lunes, julio 25, 2016

Tonantzin Esquivel / 7,083 Árboles / julio en Residencia Corazón



7,083 Árboles

Es como si estuviera buscando algo más, pero al final, sigo teniendo flashes del hogar…mi hogar.

Hay colores, patrones y texturas, todos permeados por mi cabeza; ese sentido de hogar y pertenencia. Donde más siento lo que soy, en confort total. Vivir  toda mi vida en la misma casa, rodeada por árboles y huertas, me ha dado forma.

Llegar a la residencia con una mente abierta a intentar algo diferente, rodeándome de un ambiento completamente nuevo, me ayudó a definir detalles que fluyen desde mi mente hacia el papel. Observo árboles plantados, la perspectiva de sus líneas, líneas tras líneas, colores brillantes del verano, sombras, troncos individuales, nubes arriba, una y otra vez en mi mente. Esta repetición está marcada por el control que intentan  los hombres hacia la naturaleza, y la naturaleza  siendo de todas formas hermosamente fuerte. Esta reiteración mecánica completan también los agricultores, día a día: labor manual desde que sale el sol hasta que se esconde. De igual manera, cada collage fue realizado y editado a mano, una inversión de tiempo y un reflejo de mi mente.



 7,083 Trees

It’s as if I am looking for something more, but at the end, I keep getting flashes of home… my home.

There are colors, patterns, textures, all permeated in my mind; this sense of home and belonging, where I feel most like myself and in full comfort. Living my whole life in the same house, surrounded by trees and orchards has shaped me.
Coming to the residency with an open mind of trying something different and surrounding myself in a completely new environment has helped define details that flow out of my mind onto the paper. I see planted trees; perspective through the rows, row after row, bright summer colors, tree shadows, individual tree trunks, clouds above, over and over in my mind. This repetition is marked by human’s control over nature, and nature still standing beautifully strong. This mechanical repetition is completed by farmers, day in and out: Manual labor from sun up to sun down.  Similarly, each collage was handmade and edited an investment in time, and a reflection of my mind.


7,083 Trees Lanchares Vidart - Simonovich Aybar (Curadores-Curators)

El universo no tiene centro ni bordes, sentencia Jim Jarmusch,
mientras presenta un escenario rural por la ventanilla del tren en velocidad.
Los árboles se suceden, uno detrás del otro, como los monólogos.
En espiral, la repetición construye el relato.

¿Qué son 7,083 árboles?
¿Cuántas vidas ven transitar a su alrededor?
¿Cómo se transmutan los cuerpos en el contacto diario?
¿Hasta qué punto somos capaces de controlar nuestro entorno?

En la superposición matérica Tonantzin Esquivel presenta las repeticiones geométricas que rodean y simbolizan la vida de los agricultores con los cuales se crió. Al mismo tiempo, se percibe en la naturaleza una cierta estereotipia urbana tal vez producto del nuevo paisaje que la circunda.

El uso de patrones le permite evocar el orden y control con que los trabajadores rurales por medio de su extenuante trabajo buscan imponer sobre la naturaleza, aunque esta,  silenciosamente siempre resista.
Desde lo procedimental serializa la producción manual y masifica las imágenes impresas en su memoria, como si de esta manera su trabajo fuera un reflejo de la labor agrícola.

El conflicto entre original y copia, entre natural y artificial, es irrelevante.
¿Podemos repetir idénticamente algo natural?
Suponemos que como todo, es un problema de percepción.












martes, julio 12, 2016

ABANDON/CONTROL .Billi London-Gray. Artista en Residencia

El mundo es categorizado en varias dicotomías: bueno / malo, hombre / mujer, liberal / conservador, conocidos / desconocidos, etc. Estos binarios pueden ser útiles para la toma de decisiones rápidas, para sentirse seguro y correcto, pero simplifican la realidad en exceso. Los trabajos presentados en ejercicios en ABANDON/CONTROL responden a las  tensiones causadas por los sistemas binarios de representación  del pensamiento. A partir de objetos encontrados (redes, bolsas, hilos, textos) que representan  formas de contener  y asignar roles, aplico los procesos de transformación (monoprint, extracción) para crear expresiones poéticas de subversión, la exploración y la reinvención.

