binarias y las tradiciones?

“Tomo lo que encuentro y dejo lo que hago, sin compromisos.”

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Eve's work is a story about the ways of provoking encounters. Encounters that occur in different planes and formats. The findings that emerge from these encounters may seem timid or forced. They may be linked, summative or synthetic. But they are, in all cases, synergic.

From an introspective point of view, she went out to meet La Plata, to bump into people and shake hands with ownerless objects. Eve put them together like impossible bricks, crushing them against each other, building an indecipherable plot by the sum of the parts that makes sense in the vertigo of living in a new city.

The exhibition proposes challenges: how to articulate this personal space, on which side of the frying pan do we feel comfortable, how can we continue to rethink binary structures and traditions?

“I take what I find and leave what I make, without compromise.”

 Fran Carranza/ Curador- Curator


Nate Larson/ Episode 2!/ Artist in Residence 2024





NATE LARSON (Baltimore,USA, 1978)

 I am very grateful to have received a Rubys @rubysartistgrants for Artists 2023, which allows me to return to Argentina. It allows me to continue with my photographic project started during my previous residency at @residenciacorazon in collaboration with @elpuentearteycultura. . I approach this work with humility and seriousness, eager to listen, learn and find productive ways to contribute to the important global conversation about the issue of minorities in contexts of confinement. My projects have been widely exhibited across the US and internationally as well as featured in numerous publications and media In addition to my artistic practice, I am a Professor of Photography at MICA / Maryland Institute College of Art in Baltimore. My artwork is held in the permanent collections of the George Eastman Museum, High Museum Atlanta, Crystal Bridges Museum of American Art, the Orlando Museum of Art, Portland Art Museum, the Museum of Fine Arts Houston, and the Museum of Contemporary Photography Chicago, among others. 

  • “Estoy muy agradecido por haber recibido una beca Rubys @rubysartistgrants para Artistas 2023, que me permite volver a Argentina. Me permite continuar con mi proyecto fotográfico iniciado durante mi anterior residencia en @residenciacorazon en colaboración con @elpuentearteycultura Abordo este trabajo con humildad y seriedad, con ganas de escuchar, aprender y encontrar formas productivas de contribuir a la importante conversación global sobre el tema de las minorías en contextos de encierro.Mis proyectos se han expuesto ampliamente en EE.UU. e internacionales, así como en numerosas publicaciones y medios de comunicación. Además de mi práctica artística, soy profesor de fotografía en el MICA / Maryland Institute College of Art de Baltimore. Mis obras forman parte de las colecciones permanentes del George Eastman Museum, el High Museum de Atlanta, el Crystal Bridges Museum of American Art, el Orlando Museum of Art, el Portland Art Museum, Museum of Fine Arts de Houston y el Museum of Contemporary Photography de Chicago, entre otros".
  • www.natelarson.com 

Jessica Ramírez/ Facades-Fachadas/ septiembre 2024












JESSICA RAMIREZ (Estados Unidos, 1983)

 "Como artista con raíces en Argentina y México, nacida en los EE.UU., mi trabajo se encuentra en la intersección entre las tradiciones indígenas y la narrativa Latinx en evolución. La residencia servirá como lienzo para estas influencias, facilitando una exploración más profunda y la manifestación de estos temas.Quisiera crear una serie de obras textiles escultóricas que yuxtapongan e integren las facetas indígenas de Argentina con la dinámica de la vida urbana, la migración y la fusión cultural características de la experiencia latina en los EE.UU. Partiendo de la rica gama de artefactos, patrones y símbolos indígenas argentinos, pretendo captar la esencia de estas formas artísticas tradicionales. Entrelazando elementos personales de mi bagaje cultural, reflexionando sobre la asimilación: el equilibrio entre conservar las raíces ancestrales y navegar por el entorno cultural de una nueva tierra. A través de la fusión de historias  y culturas distintas, intento producir obras que exploran visualmente la identidad, la migración y la intrincada danza de la mezcla cultural"  Jessica se desempeña actualmente como profesora  de Arte en la ciudad de New York.. Se recibió de Bachiller en Bellas Artes y Escultura y tiene un Master en Bellas Artes y escultura de la  Universidad de Texas, San Antonio.

