Nate Larson/ Episode 2!/ Artist in Residence







NATE LARSON (Baltimore,USA, 1978) I am very grateful to have received a Rubys @rubysartistgrants for Artists 2023, which allows me to return to Argentina. It allows me to continue with my photographic project started during my previous residency at @residenciacorazon in collaboration with @elpuentearteycultura. . I approach this work with humility and seriousness, eager to listen, learn and find productive ways to contribute to the important global conversation about the issue of minorities in contexts of confinement. My projects have been widely exhibited across the US and internationally as well as featured in numerous publications and media In addition to my artistic practice, I am a Professor of Photography at MICA / Maryland Institute College of Art in Baltimore. My artwork is held in the permanent collections of the George Eastman Museum, High Museum Atlanta, Crystal Bridges Museum of American Art, the Orlando Museum of Art, Portland Art Museum, the Museum of Fine Arts Houston, and the Museum of Contemporary Photography Chicago, among others. 

  • “Estoy muy agradecido por haber recibido una beca Rubys @rubysartistgrants para Artistas 2023, que me permite volver a Argentina. Me permite continuar con mi proyecto fotográfico iniciado durante mi anterior residencia en @residenciacorazon en colaboración con @elpuentearteycultura Abordo este trabajo con humildad y seriedad, con ganas de escuchar, aprender y encontrar formas productivas de contribuir a la importante conversación global sobre el tema de las minorías en contextos de encierro.Mis proyectos se han expuesto ampliamente en EE.UU. e internacionales, así como en numerosas publicaciones y medios de comunicación. Además de mi práctica artística, soy profesor de fotografía en el MICA / Maryland Institute College of Art de Baltimore. Mis obras forman parte de las colecciones permanentes del George Eastman Museum, el High Museum de Atlanta, el Crystal Bridges Museum of American Art, el Orlando Museum of Art, el Portland Art Museum, Museum of Fine Arts de Houston y el Museum of Contemporary Photography de Chicago, entre otros".
  • www.natelarson.com 

Jessica Ramírez/ Fachadas - Facades/ Septiembre 2024







JESSICA RAMIREZ (Estados Unidos, 1983)

 "Como artista con raíces en Argentina y México, nacida en los EE.UU., mi trabajo se encuentra en la intersección entre las tradiciones indígenas y la narrativa Latinx en evolución. La residencia servirá como lienzo para estas influencias, facilitando una exploración más profunda y la manifestación de estos temas.Quisiera crear una serie de obras textiles escultóricas que yuxtapongan e integren las facetas indígenas de Argentina con la dinámica de la vida urbana, la migración y la fusión cultural características de la experiencia latina en los EE.UU. Partiendo de la rica gama de artefactos, patrones y símbolos indígenas argentinos, pretendo captar la esencia de estas formas artísticas tradicionales. Entrelazando elementos personales de mi bagaje cultural, reflexionando sobre la asimilación: el equilibrio entre conservar las raíces ancestrales y navegar por el entorno cultural de una nueva tierra. A través de la fusión de historias  y culturas distintas, intento producir obras que exploran visualmente la identidad, la migración y la intrincada danza de la mezcla cultural"  Jessica se desempeña actualmente como profesora  de Arte en la ciudad de New York.. Se recibió de Bachiller en Bellas Artes y Escultura y tiene un Master en Bellas Artes y escultura de la  Universidad de Texas, San Antonio.

ENG

"As an artist with roots in Argentina and Mexico, born in the U.S., my work lies at the intersection between indigenous traditions and the evolving Latinx narrative. The residency will serve as a canvas for these influences, facilitating a deeper exploration and manifestation of these themes.I would like to create a series of sculptural textile works that juxtapose and integrate the indigenous facets of Argentina with the dynamics of urban life, migration and cultural fusion characteristic of the Latino experience in the U.S. Drawing from the rich array of indigenous Argentina artifacts, patterns and symbols, I intend to capture the essence of these traditional art forms. Interweaving personal elements from my cultural background, reflecting on assimilation: the balance between preserving ancestral roots and navigating the cultural environment of a new land. Through the fusion of distinct histories and cultures, I seek to produce works that visually explore identity, migration and the intricate dance of cultural mixing".  Jessica currently works as an Art teacher in New York City. She received a BFA in Fine Art and Sculpture and holds an MFA in Fine Art and Sculpture from the University of Texas at San Antonio.

