martes, marzo 21, 2017

Craig Smith Dow/ marzo en Residencia Corazón


HEY MAN, SLOW DOWN 

 Craig Smith Dow comienza a trabajar para terminar con la quietud.
Busca un punto de donde agitar la monotonía del blanco.
Repensando las ideas, construye continuamente, hasta que la estructura se completa.
“Hey man, slow down” se trata de una manera de entender el mundo.
Como con cualquier otra cosa, las expresiones no suceden, uno las produce.
Hay que ir por ello. Elaborar un plan y ejecutarlo.
Mediante la reorganización de su modo de ver –en este caso impulsada por el
desplazamiento geográfico- generó sus propias experiencias para utilizarlas como
referentes.



Curaduría: Juan Simonovich.

Coordinación: Prof. Lucía Savloff 

jueves, marzo 16, 2017

Convocatoria a Prácticas Curatoriales en Residencia Corazón


CONVOCATORIA: Residencia Corazón convoca curadores en formación para la realización de prácticas curatoriales.
El programa de prácticas curatoriales es una iniciativa conjunta entre Residencia Corazón y la Secretaría de Arte y Cultura de la UNLP, que comenzó en 2016, y que busca brindar un ámbito en el cual realizar un acercamiento a las tareas de la práctica curatorial, gestión y difusión de las artes. El programa ofrece la posibilidad de transitar una experiencia única de intercambio y colaboración con artistas de diversas partes del mundo, y apunta a generar instancias de trabajo colectivo que creen vínculos entre los artistas residentes, el campo artístico y el público local.
Las prácticas están orientadas a la realización de un seguimiento del proceso de producción/investigación del artista en residencia; los practicantes llevarán adelante tareas asociadas al rol del curador, como la elaboración de criterios curatoriales para la exhibición de los procesos desarrollados durante el transcurso de la residencia, la elaboración de textos de sala y la colaboración en el proceso de difusión.
Las prácticas serán coordinadas por Lucía Savloff, Profesora de Historia de las Artes Visuales (UNLP), con experiencia en la práctica curatorial, quien realizará un seguimiento de las tareas de los practicantes. Los seleccionados recibirán certificados de participación avalados por la Secretaría de Arte y Cultura de la UNLP.
Destinatarios: Personas con formación en artes interesadas en la actividad curatorial (con o sin experiencia previa).
Requisitos: Residir en la ciudad de La Plata o alrededores y poseer dominio de idioma inglés.
Inscripción: se realizará del 10 al 31 de Marzo de 2017.

Las postulaciones deberán ser enviadas por mail a conteniendo la siguiente información:
  • Currículum vitae
  • Breve comentario sobre las motivaciones para participar de la convocatoria.
Consultas e inscripciones se recibirán por mail: curadoresrc@gmail.com



viernes, marzo 03, 2017

Gabrielle Taron-Rieussec/ diciembre en Residencia Corazón



Utopías de la ruina
Los lugares abandonados fascinan porque son símbolos de la vanidad del ser humano en su búsqueda de un impacto temporal y material sobre el mundo. De repente, dejamos lo que nos llevó años para construir: un hogar, un lugar de trabajo. Estos edificios se vuelven ruinas, estructuras híbridas de cultura invadida por la naturaleza, obras conjuntamente realizadas por el hombre y lo opuesto, contra lo que èl siempre luchó: el tiempo, los elementos naturales.
Uno podría pensar que el abandono crea posibilidades para estos espacios liberados de ocupantes. Lo inverso apareció en mi recorrido a través de las calles de La Plata -desde Punta Lara a Los Hornos, pasando por Tolosa y el centro- frecuentemente para invadir este espacio que no sirve a más nadie, la única opción es la autogestión, siguiendo el modelo de las abejas que construyen sus nidos en los palacios destruidos, ignorando las reglas paradójicas de la mecánica burocrática. Aquella que en el nombre de la propiedad privada, prohíbe la entrada a las ruinas a los que sí podrían usarlas y de esta manera acelera la decrepitud de los lugares abandonados en vez de hacerlos disponibles ¿Y qué hay más disponible que un lugar sin uso?
Además del recorrido geográfico, este proyecto me llevó también a conocer las personas en relación con estas construcciones: gente encargada de ellas o no, que las ocupan o no. La búsqueda de las ruinas constituye una formidable exploración de la ciudad y más allá, de todas las alternativas que se construyen para evitar que un sistema ineficiente arruine estos lugares hermosos.