ENG

"As an artist with roots in Argentina and Mexico, born in the U.S., my work lies at the intersection between indigenous traditions and the evolving Latinx narrative. The residency will serve as a canvas for these influences, facilitating a deeper exploration and manifestation of these themes.I would like to create a series of sculptural textile works that juxtapose and integrate the indigenous facets of Argentina with the dynamics of urban life, migration and cultural fusion characteristic of the Latino experience in the U.S. Drawing from the rich array of indigenous Argentina artifacts, patterns and symbols, I intend to capture the essence of these traditional art forms. Interweaving personal elements from my cultural background, reflecting on assimilation: the balance between preserving ancestral roots and navigating the cultural environment of a new land. Through the fusion of distinct histories and cultures, I seek to produce works that visually explore identity, migration and the intricate dance of cultural mixing".  Jessica currently works as an Art teacher in New York City. She received a BFA in Fine Art and Sculpture and holds an MFA in Fine Art and Sculpture from the University of Texas at San Antonio.

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La obra de Jessica comienza en la práctica del andar. Pero no en cualquier andar, el andar del viajero, de quien pasea, de quien se encuentra en un nuevo lugar y todo lo observa. Un andar desinteresado, atento, sensible, que desactiva la naturalización de la mirada cotidiana del andar productivo y alienado. Vino desde lejos, vino a la Argentina a buscar parte de su origen. Jessica recorre la ciudad y presta atención a su arquitectura, a sus casas. Se imagina cómo debe ser vivir allí, se pregunta qué historias habrán albergado estos hogares. La Plata la cautiva. Le fascina la convivencia que hay entre estilos de diversos orígenes, la mezcla entre lo nuevo y lo viejo, y cómo las superficies de las construcciones dan cuenta del paso del tiempo. Paredes, aberturas, molduras, pinturas descascaradas, grietas, óxido, grafitis… Las fachadas como palimpsestos, como escrituras en capas que conservan parte de lo que fueron, velando y develando esos pasados. De la experiencia del andar deviene el tejido. Otra puesta en cuerpo, otra interacción, otro entramado. Inspirados en las fachadas de las casas, como si se trataran de capturas de un registro retiniano que se detiene por momentos en el continuo de la caminata, los tapices de Jessica nos remiten a la arquitectura de la ciudad, a sus espacios, a sus temporalidades, al mestizaje cultural. Aluden, dialogan, se genera una intertextualidad.

                                                                                                                                  Anahí Lacalle/ Curadora

Fachadas

Mi trabajo se inspira en las fachadas del siglo XIX y principios del XX en Argentina, donde el tiempo ha dejado su huella tanto en las superficies deterioradas como en las inmaculadas. Me atraen las capas de historia que encierran estos elementos arquitectónicos: cada grieta, desprendimiento y cada detalle conservado revelan historias de la grandeza de antaño. Estas fachadas me cautivan porque exponen texturas intrincadas, capas ocultas y una rica historia forjada por las influencias culturales y el paso del tiempo. Particularmente me resuenan las de los hogares. Una casa es algo más que una estructura; es un marcador de lugar, identidad y pertenencia. El exterior revela algo sobre las personas que la habitan, la historia que encierra y la comunidad que define. Para mí, Argentina es a la vez familiar y lejana, un lugar que sólo he conocido a través de historias. Investigar sobre estos frentes me sirve para conectar con un país en el que nunca he estado, pero que alberga la mitad de mi ascendencia. En mi exploración de las técnicas tradicionales de tejido, re imagino el proceso, experimentando con métodos poco convencionales de entrecruzar el hilo. Esto me permite indagar nuevas formas de envolver y entrelazar fibras, como las capas fragmentadas de una fachada desgastada. Mientras viajaba por ciudades de aquí, observé una variedad de superficies arquitectónicas, cada una con su propio estilo y paleta de colores. Esta serie refleja esas diversas experiencias, un diálogo visual entre lo tejido y lo desgastado, donde el pasado y el presente se enlazan. A través de este trabajo, rastreo mi conexión con Argentina, utilizando las fachadas como un punto de partida para comprometerme con un patrimonio que es personal, pero en gran parte aún inexplorado.