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La obra de Jessica comienza en la práctica del andar. Pero no en cualquier andar, el andar del viajero, de quien pasea, de quien se encuentra en un nuevo lugar y todo lo observa. Un andar desinteresado, atento, sensible, que desactiva la naturalización de la mirada cotidiana del andar productivo y alienado. Vino desde lejos, vino a la Argentina a buscar parte de su origen. Jessica recorre la ciudad y presta atención a su arquitectura, a sus casas. Se imagina cómo debe ser vivir allí, se pregunta qué historias habrán albergado estos hogares. La Plata la cautiva. Le fascina la convivencia que hay entre estilos de diversos orígenes, la mezcla entre lo nuevo y lo viejo, y cómo las superficies de las construcciones dan cuenta del paso del tiempo. Paredes, aberturas, molduras, pinturas descascaradas, grietas, óxido, grafitis… Las fachadas como palimpsestos, como escrituras en capas que conservan parte de lo que fueron, velando y develando esos pasados. De la experiencia del andar deviene el tejido. Otra puesta en cuerpo, otra interacción, otro entramado. Inspirados en las fachadas de las casas, como si se trataran de capturas de un registro retiniano que se detiene por momentos en el continuo de la caminata, los tapices de Jessica nos remiten a la arquitectura de la ciudad, a sus espacios, a sus temporalidades, al mestizaje cultural. Aluden, dialogan, se genera una intertextualidad.

                                                                                                                                  Anahí Lacalle/ Curadora

Fachadas

Mi trabajo se inspira en las fachadas del siglo XIX y principios del XX en Argentina, donde el tiempo ha dejado su huella tanto en las superficies deterioradas como en las inmaculadas. Me atraen las capas de historia que encierran estos elementos arquitectónicos: cada grieta, desprendimiento y cada detalle conservado revelan historias de la grandeza de antaño. Estas fachadas me cautivan porque exponen texturas intrincadas, capas ocultas y una rica historia forjada por las influencias culturales y el paso del tiempo. Particularmente me resuenan las de los hogares. Una casa es algo más que una estructura; es un marcador de lugar, identidad y pertenencia. El exterior revela algo sobre las personas que la habitan, la historia que encierra y la comunidad que define. Para mí, Argentina es a la vez familiar y lejana, un lugar que sólo he conocido a través de historias. Investigar sobre estos frentes me sirve para conectar con un país en el que nunca he estado, pero que alberga la mitad de mi ascendencia. En mi exploración de las técnicas tradicionales de tejido, re imagino el proceso, experimentando con métodos poco convencionales de entrecruzar el hilo. Esto me permite indagar nuevas formas de envolver y entrelazar fibras, como las capas fragmentadas de una fachada desgastada. Mientras viajaba por ciudades de aquí, observé una variedad de superficies arquitectónicas, cada una con su propio estilo y paleta de colores. Esta serie refleja esas diversas experiencias, un diálogo visual entre lo tejido y lo desgastado, donde el pasado y el presente se enlazan. A través de este trabajo, rastreo mi conexión con Argentina, utilizando las fachadas como un punto de partida para comprometerme con un patrimonio que es personal, pero en gran parte aún inexplorado.

Facades

My work is inspired by 19th- and early 20th-century facades in Argentina, where time has left its mark on both deteriorating and pristine surfaces. I am drawn to the layered histories embedded within these architectural elements—each crack, peel, and preserved detail revealing stories of former grandeur. These facades captivate me as they expose intricate textures, hidden layers, and a rich history shaped by cultural influences and the passage of time. Facades of homes, in particular, resonate with me. A home is more than just a structure; it is a marker of place, identity, and belonging. The exterior reveals something about the people who inhabit it, the history it holds, and the community it defines. For me, Argentina is both familiar and distant—a place I’ve only known through stories. Exploring these facades serves as a way for me to connect with a country I’ve never been to, but that holds half of my ancestry. In my exploration of traditional weaving techniques, I reimagine the process, experimenting with unconventional methods of intersecting yarn. This allows me to investigate new ways of wrapping and entwining fibers, much like the fragmented layers of a weathered facade. As I traveled through cities across Argentina, I observed a variety of architectural surfaces, each with its own distinct style and color palette. This series reflects those diverse experiences—a visual dialogue between the woven and the worn, where past and present intertwine. Through this work, I explore my connection to Argentina, using the facades of homes as an entry point to engage with a heritage that is personal yet largely unexplored.