Billi London-Gray crea dibujos, impresiones, videos, poesía, fanzines, instalaciones y eventos que exploran normas, sistemas e interacciones personales. Vive y trabaja en Dallas, Texas. Junto a Daniel Bernard Gray, co-dirije Zosima Gallery. Obtuvo un B.A. en Teología en Criswell College y una Maestría en Artes Libres en el St. John’s College. Hoy continúa una Maestría en Intermedia Studio en la Universidad de Texas,  Arlington.


 The world is categorized into many dichotomies: good/bad, male/female, liberal/conservative, known/unknown, etc. These binaries can be useful for making quick decisions to feel safe and right, but they oversimplify reality. The works presented in ABANDON/CONTROL respond to tensions caused by binary systems of thought. Starting with found objects (nets, bags, yarn, texts) that represent forms of containment and assigned roles, I apply transformational processes (monoprinting, extracting) to create poetic expressions of subversion, exploration and reinvention.


 Billi London-Gray creates drawings, prints, videos, poetry, zines, installations and events that explore rules, systems and personal interactions. She lives and works in Dallas, Texas. With Daniel Bernard Gray, she co-directs Zosima Gallery. She earned a B.A. in Theology from Criswell College and an M.A. in Liberal Arts from St. John’s College. She is pursuing an M.F.A. in Intermedia Studio at The University of Texas at Arlington



ABANDON/CONTROL: Ana Contursi y Alicia Valente (Curadoras/Curators)

Billi hace monoprints con redes,
Investiga patrones, rules, que las personas seguimos en la sociedad.
Materiales simples, transformaciones del mismo objeto, una y otra vez
(Cada distinción binaria va a ser una falsa dicotomía)
Abandon/ /Control
no seguir ninguna regla, el orden
seguir tu deseo, las reglas,
sin importar lo que es malo o no. lo que es bueno y lo que es malo,
Dejarse llevar, lo que hay que ser
algo y lo que
aleatorio. no.
(Usar reglas para hacer arte sería una forma de hablar de eso también?)
Porque en los hechos las cosas son complejas funcionan juntas imbricadas.
Diferentes categorías,
falso.
la filosofía ya acepta que no existen Las verdades se hacen. distinciones absolutas
pero volvemos a ellas
Mujer Usa la red Hombre
mi respuesta es NO.
búsqueda
Piensa en falsas dicotomías
Lo que está bien-lo que está mal, seguir esas reglas para sentirse segura.
Cómo habitar esa complejidad.


ABANDON/CONTROL.

Billi makes monocopias with nets,
Investigate patterns, reglas, that people follow in society.
Simple materials, transformations of the same object, again and again
(Each binary distinction is going to be a false dichotomy)
Abandon/ /Control
do not follow any rules, the order
follow your desire, the rules,
no matter what it is bad and what is not. what is good and what is bad,
let go, what to be
something and what
random. no.
(Using rules to make art it would be a way to talk about that too?)
Because in fact things are complex working together imbricated.
Different categories,
false
philosophy accepts that there are no Truths are made.
absolute distinctions
but back to them
women Use net men
my answer is NO.
Search
Think in false dichotomies
What is right - that is wrong, follow those rules
to feel secure.
How to inhabit this complexity.