Facades

My work is inspired by 19th- and early 20th-century facades in Argentina, where time has left its mark on both deteriorating and pristine surfaces. I am drawn to the layered histories embedded within these architectural elements—each crack, peel, and preserved detail revealing stories of former grandeur. These facades captivate me as they expose intricate textures, hidden layers, and a rich history shaped by cultural influences and the passage of time. Facades of homes, in particular, resonate with me. A home is more than just a structure; it is a marker of place, identity, and belonging. The exterior reveals something about the people who inhabit it, the history it holds, and the community it defines. For me, Argentina is both familiar and distant—a place I’ve only known through stories. Exploring these facades serves as a way for me to connect with a country I’ve never been to, but that holds half of my ancestry. In my exploration of traditional weaving techniques, I reimagine the process, experimenting with unconventional methods of intersecting yarn. This allows me to investigate new ways of wrapping and entwining fibers, much like the fragmented layers of a weathered facade. As I traveled through cities across Argentina, I observed a variety of architectural surfaces, each with its own distinct style and color palette. This series reflects those diverse experiences—a visual dialogue between the woven and the worn, where past and present intertwine. Through this work, I explore my connection to Argentina, using the facades of homes as an entry point to engage with a heritage that is personal yet largely unexplored.


www.jessicaramirez.com

 

 

 

 

 

 

 

 

 

                                                                             

                                                  

Tamara Berger/ Vox Femina/ Agosto 2024




Tamara Berger (Serbia, 1986)

Tamara vive y trabaja en Alemania como docente artista. Es miembro activo de @kunstvereinludwigsburg. Su obra explora los roles de la mujer y el género, abordando estos temas tanto en el contexto del arte tradicional como en la sociedad contemporánea. Su enfoque y compromiso con la reflexión crítica la han llevado a participar en residencias artísticas en Japón, Tailandia y Portugal y a exponer su trabajo en galerías y espacios culturales en Estados Unidos, Alemania, Hong Kong, Suiza e Inglaterra. Tamara tiene un título de Bachillerato y una Maestría en Arte del Departamento de Arqueología de la Universidad de Belgrado, donde ha desarrollado la base académica que complementa su práctica.

Tamara works as a teacher and artist un Germany and is an active member of @kunstvereinludwigsburg. Her work explores the roles of women and gender, addressing these issues both in the context of traditional art and in contemporary society. Her approach and commitment to critical reflection have led her to participate in artist residencies in Japan, Thailand and Portugal, and to exhibit her work in galleries and cultural spaces in the United States, Germany, Hong Kong, Switzerland and England. She holds a Bachelor's degree and a Master's degree in Art from the Department of Archaeology at the University of Belgrade, where she has developed the academic foundation that complements her practice.

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Como feminista interseccional, intento comprender la variedad de perspectivas de ser mujer en el siglo XXI. En mi investigación, desarrollé un gran respeto por las mujeres en Argentina debido a su solidaridad, capacidad de señalar algunos de los problemas clave de la feminidad, y por la fuerza de sus voces que dieron impulso a los movimientos en toda América Latina y más allá.Durante mi estadía en Residencia Corazón, he intentado asumir el rol de una alquimista que amalgama los diversos aspectos de ser mujer en Argentina para abordar la pregunta: ¿por qué las mujeres argentinas son tan notables en su lucha por la igualdad? Mi objetivo es aprender de ustedes, queridas hermanas, y reflejar su verdad a través de mi arte, que es mi misión como artista. Mis intereses principales incluyen el movimiento Ni Una Menos, la trayectoria de lucha de las Madres y Abuelas de Plaza de Mayo, así como mujeres prominentes que desafían el machismo y desempeñan roles significativos en un mundo dominado por hombres, como la reconocida artista Marta Minujín o la pionera en filosofía Elvira López. Entiendo que una residencia artística es un espacio para la experimentación, por lo que he decidido explorar nuevas técnicas y materiales sin restringir mis impulsos creativos. Con mi pañuelo verde, deseo seguir difundiendo el mensaje y motivar a mujeres de otras latitudes a aprender de la valentía y el compromiso de las mujeres argentinas.