www.jessicaramirez.com

 

 

 

 

 

 

 

 

 

                                                                             

                                                  

Tamara Berger/ Vox Femina/ Agosto 2024




Tamara Berger (Serbia, 1986)

Tamara vive y trabaja en Alemania como docente artista. Es miembro activo de @kunstvereinludwigsburg. Su obra explora los roles de la mujer y el género, abordando estos temas tanto en el contexto del arte tradicional como en la sociedad contemporánea. Su enfoque y compromiso con la reflexión crítica la han llevado a participar en residencias artísticas en Japón, Tailandia y Portugal y a exponer su trabajo en galerías y espacios culturales en Estados Unidos, Alemania, Hong Kong, Suiza e Inglaterra. Tamara tiene un título de Bachillerato y una Maestría en Arte del Departamento de Arqueología de la Universidad de Belgrado, donde ha desarrollado la base académica que complementa su práctica.

Tamara works as a teacher and artist un Germany and is an active member of @kunstvereinludwigsburg. Her work explores the roles of women and gender, addressing these issues both in the context of traditional art and in contemporary society. Her approach and commitment to critical reflection have led her to participate in artist residencies in Japan, Thailand and Portugal, and to exhibit her work in galleries and cultural spaces in the United States, Germany, Hong Kong, Switzerland and England. She holds a Bachelor's degree and a Master's degree in Art from the Department of Archaeology at the University of Belgrade, where she has developed the academic foundation that complements her practice.

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Como feminista interseccional, intento comprender la variedad de perspectivas de ser mujer en el siglo XXI. En mi investigación, desarrollé un gran respeto por las mujeres en Argentina debido a su solidaridad, capacidad de señalar algunos de los problemas clave de la feminidad, y por la fuerza de sus voces que dieron impulso a los movimientos en toda América Latina y más allá.Durante mi estadía en Residencia Corazón, he intentado asumir el rol de una alquimista que amalgama los diversos aspectos de ser mujer en Argentina para abordar la pregunta: ¿por qué las mujeres argentinas son tan notables en su lucha por la igualdad? Mi objetivo es aprender de ustedes, queridas hermanas, y reflejar su verdad a través de mi arte, que es mi misión como artista. Mis intereses principales incluyen el movimiento Ni Una Menos, la trayectoria de lucha de las Madres y Abuelas de Plaza de Mayo, así como mujeres prominentes que desafían el machismo y desempeñan roles significativos en un mundo dominado por hombres, como la reconocida artista Marta Minujín o la pionera en filosofía Elvira López. Entiendo que una residencia artística es un espacio para la experimentación, por lo que he decidido explorar nuevas técnicas y materiales sin restringir mis impulsos creativos. Con mi pañuelo verde, deseo seguir difundiendo el mensaje y motivar a mujeres de otras latitudes a aprender de la valentía y el compromiso de las mujeres argentinas.

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As an intersectional feminist, I seek to understand the diverse perspectives of being a woman in the 21st century. Through my research, I have developed great respect for women in Argentina due to their solidarity, their ability to highlight key issues related to femininity, and the strength of their voices that have fueled movements throughout Latin America and beyond. During my stay at Residencia Corazón, I have endeavored to assume the role of an alchemist who blends various aspects of being a woman in Argentina to address the question: why are Argentine women so remarkable in their fight for equality? My goal is to learn from you, dear sisters, and to reflect your truth through my art, which is my mission as an artist. My primary interests include the Ni Una Menos movement, the struggle of the Madres and Abuelas de Plaza de Mayo, as well as prominent women who challenge machismo and play significant roles in a male-dominated world, such as the renowned artist Marta Minujín or the pioneering philosopher Elvira López. I understand that an artist residency is a space for experimentation, so I have chosen to explore new techniques and materials without restricting my creative impulses. With my green scarf, I aim to continue spreading the message and encouraging women from other regions to learn from the courage and commitment of Argentine women.