miércoles, junio 08, 2016

Sean Bosman- ¿Entendiste? No, pero tranquilo- Artista en Residencia/ junio


Sean Bosman is a New Zealand based artist working across video, sound, language, installation and design. Through challenging conventions in film, sound and literature his practice aims to test their relevance against sculptural concerns of site specificity, process, narrative and “objectness.” 
Bosman’s work includes found poetry, translation, lyrical text and conversation. Woven in amongst those subjects are historically grounded artistic themes. Within the broad sphere of sound art he has focussed on exploring linear options for narrative in song-making, as opposed to the modular “verse/bridge/chorus,” as well as referencing conventions in soundtracking and jazz. This particular aspect of his research delves into the distinctions between process-based sound art and conventional song-writing. From this discourse he is able to create a link to traditions in film and language. Bosman’s interest is in treating all three areas as interdependent and reactive, working individually and in response to each other as a singular object. He aims to create responsive work that demonstrates sensitivity to the various, sometimes seemingly random, elements present. When engaged with devices which are inherently inclined toward a two dimensional space, Bosman attempts to display their sense of physicality. Image, text and sound are treated as materials to be bent, broken and manipulated within their physical, and conceptual, environments.
These concerns were manifested during his time at Residencia Corazón as works using poetry, short film, installation as well as collaborations in wordplay, and a publication with the artist and poet Filipe Barcelos De Faira. The new artworks on display tonight all serve as a game in mis-communication and as an exploration into the freedom that is to be found in being inarticulate. 
 Special thanks to contributing writers: Germán Krüger, Vanessa Preston, Cameron Ralston and Laura Vilapriñó.

Transformar la palabra, decodificar un mensaje. Cada forma de comunicación comienza con un sonido, una letra, que desprende enunciados en un mundo que se mueve.
Viajes en aviones de papel, un modelo virtual que propone instrucciones para desarmar los símbolos del lenguaje.
Traduciendo, se reproducen imágenes gráficas que, intensas, se arriesgan en orden y sentido desde la retina de un artista que resignifica.
Entre textos y capturas de pantalla, se incorporan las marcas que dejaron el paso de una ciudad ajena, las huellas de una nueva semántica.

Germán Kruger-Laura Vilapriñó (Curadores-Curators)



miércoles, marzo 16, 2016

Kathryn Dallimore/ Sueños Fluorescentes/ marzo 2016




Sueños Fluorescentes

 "Sueños Fluorescentes" explora la relación entre lo artificial y lo etéreo.

¿Puede una profunda belleza existir dentro de una sustancia sintética?

Trabajando con materiales plásticos producidos en masa, deconstruyo cada elemento hasta que todos los rasgos de su forma identitaria sean borrados. Eligiendo trabajar específicamente con tonos neón, empecé a recrear nuevas formas, dando lugar a que se produzca un proceso de transmutación, que pueda emerger otro mundo, otra sensualidad.

Con la reconstrucción de estas formas nuevas, comencé a decodificar su sentido. A primera vista, estas esculturas oníricas revelan rastros de la cultura japonesa, el animé, la ciencia ficción, lo fantástico. Sin embargo, la obra no está sugiriendo un escape de este mundo, sino más bien  anteponiendo la posibilidad de establecer una conexión con todo lo material, ya sea orgánico o sintético.

Cada obra de arte es una forma de encarnar mi deseo de encontrar el espíritu dentro de la tecnología.


Fluorescent Dreaming

“Fluorescent dreaming” is an exploration into the relationship between the artificial and the ethereal.

Can a profound beauty exist within a synthetic substance?

Working with mass-produced/plastic materials, I deconstructed each item until all traces of it’s former identity were erased. Choosing to work specifically with neon hues I began to recreate new forms, allowing for a process of transmutation and an emergence of both otherworldliness and sensualism to occur.

It was with the rebuilding of these new forms that I began to decode their meaning. At a glance, these dreamlike sculptures reveal traces of Japanese culture, anime, science fiction and fantasy. Yet the artwork is not suggesting an escape from this world but rather putting forth the possibility of establishing a connection to all things material be they organic or synthetic. 

Each artwork is an embodiment of my desire to find spirit within technology.