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As an intersectional feminist, I seek to understand the diverse perspectives of being a woman in the 21st century. Through my research, I have developed great respect for women in Argentina due to their solidarity, their ability to highlight key issues related to femininity, and the strength of their voices that have fueled movements throughout Latin America and beyond. During my stay at Residencia Corazón, I have endeavored to assume the role of an alchemist who blends various aspects of being a woman in Argentina to address the question: why are Argentine women so remarkable in their fight for equality? My goal is to learn from you, dear sisters, and to reflect your truth through my art, which is my mission as an artist. My primary interests include the Ni Una Menos movement, the struggle of the Madres and Abuelas de Plaza de Mayo, as well as prominent women who challenge machismo and play significant roles in a male-dominated world, such as the renowned artist Marta Minujín or the pioneering philosopher Elvira López. I understand that an artist residency is a space for experimentation, so I have chosen to explore new techniques and materials without restricting my creative impulses. With my green scarf, I aim to continue spreading the message and encouraging women from other regions to learn from the courage and commitment of Argentine women.

tamarabergerart.de






 

Hanna Kratsman-Robles/ Artista en Residencia/ Julio 2024








Hanna Kratsman-Robles (Puerto Rico, 1999)

Hanna nació en Trujillo, Puerto Rico y de chica se mudó con su familia a Dallas. Allí estudió en la University of North Texas, Denton - recibiéndose de Licenciada en Bellas Artes. Obtuvo una licenciatura en Estudio de Artes especializado  en Dibujo y Pintura, con un título en Historia del Arte. “Me interesa explorar las intersecciones entre la pintura, la poesía, y la escultura. El aspecto de comunidad y colaboración daría fruto al crecimiento de mis piezas que incorporan la lingüística y me proveería con la oportunidad para sumergirme en una zona hispanohablante y explorar mis raíces paternas en Argentina. Me interesaría analizar los aspectos contradictorios de la identidad (especialmente la identidad de los inmigrantes) y las emociones diarias, utilizando el idioma como el ejemplo perfecto de cómo  el lenguaje moldea nuestras perspectivas y experiencias”

Hanna was born in Trujillo, Puerto Rico and as a child moved with her family to Dallas. There she studied at the University of North Texas, Denton - receiving a Bachelor of Fine Arts degree. Earned a Bachelor of Arts degree in Studio Art specializing in Drawing and Painting, with a minor in Art History.
“ I am interested in exploring the intersections between painting, poetry, and sculpture. The aspect of community and collaboration would bear fruit in the growth of my pieces that incorporate linguistics and provide me with the opportunity to immerse myself in a Spanish-speaking linguistics and would provide me with the opportunity to immerse myself in a Spanish-speaking zone and explore my paternal roots in Argentina. I would be interested in analyzing the contradictory aspects of identity (especially migrant identity) and everyday emotions, using language as the perfect example of how language shapes our perspectives and experiences".

artekratsman.com

CHUNG-WEI HSU -Indigo Hsu / July 2024






CHUNG-WEI HSU -Indigo Hsu- (Taiwan, 1993)

Sus obras de cerámica, escultura e ilustración cuentan historias de viajes, observación de la sociedad y sueños creando personajes que indican metáforas, narrativas que envían mensajes que esperan inspirar a la gente cuando observe su arte. "Durante mi residencia, me gustaría correrme de la escultura y la cerámica, experimentar en la animación, investigar la cultura local, compartiendo el reflejo con mis ojos de forastera y encontrando la diversión dentro de mis conflictos". Indigo estudió artes materiales y diseño en la Universidad Nacional de las Artes de Tainan. ha participado en el programas de residencia en Vallauris (Francia), el Museo Clayarch Gimhae (Corea del Sur), el Centro de Arte Cerámico de Hualien, el Taller Mizuiro y el Museo de Arte Cerámico Yingge (Taiwán) y ha participado activamente en talleres, ferias y colaboraciones con otros artistas, difundiendo su pasión en diversos países del mundo.

Her ceramic, sculpture and illustration works tell stories of travel, observation of society and dreams by creating characters that indicate metaphors, narratives that send messages that hope to inspire people when they observe her art. "During my residency, I would like to move away from sculpture and ceramics, experiment in animation, investigate local culture, share the reflection with my outsider's eyes and find the fun within my conflicts."
Indigo studied material arts and design at National Tainan University of the Arts. She has participated in residency programs in Vallauris (France), Clayarch Gimhae Museum (South Korea), Hualien Ceramic Art Center, Mizuiro Workshop and Yingge Ceramic Art Museum (Taiwan) and has actively participated in workshops, fairs and collaborations with other artists, spreading her passion in various countries around the world.

www.indigohsu.com