tamarabergerart.de






 

Hanna Kratsman-Robles/ Artista en Residencia/ Julio 2024








Hanna Kratsman-Robles (Puerto Rico, 1999)

Hanna nació en Trujillo, Puerto Rico y de chica se mudó con su familia a Dallas. Allí estudió en la University of North Texas, Denton - recibiéndose de Licenciada en Bellas Artes. Obtuvo una licenciatura en Estudio de Artes especializado  en Dibujo y Pintura, con un título en Historia del Arte. “Me interesa explorar las intersecciones entre la pintura, la poesía, y la escultura. El aspecto de comunidad y colaboración daría fruto al crecimiento de mis piezas que incorporan la lingüística y me proveería con la oportunidad para sumergirme en una zona hispanohablante y explorar mis raíces paternas en Argentina. Me interesaría analizar los aspectos contradictorios de la identidad (especialmente la identidad de los inmigrantes) y las emociones diarias, utilizando el idioma como el ejemplo perfecto de cómo  el lenguaje moldea nuestras perspectivas y experiencias”

Hanna was born in Trujillo, Puerto Rico and as a child moved with her family to Dallas. There she studied at the University of North Texas, Denton - receiving a Bachelor of Fine Arts degree. Earned a Bachelor of Arts degree in Studio Art specializing in Drawing and Painting, with a minor in Art History.
“ I am interested in exploring the intersections between painting, poetry, and sculpture. The aspect of community and collaboration would bear fruit in the growth of my pieces that incorporate linguistics and provide me with the opportunity to immerse myself in a Spanish-speaking linguistics and would provide me with the opportunity to immerse myself in a Spanish-speaking zone and explore my paternal roots in Argentina. I would be interested in analyzing the contradictory aspects of identity (especially migrant identity) and everyday emotions, using language as the perfect example of how language shapes our perspectives and experiences".

artekratsman.com

CHUNG-WEI HSU -Indigo Hsu / July 2024






CHUNG-WEI HSU -Indigo Hsu- (Taiwan, 1993)

Sus obras de cerámica, escultura e ilustración cuentan historias de viajes, observación de la sociedad y sueños creando personajes que indican metáforas, narrativas que envían mensajes que esperan inspirar a la gente cuando observe su arte. "Durante mi residencia, me gustaría correrme de la escultura y la cerámica, experimentar en la animación, investigar la cultura local, compartiendo el reflejo con mis ojos de forastera y encontrando la diversión dentro de mis conflictos". Indigo estudió artes materiales y diseño en la Universidad Nacional de las Artes de Tainan. ha participado en el programas de residencia en Vallauris (Francia), el Museo Clayarch Gimhae (Corea del Sur), el Centro de Arte Cerámico de Hualien, el Taller Mizuiro y el Museo de Arte Cerámico Yingge (Taiwán) y ha participado activamente en talleres, ferias y colaboraciones con otros artistas, difundiendo su pasión en diversos países del mundo.

Her ceramic, sculpture and illustration works tell stories of travel, observation of society and dreams by creating characters that indicate metaphors, narratives that send messages that hope to inspire people when they observe her art. "During my residency, I would like to move away from sculpture and ceramics, experiment in animation, investigate local culture, share the reflection with my outsider's eyes and find the fun within my conflicts."
Indigo studied material arts and design at National Tainan University of the Arts. She has participated in residency programs in Vallauris (France), Clayarch Gimhae Museum (South Korea), Hualien Ceramic Art Center, Mizuiro Workshop and Yingge Ceramic Art Museum (Taiwan) and has actively participated in workshops, fairs and collaborations with other artists, spreading her passion in various countries around the world.

www.indigohsu.com 

YINDI CHEN / 陈寅迪 / Artist in Residence/ June 2024

 





YINDI CHEN (China, 1998) es estudiante de curaduría e historia del arte en la Universidad de York (UK). Sus investigaciones y búsquedas se centran en el carácter extraño de la naturaleza, los cruces entre ciencias y mitologías, la pluralidad de épocas y cosmologías. Ha participado como curadora en exposiciones y eventos en @yamanaka.suplex (Osaka), @gallerytutu@subtitled.nyc  y School of Visual Arts (NY), entre otros. Colaboró con @theartnewspaper_china , @cprintjournal@whitehotmagazine y @cultbytes.