Muchas gracias por la colaboración a la artista Regan Drouin  www.rdrouin.squarespace.com por la pieza de sonido que acompaña el video.
A la curadora Lucía Savloff  por su apoyo y experta atención en los detalles.

Starting from the combinatorial media that characterizes installation art, Kathryn Dallimore presents in Residencia Corazón, a series of works based on the use of found objects and explores the possibilities of transforming their material dimension. By handycraft manipulation she dismembered and recombines the parts, assembling sets that resemble hybrid creatures, biomorphic formations that refer to the natural world.

Dismantling as procedure allows Dallimore investigate formal and visual behavior of materials manufactured by the industrial culture. In this process the objects not only are deprived of their identity-function but mutate its structure, revealing the uniqueness of their material behavior. Plastic, paper, synthetic fibers are subjected to a combinatorial that tests their chances of getting into relationship with the environment, air, surfaces and light. If the inert could come alive, how would it dance with the air?

In research on the possibilities of paper, formal developments, and the spectrum of bright and fluorescent colors, we can find echoes of Japanese cultural tradition, anime, science fiction and fantasy films. An animistic intention underlies this formal syntax. The commitment to the creation of other worlds, by the exercise of the imaginative could be read as an attempt to escape. However, isn`t it detour, suspension of logic, digression, what allows us to open spaces to think outside the usual? There  where deviation occurs, the possibility of rewiring of our imaginary opens.

The works invite us to reflect on the radical dimension of the ludic. In a world inhabited by the imbalance between our capacity for transformation and the ability to create sustainable relationships with the finite resources of the planet, playing opens spaces of thought for designing other possibilities of relation between the natural and the artificial. The exhibition aims to recover the value of play and humor as valid mechanisms to address this complexity. An invitation to inhabit fiction as a privileged product of thought, when it comes to reactivating the human capacity for wonder and empathy. The option for the fantastic as way of thinking other possible worlds.

Lucía Savloff / Curator


Partiendo de la combinatoria de medios que caracteriza al arte de instalación, Kathryn Dallimore presenta en Residencia Corazón una serie de trabajos que parte del uso de objetos encontrados e indaga en las posibilidades de transformación de su dimensión material. Mediante la manipulación artesanal, desmembra y recombina partes, ensamblando conjuntos que semejan criaturas híbridas, formaciones biomórficas que remiten al mundo natural.

El desguace como procedimiento permite a Dallimore indagar en el comportamiento formal y visual de los materiales fabricados por la cultura industrial. En dicho proceso los objetos no sólo se ven despojados de su identidad-función sino que mutan su estructura, dejando al descubierto la singularidad de su comportamiento material. Plástico, papel, fibras sintéticas, son sometidos a una combinatoria que testea sus posibilidades de entrar en relación con el medio, el aire, las superficies y la luz. ¿Si lo inerte pudiera cobrar vida, cómo bailaría con el aire?

En la investigación sobre las posibilidades del papel, sus desarrollos formales, y el espectro de colores vivos y fluorescentes, podemos encontrar ecos de la tradición cultural japonesa, el animé, la ciencia-ficción y las películas fantásticas. Una intención animista subyace a estos desarrollos de sintaxis formal. La apuesta por la creación de mundos otros, por el ejercicio de lo imaginativo podría leerse como un intento de evasión. Sin embargo, ¿no es el rodeo, la suspensión de la lógica, la disgresión lo que permite abrir espacios para pensar por fuera de lo habitual? Allí donde ocurre el desvío, se abre la posibilidad de recablear nuestro imaginario.

Las obras invitan a la reflexión sobre la dimensión radical de lo lúdico. En un mundo habitado por el desequilibrio entre nuestra capacidad transformadora y la posibilidad de crear relaciones sustentables con los recursos finitos del planeta, el juego abre espacios de pensamiento para diseñar otras posibilidades de relación entre lo natural y lo artificial. La exhibición apuesta a recuperar el valor del juego y el humor como mecanismos de válidos para abordar esa complejidad. Una invitación a habitar la ficción como producto privilegiado del pensamiento, a la hora de reactivar la capacidad humana para el asombro y la empatía. La opción por lo fantástico como modo de pensar otros mundos posibles.


