jueves, septiembre 15, 2016

Kathy Devine/ Septiembre en Residencia Corazón


Mi intención como artista es explorar, reflexionar sobre el intercambio entre nuestra conciencia de del mundo exterior, nuestro entorno cotidiano y el paisaje interno de la psiquis.  Estos lugares interiores son misteriosos y personales.  Desde un punto de vista fenomenológico, cada persona experimenta la realidad desde una perspectiva subjetiva. La conciencia es fluida, individualista, siempre cambiante y se experimenta a través de nuestro sentido de ser, nuestra experiencia de vida encarnada.

En esta muestra, intento reunir el fluido mundo de la conciencia y el mundo inestable de la Física Cuántica.

La Física Cuántica nos invita a transformar nuestra conciencia a través de un universo de realidades extrañas y encantadoras. Accesible a través de la puerta de entrada de las matemáticas, este espléndido mundo inferior de  energía y materia oscura, de agujeros negros, espera captar nuestra atención. La teoría científica no es constante, es también fluida y siempre cambiante.

Invito al público a explorar y reflexionar sobre su interioridad. Imaginar y crear una conexión física y emocional con el mundo efímero y singular de la experiencia vivida y de los que aún resta por vivir y desconocemos. El portal de la materia oscura, la energía oscura y el espacio oscuro que nos espera, donde lo desconocido danza.


 WHERE THE UNKNOWN DANCES

My intention as an artist is to explore and reflect on the interchange between our consciousness of the external world and everyday surroundings and our internal landscape of the psyche.  These interior places of the psyche are mysterious and personal.   From a phenomenological stand point, each person experiences reality from a subjective perspective.  Consciousness is fluid, individualistic, ever changing and is experienced through our sense of being – our embodied lived experience.

In this exhibition I bring together the fluid world of consciousness and the unstable world of Quantum Physics.

Quantum Physics invites us to transform our consciousness through the universe of strange and enchanting realities.  Accessible through the gateway of mathematics this splendid netherworld of dark energy, dark matter and black holes awaits our attention.  Scientific theory is not steady – is it also fluid and ever changing. 

I invite the audience to explore and reflect into their own interiority.  To imagine and create a physical and emotional connection to their personal ephemeral world of the lived experience and what remains unlived and unknown.  The portal of dark matter, dark energy and dark space awaits us – where the unknown dances.

DONDE LO DESCONOCIDO DANZA

Feel the body in the space. Así comenzó la experiencia de la artista en Residencia Corazón. Habitar el espacio, hacerse uno con él, fue el primer paso para la producción.
En un diálogo entre lo que se ve y lo que no, Kathy Devine nos invita a involucrar todos los sentidos. La existencia de múltiples realidades estructura su trabajo: hay tantos mundos distintos como mentes, y cada una de ellas percibirá el exterior desde diferentes perspectivas. Nos adentramos a una atmósfera genuina en la cual nos presenta su proceso de pensamiento. Extiende su mundo interior hacia nosotros para que descubramos el nuestro y nos preguntemos: “¿Cuántos mundos existen además del que creemos real?”, “¿Qué sucede en el agujero negro de la psiquis?”, y si ésta pudiera trasladarse a palabras ¿Qué diría?
La mente es rizomática y fluida, pero siempre se encuentra en contacto con el rígido y lógico mundo de la matemática. La física cuántica capta la atención de la artista, por estudiar la totalidad de las posibilidades de los fenómenos, sosteniendo la premisa de que nada es estático sino que siempre está cambiando. Todo parece ser estable hasta que, con un estruendo, se derrumba, dejándonos por un momento, danzando en lo desconocido.

Pilar Marchiano & Guillermina Poggio (Curadores/Curators)