https://www.flickr.com/photos/143133936@N08/

Habitar la ruina en lo que dura el parpadeo de un ojo analógico. Un negativo blanco y negro, otra pared por derribar. Todo lo demolido vuelve a tomar forma para componer otras realidades. Poblar las luces y las sombras, llenar los vacíos.
Comienza el juego de la captura y se modifican las posibilidades. Toda mirada es un descubrimiento ¿Que vemos al ver el abandono?
Oportunidad o posibilidad. Encuadres inmobiliarios, comprar y vender.
O formas de ocupar, con el cuerpo en acción y la mirada atenta.
Construir nuevos territorios a partir de los retazos. El viaje no sabe de futuros inciertos, pero abraza la idea del encuentro que respira la apropiación territorial.

Alicia Valente & Germán Krüger (Curadores/ Curators)



Ricarde Moste/ noviembre en Residencia Corazón




Sarah French/ noviembre en Residencia Corazón




Art to Touch-Arte para Tocar or Visual Choreography-Coreografia Visual


The feeling you have to reach out and touch art. An action that is almost never allowed. I want to make art that’s calls to you and begs you to touch it. To have a relationship that isn’t distant but instead is physical. The feeling of doing something forbidden. Like a hidden love affair. I want you to touch the art. Feel the movements that I felt. Not only through vision but through action. To put your body through the motions that I put my body through. Feel the shapes and movements that’s were so organic for me in your own body. Try on my shapes. Try on my movements. It is a meeting dance, movement, painting, and sculpture. It is all about the body. The sensation of feeling. I want to evoke the viewer into touching the art. I want the viewer to feel the need that I do when I must clasp my hands behind my back at museums because what I want most in the world is to reach out and touch the paintings. I want the viewer to want to touch. I have laid out the visual choreography and now I present it to the viewer to perform. 

jueves, septiembre 15, 2016

Kathy Devine/ Septiembre en Residencia Corazón


Mi intención como artista es explorar, reflexionar sobre el intercambio entre nuestra conciencia de del mundo exterior, nuestro entorno cotidiano y el paisaje interno de la psiquis.  Estos lugares interiores son misteriosos y personales.  Desde un punto de vista fenomenológico, cada persona experimenta la realidad desde una perspectiva subjetiva. La conciencia es fluida, individualista, siempre cambiante y se experimenta a través de nuestro sentido de ser, nuestra experiencia de vida encarnada.

En esta muestra, intento reunir el fluido mundo de la conciencia y el mundo inestable de la Física Cuántica.

La Física Cuántica nos invita a transformar nuestra conciencia a través de un universo de realidades extrañas y encantadoras. Accesible a través de la puerta de entrada de las matemáticas, este espléndido mundo inferior de  energía y materia oscura, de agujeros negros, espera captar nuestra atención. La teoría científica no es constante, es también fluida y siempre cambiante.

Invito al público a explorar y reflexionar sobre su interioridad. Imaginar y crear una conexión física y emocional con el mundo efímero y singular de la experiencia vivida y de los que aún resta por vivir y desconocemos. El portal de la materia oscura, la energía oscura y el espacio oscuro que nos espera, donde lo desconocido danza.


 WHERE THE UNKNOWN DANCES

My intention as an artist is to explore and reflect on the interchange between our consciousness of the external world and everyday surroundings and our internal landscape of the psyche.  These interior places of the psyche are mysterious and personal.   From a phenomenological stand point, each person experiences reality from a subjective perspective.  Consciousness is fluid, individualistic, ever changing and is experienced through our sense of being – our embodied lived experience.