ENG

Yindi is a curatorial and art history student at the University of York (UK). Her research and investigations focus on the strangeness of nature, the crossovers between sciences and mythologies, the plurality of epochs and cosmologies. She has participated as a curator in exhibitions and events at @yamanaka.suplex (Osaka), @gallerytutu@subtitled.nyc and School of Visual Arts (NY), among others. She collaborated with @theartnewspaper_china@cprintjournal@whitehotmagazine & @cultbytes.

Caecilia Goeken - Artist in Residence- May 2024





 “Como mi asignatura principal es la filosofía, me dedico a utilizarla inspiración de mis estudios para profundizar en mis habilidades artísticas. Una idea inicial para mi proyecto de residencia sería una serie que documente la alteración visual en nuestra vida cotidiana y las diferentes formas en que pueden producirse estas alteraciones. Este proyecto no se limita a la investigación de la perturbación de lo puramente visual, sino que también puede reflexionar sobre las consecuencias de las marcas que quedan y sirve tanto de crítica como de reflexión sobre las implicaciones de un mundo en el que nuestros sentidos visuales están perpetuamente inundados y, por tanto, con el tiempo adormecidos” 

Caecilia ha estudiado en la Esmod (Francia) y es Bachiller del programa de licenciatura en estudios culturales con especialización en filosofía FernUni Hagen (Alemania). Ha realizado exhibiciones en España y Alemania, llevando adelante el proyecto artístico independiente llamado «Everything We See» para crear y exponer junto a mujeres artistas de todo el mundo.

ENG

"As my major subject is philosophy, I am dedicated to using the inspiration from my studies to further my artistic skills.An initial idea for my residency project would be a series documenting the visual disruption in our daily lives and the different ways in which these disruptions can occur. This project is not limited to the investigation of the disruption of the purely visual, but can also reflect on the consequences of the marks left behind and serves as both a critique and reflection on the implications of a world in which our visual senses are perpetually inundated and thus eventually numbed”. 

Caecilia has studied at Esmod (France) and is a graduate of the bachelor program in cultural studies with a major in philosophy FernUni Hagen (Germany). She has exhibited in Spain and Germany, carrying out the independent art project “Everything We See” to create and expound called “Everything We See” to create and exhibit together with women artists from all over the world.

everythingwesee.com  

    Luo Chia-Hui/ Rootbeat/ abril 2024

     