Lucía Savloff / Curadora








martes, enero 26, 2016

Weng Pixin and Nichole Coco Spencer en Residencia Corazón/ Diciembre






Encuentro entre soledades
Mi nombre es Pixin  y soy de la soleada Singapur.

Mi proyecto consiste en una serie de objetos que sirven como metáforas de mis encuentros con diez individuos únicos. Después de haber centrado una gran parte de mis actividades creativas en obras bidimensionales, quería utilizar la residencia para explorar la construcción: específicamente el acto de juntar piezas de diferentes elementos  para hacer nuevos objetos, pero conservando mi amor por la pintura. Las obras se realizan con materiales donados por amigos artistas que viven aquí. Quería preservar las cualidades estructurales de los materiales donados tanto como sea posible, en relación con la idea y el enfoque del proyecto: nos encontramos con personas no para juzgarlas, cambiarlas o dotarlas de algún sentido, sino para recibirlas tal cual  son.
Tocada por la calidez y el ritmo orgánico de Argentina, mi residencia también dio a luz dos pequeños cuerpos de obras: Diarios de Argentina y Muchos Puntos.
Las obras, se presentan en el marco de este Encuentro de Soledades, una exposición conjunta con la artista-residente Nichole “Coco”Spencer.

                                                  Encounter between Solitudes
My name is Pixin (pronounced pig-sin) and I am from the sunny Singapore. My project involves a series of objects that serve as metaphors for my encounters with ten unique individuals back home. Having spent a large portion of my creative pursuits on two-dimensional works, I wanted to use the residency to explore construction: specifically in the act of piecing different elements together to make new objects, while retaining my love for painting. The works are made using materials donated by artist friends living here. I wanted to preserve the donated materials’ structural qualities as much as possible, in relation to the project’s idea and approach: we meet people not to judge, change or make sense of them, but to receive them as they are.
Touched by the warmth and organic rhythm of Argentina, my residency also gave birth to two smaller body of works: Argentina Diaries and Muchos Puntos. 
The works are presented in Encounter between Solitudes, a joint-exhibition with artist in residency Nichole “Coco” Spencer.




miércoles, noviembre 11, 2015

Daniela Muttini (Perú) / El cuerpo de los cisnes/ Octubre en Residencia Corazón


El cuerpo de los cisnes
Si bien fue la suavidad del ballet que inicialmente me atrajo al Lago de los cisnescomo proyecto fotográfico, fue su dureza que me hizo regresar. En esta existe una dualidad. Por un lado esta la delicadeza del baile en sí: movimientos coordinados, disfraces elaborados, las bailarinas siempre de puntas, las manos alzadas, un cuerpo de baile que se mueve en conjunto, ni una gota de dolor o cansancio visible en sus caras. Y por el otro lado, el backstage. En él vemos el esfuerzo, el sudor, la espera y la expectativa de un deporte que, por más delicado se vea en el escenario, requiere de una vida dura y competitiva para aquellos que deciden dedicarse a ello. Para lograr esa suavidad que vemos como espectadores, para que los cuerpos de los cisnes se contorsionen de esas maneras imposibles, hay semanas, meses, años de dedicación, moldeando sus cuerpos desde niños para doblarse de maneras extremas,de tal forma que a la misma vez parezca que así debería doblarse el cuerpo naturalmente. Detrás de toda esa belleza armada, cubierta en tulle y brillo, una puesta en escena etérea, se esconde el sudor y caos humano, la tierra del trabajo acumulada debajo de una uña pintada. El cuerpo de los cisnes es un descubrimiento personal, una realización que hasta para las cosas más delicadas, suaves y hermosas existe una historia detrás llena de dureza, perseverancia, competencia y ciega dedicación. 