In this exhibition I bring together the fluid world of consciousness and the unstable world of Quantum Physics.

Quantum Physics invites us to transform our consciousness through the universe of strange and enchanting realities.  Accessible through the gateway of mathematics this splendid netherworld of dark energy, dark matter and black holes awaits our attention.  Scientific theory is not steady – is it also fluid and ever changing. 

I invite the audience to explore and reflect into their own interiority.  To imagine and create a physical and emotional connection to their personal ephemeral world of the lived experience and what remains unlived and unknown.  The portal of dark matter, dark energy and dark space awaits us – where the unknown dances.

DONDE LO DESCONOCIDO DANZA

Feel the body in the space. Así comenzó la experiencia de la artista en Residencia Corazón. Habitar el espacio, hacerse uno con él, fue el primer paso para la producción.
En un diálogo entre lo que se ve y lo que no, Kathy Devine nos invita a involucrar todos los sentidos. La existencia de múltiples realidades estructura su trabajo: hay tantos mundos distintos como mentes, y cada una de ellas percibirá el exterior desde diferentes perspectivas. Nos adentramos a una atmósfera genuina en la cual nos presenta su proceso de pensamiento. Extiende su mundo interior hacia nosotros para que descubramos el nuestro y nos preguntemos: “¿Cuántos mundos existen además del que creemos real?”, “¿Qué sucede en el agujero negro de la psiquis?”, y si ésta pudiera trasladarse a palabras ¿Qué diría?
La mente es rizomática y fluida, pero siempre se encuentra en contacto con el rígido y lógico mundo de la matemática. La física cuántica capta la atención de la artista, por estudiar la totalidad de las posibilidades de los fenómenos, sosteniendo la premisa de que nada es estático sino que siempre está cambiando. Todo parece ser estable hasta que, con un estruendo, se derrumba, dejándonos por un momento, danzando en lo desconocido.

Pilar Marchiano & Guillermina Poggio (Curadores/Curators)




nadahada/ agosto en Residencia Corazón


Cuerpxs indescifrables


A los pocos días de instalarse en la Residencia, el dúo pegó unos carteles con la frase Cueva de conejitxs / Bunny cave en la puerta que comunica la habitación con la galería del patio interno. Un pavada, un chiste entre convivientes y al mismo tiempo, una acción que no pasó desapercibida para quienes transitaban la casa. Para escribir este texto, que pretende comprender el paso de nadahada por La Plata, vuelvo constantemente a esos detalles porque su recorrido está lleno y permiten plant(e)ar la primera premisa: el trabajo es para ellxs un quehacer cotidiano que avanza sobre la posibilidad de asociación libre así se esté hablando de palabras, personas o materiales.
En este sentido, las obras encierran una provocación que como en el caso de los mencionados carteles hechos a mano en hojas A4, se sostiene por la gracia que produce y se reproduce a medida que se va cayendo en los múltiples sentidos de los que se hacen eco. Explorando cada acepción posible desde la tierna imagen de los animales; la erótica de satén, rayón y rabo de algodón grabada a fuego en el imaginario cultural; el tropezón con el túnel que conduce a la tierra de las maravillas hasta cierta alusión picante a la propia relación que llevan adelante como una incesante aventura. Un vínculo que asume necesariamente las particularidades individualidades - complementarias y antagónicas - pero que hace foco en la atracción que lxs impulsa a fusionarse una y otra vez en una forma común incluso ante los otrxs.
Esas entidades a la que llaman criaturas mutan en la medida que surgen nuevas necesidades y deseos. Se confeccionan a partir de elementos que trasladan con ellxs en valijas que exceden el peso admitido en los aeropuertos y, en algunos casos, conservan aún la forma de alguna obra publicada en su blog. Pero no para exhibirla porque esa es otra clave de su producción: no hay una forma concluyente a conservar y cada prenda es un posible disparador para la próxima. De hecho, durante la performance que realizaron en la galería club CÖSMIKO, sólo recurrieron a las máscaras como una referencia dentro de un conjunto de textiles nuevos que cosieron hasta el día anterior según dejan constancia en su diario visual.
Durante la acción, la criatura blanca se desplazó sinuosa hasta el centro de la escena sin importar que por el movimiento se vieran las piernas o brazos ocupados en imprimir distintas dinámicas al textil. Cuando finalmente abandonaron la tela en el piso, improvisaron una coreografía al ritmo de una música medio vodevil que se volvió en el tiempo cada vez más inquietante en tanto no redunda en acumulación. No hay demostración de una pericia técnica o un predecible in crescendo, simplemente permanecen poniéndole el cuerpo a un juego entre ellxs frente a la mirada del resto.
El maillot blanco cavado profundo, la tanga roja tipo hilo dental, las medias can can rotas y el corpiño con tela peluche (por dar algunos ejemplos) explicitan un erotismo de fantasía que desafía las agencias disponibles dentro del circuito donde decidieron inscribir la obra y de cierta estética asociada al compromiso activista que sí subrayan en su comunicado. En la performance van más allá, apostando a una experiencia sensible estratégicamente opaca y humorística que se retroalimenta de los estereotipos de propios y ajenos para ofrecerles resistencia.
Las pruebas corporales - malabares con pelotas pechos y atajadas con una vagina de tela - rompen la situación de striptease con una dulzura radical que expresa la singularidad de nadahada. Pero justamente en la media que no se zafan, al permanecer en el riesgo de la prueba constante, convierten cada postura sencilla en la más inadecuada e incorrecta. Al punto que uno termina por preguntarse cuándo fue que cayó en la intimidad de la madriguera donde habitan estas criaturas extrañas.