     Intenté mostrar el singular trazado en damero y el paisaje de La Plata a través de dos formas de expresión: la pintura y la instalación. En los cruces de las calles principales se extienden amplios parques y plazas, complementados por altísimos árboles al borde de la calle y algunos edificios de estilo europeo, que dan crédito a su apodo de «Ciudad Forestal» y muestran su rico patrimonio histórico y cultural. El título de la exposición combina «Root» (raíz) y «heartbeat» (latido del corazón), dando a entender la vitalidad de las raíces de los árboles bajo tierra, reflejando la actividad rítmica del latido del corazón humano y demostrando una fuerza estable y sostenida. Todos los días realizaba inspecciones caminando la ciudad, descubriendo sus estilos y cualidades enormemente diferentes durante el día y la noche. De día, el cálido sol de abril y la suave brisa otoñal añaden un toque de belleza al paisaje urbano. El juego de sombras verdes sobre los edificios y las capas de ramas que dividen el cielo azul crean una escena pintoresca. La suave luz se filtra por los huecos entre ramas y hojas, formando a veces una etérea niebla, a veces un suave enredo. Al caer la noche, los colores vibrantes y las luces cobran vida, y cada negocio parece una caja de luz, atrayendo a los transeúntes con sus vidrieras iluminadas. La cultura de la “cena tardía” en Argentina se extiende por las calles bañadas por el cálido resplandor de las farolas, donde se puede ver a clientes mezclándose en un ambiente pausado de copas que tintinean. A pesar de las cautivadoras escenas, es difícil ignorar las irregulares veredas bajo los pies. La vitalidad oculta de los árboles al borde irrumpe a través de las baldosas fracturadas y las raíces enredadas parecen no estar dispuestas a dejarse confinar por las rejillas reguladas. Es fácil imaginar el derrumbamiento de los edificios en la superficie dentro de cien años, mientras estos árboles frondosos y profundamente enraizados parecen dispuestos a relevarlos. A través de la presentación espacial de la pintura y la instalación, pretendía mostrar mis experiencias visuales y percepciones corporales desde diversas perspectivas, con el «latido» y el «pulso» de las raíces de los árboles como principales imágenes. La disposición de los cuadros no sólo apunta a la distribución espacial de la ciudad, sino que también utiliza pintura acrílica fluida de color seda para representar los diversos cambios de los objetos refractados por la luz. La instalación, inspirada en el concepto de las cajas de luz, presenta una retícula que regula el crecimiento de los árboles de la calle, con un nudo de tela de «corazón» de caligrafía china en el centro. Sus líneas fluidas se asemejan a raíces enredadas, indicando que el «corazón del árbol» es donde opera la vitalidad. En el ciclo del día y la noche, los troncos pueden seguir creciendo sin cesar hacia arriba, y las ramas y las hojas florecen, todo ello basado en el incesante «pulso» de Rootbeat. En general, Rootbeat surge de la experiencia del especial paisaje urbano de La Plata, la sutil conexión entre los árboles y la tierra y la vitalidad mostrada por la interconexión de las raíces, al igual que la vibrante y enérgica gente que bulle sobre la superficie.

    ENG

    I attempted to showcase the unique checkerboard layout and landscape of La Plata through two forms of expression: painting and installation. At the main street intersections, expansive parks are spread out, complemented by towering roadside trees and European-style buildings, giving credence to its nickname as the "Forest City" and showcasing its rich historical and cultural heritage. The exhibition title, Rootbeat, combines "Root" and "heartbeat," implying the vitality of tree roots underground, mirroring the rhythmic activity of a human heartbeat, and demonstrating a stable and sustained force. Every day, I conducted on-foot surveys of the city, discovering its vastly different styles and qualities during day and night. In the daytime, the warm April sun and gentle autumn breeze add a touch of beauty to the cityscape. The interplay of green shadows on the buildings and the layers of branches dividing the blue sky create a picturesque scene. Soft light filters through the gaps between branches and leaves, sometimes forming an ethereal mist, sometimes a gentle entanglement. As night falls, vibrant colors and lights come alive, with each shop appearing like a lightbox, enticing passersby with its illuminated storefronts. The culture of "late dining" in Argentina spills onto the streets bathed in the warm glow of streetlights, where one can see customers dressed in fancy attire mingling with a leisurely atmosphere of clinking glasses. Despite the captivating scenes, it's hard to ignore the uneven roads beneath one's feet. The hidden vitality of roadside trees bursts through the fractured tiles, and the entangled roots seem unwilling to be confined by regulated grids. It's easy to imagine the eventual collapse of above-ground buildings in a hundred years, while these deeply rooted and leafy trees seem poised to take over. Through the spatial presentation of painting and installation, I aimed to showcase my visual experiences and bodily perceptions from diverse perspectives, with the "heartbeat" and "pulse" of tree roots serving as the main imagery. The arrangement of paintings not only points to the spatial layout of the city but also uses fluid acrylic paint of silk color to depict the various changes in objects refracted by light. The installation, inspired by the concept of lightboxes, features a grid that regulates the growth of street trees, with a Chinese calligraphy "heart" fabric knot in the center. Its flowing lines resemble entangled roots, indicating that the "heart of the tree" is where vitality operates. In the cycle of day and night, the trunks can continue to grow steadily upward, and the branches and leaves flourish, all based on the ceaseless "pulse" of Rootbeat. Overall, Rootbeat stems from experiencing the special cityscape of La Plata, the subtle connection between trees and the earth, and the vitality showcased by the interconnectedness of tree roots underground, much like the vibrant and energetic people bustling on the ground.