Lybra Olbrantz/ Wild & Free/ Septiembre en Residencia Corazón





Wild and Free

 "Tell me, what is it you plan to do with your one wild and precious life?"
Mary Oliver

I never thought of myself as an artist. I knew when I was a child all I wanted to do was art. I imagined myself a famous singer living in a new city every other day. When I was a child, this fantasy life sounded so alluring.
Then I lived it, not as a famous singer, but as a careless, philosophizing, party girl paving her own path in this crazy, mixed-up world.
I realized while I was in La Plata that it doesn't matter if I do art forever because my real art is my life. Each new experience, adventure, lover, best friend, city, idea, country, language, challenge, boy I kiss, they're all paint strokes dancing across the greatest canvas of all: life!
These images exemplified people that are in it, doing the very same thing. We are the wild ones, running free, doing random shit, always testing the boundaries of our spirits. Sacrificing the known for the exhilarating adrenaline rush of the unknown. This is Wild and Free.
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“Dime, ¿qué es lo que tienes planeado hacer con tu única, salvaje y preciosa vida?”
Mary Oliver                          

Nunca me pensé como una artista. Cuando era niña, sabía que todo lo que quería hacer, era arte. Me imaginé como una cantante famosa, que vivía en una ciudad nueva día por medio. Cuando era chica, esta vida de fantasía sonaba tan atractiva.
Luego la viví, no como una cantante famosa, pero sí como una descuidada  pero reflexiva chica salvaje creando su propio camino en este mundo loco.
Me di cuenta,  mientras estuve en La Plata que no importa si hago arte para siempre porque mi verdadero arte es mi vida. Cada nueva experiencia, aventura, amante, mejor amigo, ciudad, idea, país, idioma, desafío, chico que beso, son pinceladas en el lienzo más grande de todos: la vida!
Estas imágenes ejemplifican la gente que está en ella, haciendo exactamente lo mismo. Somos seres salvajes, corriendo libres, haciendo nada al azar, siempre probando los límites de nuestros espíritus. Sacrificando lo conocido por la adrenalina apasionante de lo desconocido. Esto es Salvajes y Libres.



Andrée-Anne Roussel (Montreal-Canadá) en Residencia Corazón/ Agosto-August






Caitlin Clifford (New York, USA) & Daniel Rivera Cruz (Puerto Rico) en Residencia Corazón/ Julio-July




Caitlin Clifford.com


sábado, junio 27, 2015

Tres-Worlds/Exhibición de Luz del Carmen Magaña-Neftalí Manriquez (Mex.)+Allison Chalco (EE.UU.)-Sábado 27 de Junio 19.30hs.


Una muestra en conjunto, un cruce de visiones, obras, personalidades. Artistas con obras y formaciones diversas, que convergen en una exhibición producto de la convivencia (casi) azarosa  dentro del espacio común de una residencia artística.
La presentación grupal propone un mundo dividido en tres, o tres mundos en uno, como se prefiera: la artista mexicana Luz del Carmen trabajó distintos estereotipos en los que se ha encasillado a la mujer en ciertos períodos de la historia del arte (la mujer-puta, la mujer -virgen, la mujer- madre, la mujer-bruja). Un ensayo de reivindicación por medio de pinturas, fotografías y libro de artista.  
Neftalí elaboró durante el tiempo de su estadía un proyecto relacionado con la gestualidad y el lenguaje, en el que predomina el retrato a través del dibujo y el video.
Paralelamente, una parte de la producción de Allison se basó en los objetos que habitan ciertos interiores, exteriores y texturas de Argentina, utilizando como soporte la fotografía y también el video.
La exhibición invita a imaginar un pequeño universo triangular,
con bordes que sugieren una obra colectiva.