Daniela Camezzana

- ¿De dónde son?
- Es complicado.


Ese fue el primer intercambio con nadahada.


La pregunta por el origen siempre es complicada. ¿Quién puede, acaso, definir una única coordenada espacio/temporal originaria? Sin embargo, cedemos ante la convención y la respondemos sin mayores rodeos: soy de tal lado. Con esa respuesta nos atribuimos una identidad que nos vuelve legibles para nuestro interlocutor; identidad y legibilidad que aplacan la ansiedad que generan las preguntas existenciales.
No dar respuesta, escapar a esa convención, nos otorga libertad de acción porque no nos limita a una identidad fija; pero a la vez nos vuelve opacxs y nos quita legibilidad poniendo en riesgo la relación con el/la otrx, si esx otrx no está dispuestx a sostener la incomodidad que genera la pregunta no respondida -o, mejor dicho, la respuesta no concluyente.


nadahada procede de esta manera con su producción artística y lo explicita en su comunicado (texto que funciona a modo de manifiesto): no da respuestas tranquilizantes. Por el contrario, encontrarnos con su trabajo -que es  también encontrarnos con su(s) cuerpo(s)- implica el esfuerzo de atravesar la ansiedad que genera lo intraducible y desjerarquizado. El proceso creativo es no-aritmético, es decir, el todo no es la suma de las partes; ellas pueden ser reconocibles en su individualidad, pero puestas en diálogo generan una entidad nueva y extraña que supera la mera conjugación de elementos. Esto aplica para cada una de sus producciones en particular y también para el conjunto de su trabajo en general, la variedad está tanto en el eclecticismo de los materiales utilizados como en la amplitud de técnicas y lenguajes que emplean.


Conocimiento suele identificarse de manera unívoca con conocimiento racional, aquel que se articula y estructura a partir del lenguaje verbal. Para conocer en ese sentido, el uso de categorías es imprescindible. Pero ¿cómo hacemos para enfrentarnos con aquello que no podemos poner en palabras y cuya existencia nos desafía reclamando nuevos modos de comprender que no sean desde la transparencia categorial? El trabajo de nadahada nos presenta este desafío y nos recuerda que el arte es, también, una forma de conocimiento.