      luochiahui.wixsite.com/louchiahi

    ¿Qué miran los ojos de quienes llegan a Residencia Corazón? ¿Dónde y en qué detienen su mirada? Solemos preguntarnos cuando nos encontramos con la obra de los residentes que visitan nuestra ciudad. Es que cada nuevo artista nos lleva sin querer, como la corriente del río, a refrescar nuestra percepción del propio entorno, a recibir las señales que nos rodean como si fuesen desconocidas, lejanas. Luo Chia -Hui llegó desde Taiwán para observar con qué encanto las raíces rompen la cuadriculada monotonía de la vereda planificada. Recordar, con esta humilde escena de descuido urbanístico, que debajo de todo lo que construimos está la fuerza vital de la naturaleza. La artista nos empuja a repasar los tipos de árboles que conviven con nosotrxs, investigar si son nativos o no, si el otoño los encuentra aún en flor o con sus hojas caídas. Le impactó por sobre todo cómo en La Plata coexiste la naturaleza con la ciudad, cómo se alterna la luz del sol entre las hojas con la de los leds del ocio nocturno. Cómo surge cada pedacito de verde en los canteros, en las plazas, entre las baldosas, a la par del ritmo inquieto de los transeúntes. En esta muestra, la artista oriental nos presenta pinturas y una instalación, sí, pero lo que nos está compartiendo así son sus impresiones de las caminatas diarias que tomó por la ciudad durante este mes en residencia. En el campo del arte somos muchos los que concebimos la potencia del caminar como una “práctica investigativa que implica estar atentos, es decir, abiertos al mundo” *, expuestos a lo que pueda presentarnos. En este sentido, el caminar es estar presente en el presente, estar a la intemperie. Es que, si pensamos que “el caminar implica un dislocamiento de la mirada que permite la experiencia” *, encontraremos allí la fuerza del trabajo de Luo Chia -Hui, en el universo de imágenes nacidas de esta experiencia de atención y apertura diaria al presente de las calles de nuestra ciudad. Visto así, no sólo estaremos comprendiendo al caminar como una práctica poética, no sólo estaremos dejándonos atravesar por la sensibilidad de su trabajo, sino que también estaremos recibiendo el regalo único y fugaz de mirar con la inocencia desprejuiciada del extranjero nuestro propio espacio común.

    *extractos del texto “Caminar: aprender el poder que domina la calle” de Jan Masschelein                                                                                               

    ENG 

    What do the eyes of those who come to Residencia Corazón look at? Where and what do they look at? We often wonder when we come across the work of residents who visit our city. It is that each new artist leads us unwittingly, like the current of the river, to refresh our perception of our own environment, to receive the signs that surround us as if they were unknown, distant. Luo Chia-Hui arrived from Taiwan to observe with what charm the roots break the gridded monotony of the planned sidewalk. To remember, with this humble scene of urbanistic carelessness, that underneath everything we build there is the vital force of nature. The artist pushes us to review the types of trees that coexist with us, to investigate whether they are native or not, whether autumn finds them still in bloom or with their leaves fallen. Above all, she was struck by how in La Plata nature coexists with the city, how the sunlight alternates between the leaves and the light of the nighttime leds. How every bit of green emerges in the flowerbeds, in the squares, between the tiles, along with the restless rhythm of the passers-by. In this exhibition, the artist presents paintings and an installation, yes, but what she is sharing with us are her impressions of the daily walks she took around the city during this month in residence. In the field of art, many of us conceive the power of walking as an “investigative practice that implies being attentive, that is to say, open to the world” *, exposed to what it may present to us. In this sense, walking is to be present in the present, to be out in the open. If we think that “walking implies a dislocation of the gaze that allows experience” *, we will find there the strength of Luo Chia-Hui's work, in the universe of images born from this experience of attention and daily openness to the present of the streets of our city. Seen in this way, we will not only be understanding walking as a poetic practice, we will not only be letting ourselves be crossed by the sensitivity of her work, but we will also be receiving the unique and fleeting gift of looking at our own common space with the unprejudiced innocence of a foreigner.

     *excerpts from the text Walking: Learning the power that dominates the street by Jan Masschelein

     

    Mariel Uncal Scotti/ Curator