Lucía Gentile

Reseñas de la performance “Una mezcla queer de materia vibrante” del colectivo Nadahada: Juliana luchkiw (NY, USA, 1991) & María Paz Valenzuela (Chile, 1994).
Equipo curatorial: Lucía Gentile & Daniela Camezzana

viernes, agosto 12, 2016

Nathan Cook / Formar parte es lo que cuenta/ Artista en Residencia/ Agosto



FORMAR PARTE ES LO QUE CUENTA

'Hay que imaginarse a Sísifo feliz' Albert Camus

Observo y extraigo las actividades e instrucciones triviales de la vida diaria, volviéndolas dementes, agotándolas como procesos hasta que despiertan una sensación tragicómica. La recurrencia del fracaso es fundamental para mi práctica. Llevo a cabo investigaciones de humor bufonesco que nunca llegan a averiguar el verdadero significado de nuestra existencia.  Me inspiro en el mito de Sísifo, en el que su desafío a los dioses convierte su vida en un ciclo de derrota eterno y sin propósito. La gravedad rechaza sus repetitivas tentativas de éxito, del mismo modo en que yo llevo a cabo performances repetitivas sin significado que expresan la derrota y una falta de control. Sísifo está en paz. Arrojado a un destino sin opciones, se rebela en la única manera que puede: aceptando su situación absurda, soportando su carga felizmente y volviendo a hacer su ascenso. Mi arte es una forma de aislar y enfocar instancias de experiencia personal en un espacio separado de la realidad, para luego implementar la próxima experiencia de la realidad que tiene el espectador. 
El dibujo me permite crear el marco para mis performances, abstraer y desmantelar las la estética de los escenarios cotidianos y reinventarlos como espacios minimalistas. Estos espacios brutos hacen posible una concentración sincera en la tarea; remueven toda distracción.  Utilizo líneas y formas sencillas, dejo que sean la imaginación y el conocimiento del espectador que llenan los detalles.
La Plata se me resulta familiar, comparte muchas semejanzas con mi hogar en Glasgow. El clima, la gente y los espacios públicos.  La belleza y la particularidad de La Plata se encuentran en lo banal. Es un lugar donde la vida diaria inspira.



IT´S THE TAKING PART THAT COUNTS

‘One must imagine Sisyphus happy’ Albert Camus

I observe and extract the mundane activities and instructions of everyday life, making them insane, exhausting them as processes until they awaken a sense of tragic comedy. The repetition of failure is fundamental to my practice, performing slapstick investigations that never amount to finding the true meaning of our existence. I take inspiration from the Myth of Sisyphus in which his defiance of the gods turns his life to an eternal, purposeless cycle of defeat. Gravity repels his repeated attempts at success in the same way that I perform repeatedly meaningless acts of failure and loss of control. Sisyphus is at peace. Left by fate with no other options, he revolts in the only way he can - by accepting his absurd situation, joyfully shouldering his burden and making his ascent once again. My art is a way of isolating and concentrating instances of personal experience in a captured space separate from reality, so that it can implement the next experience of reality the viewer has.

I use drawing to set the stage for my performances, abstracting and dismantling the aesthetics of everyday arenas and re-inventing them as minimalistic spaces. These raw spaces allow for sincere focus on the task, removing all distraction. I use simple lines and shapes leaving the detail to be filled by the imagination and knowledge of the viewer.


La Plata seems familiar to me, it shares many similarities with my home in Glasgow. The weather, the people and the public spaces. The beauty and detail of La Plata is found in the mundane. It is a place where everyday life inspires.



FORMAR PARTE ES LO QUE CUENTA
Natacha Ambros – Noelia Zussa (Curadores-Curators)

Failure- succeed, failure- succeed, failure- succeed. Wait man, it’s ok to fail. El dilema filosófico-existencial del artista: la relación entre el deber ser / must be                en pos del éxito y los aspectos esenciales del individuo.
A partir de la captación sensible de la realidad exterior, de escenas de raigambre cotidiana, Nathan Cook nos propone un recorrido hacia los estratos que nuclean el ser. El tránsito de lo fácilmente reconocible a lo metafísico, una apertura a lo primigenio.
Suspendidos en un espacio y tiempo original, absortos en la vastedad interior, pasamos a ser testigos de las estrategias discursivas normativas del paradigma contemporáneo occidental. El lema Be the best, no opera ya sobre nosotros: su influencia ha dejado de surtir efecto.
El diálogo genuino entre un cuerpo en movimiento, un atuendo de sutil confección y el espacio para realizar la acción, denota la contundencia de lo simple. Aquí se establece la impronta: una poética de la atemporalidad anclada en el despojo de categorizaciones vanas que promete la entrada a un estado meditativo.


lunes, julio 25, 2016

Tonantzin Esquivel / 7,083 Árboles / Artista en Residencia/ julio



7,083 Árboles

Es como si estuviera buscando algo más, pero al final, sigo teniendo flashes del hogar…mi hogar.

Hay colores, patrones y texturas, todos permeados por mi cabeza; ese sentido de hogar y pertenencia. Donde más siento lo que soy, en confort total. Vivir  toda mi vida en la misma casa, rodeada por árboles y huertas, me ha dado forma.

Llegar a la residencia con una mente abierta a intentar algo diferente, rodeándome de un ambiento completamente nuevo, me ayudó a definir detalles que fluyen desde mi mente hacia el papel. Observo árboles plantados, la perspectiva de sus líneas, líneas tras líneas, colores brillantes del verano, sombras, troncos individuales, nubes arriba, una y otra vez en mi mente. Esta repetición está marcada por el control que intentan  los hombres hacia la naturaleza, y la naturaleza  siendo de todas formas hermosamente fuerte. Esta reiteración mecánica completan también los agricultores, día a día: labor manual desde que sale el sol hasta que se esconde. De igual manera, cada collage fue realizado y editado a mano, una inversión de tiempo y un reflejo de mi mente.



 7,083 Trees

It’s as if I am looking for something more, but at the end, I keep getting flashes of home… my home.

There are colors, patterns, textures, all permeated in my mind; this sense of home and belonging, where I feel most like myself and in full comfort. Living my whole life in the same house, surrounded by trees and orchards has shaped me.
Coming to the residency with an open mind of trying something different and surrounding myself in a completely new environment has helped define details that flow out of my mind onto the paper. I see planted trees; perspective through the rows, row after row, bright summer colors, tree shadows, individual tree trunks, clouds above, over and over in my mind. This repetition is marked by human’s control over nature, and nature still standing beautifully strong. This mechanical repetition is completed by farmers, day in and out: Manual labor from sun up to sun down.  Similarly, each collage was handmade and edited an investment in time, and a reflection of my mind.


7,083 Trees 
El universo no tiene centro ni bordes, sentencia Jim Jarmusch,
mientras presenta un escenario rural por la ventanilla del tren en velocidad.
Los árboles se suceden, uno detrás del otro, como los monólogos.
En espiral, la repetición construye el relato.

¿Qué son 7,083 árboles?
¿Cuántas vidas ven transitar a su alrededor?
¿Cómo se transmutan los cuerpos en el contacto diario?
¿Hasta qué punto somos capaces de controlar nuestro entorno?

En la superposición matérica Tonantzin Esquivel presenta las repeticiones geométricas que rodean y simbolizan la vida de los agricultores con los cuales se crió. Al mismo tiempo, se percibe en la naturaleza una cierta estereotipia urbana tal vez producto del nuevo paisaje que la circunda.

El uso de patrones le permite evocar el orden y control con que los trabajadores rurales por medio de su extenuante trabajo buscan imponer sobre la naturaleza, aunque esta,  silenciosamente siempre resista.
Desde lo procedimental serializa la producción manual y masifica las imágenes impresas en su memoria, como si de esta manera su trabajo fuera un reflejo de la labor agrícola.

El conflicto entre original y copia, entre natural y artificial, es irrelevante.
¿Podemos repetir idénticamente algo natural?
Suponemos que como todo, es un problema de percepción.



                                            Lanchares Vidart & Simonovich Aybar (Curadores/Curators)