nadahada/ agosto en Residencia Corazón


Cuerpxs indescifrables


A los pocos días de instalarse en la Residencia, el dúo pegó unos carteles con la frase Cueva de conejitxs / Bunny cave en la puerta que comunica la habitación con la galería del patio interno. Un pavada, un chiste entre convivientes y al mismo tiempo, una acción que no pasó desapercibida para quienes transitaban la casa. Para escribir este texto, que pretende comprender el paso de nadahada por La Plata, vuelvo constantemente a esos detalles porque su recorrido está lleno y permiten plant(e)ar la primera premisa: el trabajo es para ellxs un quehacer cotidiano que avanza sobre la posibilidad de asociación libre así se esté hablando de palabras, personas o materiales.
En este sentido, las obras encierran una provocación que como en el caso de los mencionados carteles hechos a mano en hojas A4, se sostiene por la gracia que produce y se reproduce a medida que se va cayendo en los múltiples sentidos de los que se hacen eco. Explorando cada acepción posible desde la tierna imagen de los animales; la erótica de satén, rayón y rabo de algodón grabada a fuego en el imaginario cultural; el tropezón con el túnel que conduce a la tierra de las maravillas hasta cierta alusión picante a la propia relación que llevan adelante como una incesante aventura. Un vínculo que asume necesariamente las particularidades individualidades - complementarias y antagónicas - pero que hace foco en la atracción que lxs impulsa a fusionarse una y otra vez en una forma común incluso ante los otrxs.
Esas entidades a la que llaman criaturas mutan en la medida que surgen nuevas necesidades y deseos. Se confeccionan a partir de elementos que trasladan con ellxs en valijas que exceden el peso admitido en los aeropuertos y, en algunos casos, conservan aún la forma de alguna obra publicada en su blog. Pero no para exhibirla porque esa es otra clave de su producción: no hay una forma concluyente a conservar y cada prenda es un posible disparador para la próxima. De hecho, durante la performance que realizaron en la galería club CÖSMIKO, sólo recurrieron a las máscaras como una referencia dentro de un conjunto de textiles nuevos que cosieron hasta el día anterior según dejan constancia en su diario visual.
Durante la acción, la criatura blanca se desplazó sinuosa hasta el centro de la escena sin importar que por el movimiento se vieran las piernas o brazos ocupados en imprimir distintas dinámicas al textil. Cuando finalmente abandonaron la tela en el piso, improvisaron una coreografía al ritmo de una música medio vodevil que se volvió en el tiempo cada vez más inquietante en tanto no redunda en acumulación. No hay demostración de una pericia técnica o un predecible in crescendo, simplemente permanecen poniéndole el cuerpo a un juego entre ellxs frente a la mirada del resto.
El maillot blanco cavado profundo, la tanga roja tipo hilo dental, las medias can can rotas y el corpiño con tela peluche (por dar algunos ejemplos) explicitan un erotismo de fantasía que desafía las agencias disponibles dentro del circuito donde decidieron inscribir la obra y de cierta estética asociada al compromiso activista que sí subrayan en su comunicado. En la performance van más allá, apostando a una experiencia sensible estratégicamente opaca y humorística que se retroalimenta de los estereotipos de propios y ajenos para ofrecerles resistencia.
Las pruebas corporales - malabares con pelotas pechos y atajadas con una vagina de tela - rompen la situación de striptease con una dulzura radical que expresa la singularidad de nadahada. Pero justamente en la media que no se zafan, al permanecer en el riesgo de la prueba constante, convierten cada postura sencilla en la más inadecuada e incorrecta. Al punto que uno termina por preguntarse cuándo fue que cayó en la intimidad de la madriguera donde habitan estas criaturas extrañas.


Daniela Camezzana

- ¿De dónde son?
- Es complicado.


Ese fue el primer intercambio con nadahada.


La pregunta por el origen siempre es complicada. ¿Quién puede, acaso, definir una única coordenada espacio/temporal originaria? Sin embargo, cedemos ante la convención y la respondemos sin mayores rodeos: soy de tal lado. Con esa respuesta nos atribuimos una identidad que nos vuelve legibles para nuestro interlocutor; identidad y legibilidad que aplacan la ansiedad que generan las preguntas existenciales.
No dar respuesta, escapar a esa convención, nos otorga libertad de acción porque no nos limita a una identidad fija; pero a la vez nos vuelve opacxs y nos quita legibilidad poniendo en riesgo la relación con el/la otrx, si esx otrx no está dispuestx a sostener la incomodidad que genera la pregunta no respondida -o, mejor dicho, la respuesta no concluyente.


nadahada procede de esta manera con su producción artística y lo explicita en su comunicado (texto que funciona a modo de manifiesto): no da respuestas tranquilizantes. Por el contrario, encontrarnos con su trabajo -que es  también encontrarnos con su(s) cuerpo(s)- implica el esfuerzo de atravesar la ansiedad que genera lo intraducible y desjerarquizado. El proceso creativo es no-aritmético, es decir, el todo no es la suma de las partes; ellas pueden ser reconocibles en su individualidad, pero puestas en diálogo generan una entidad nueva y extraña que supera la mera conjugación de elementos. Esto aplica para cada una de sus producciones en particular y también para el conjunto de su trabajo en general, la variedad está tanto en el eclecticismo de los materiales utilizados como en la amplitud de técnicas y lenguajes que emplean.


Conocimiento suele identificarse de manera unívoca con conocimiento racional, aquel que se articula y estructura a partir del lenguaje verbal. Para conocer en ese sentido, el uso de categorías es imprescindible. Pero ¿cómo hacemos para enfrentarnos con aquello que no podemos poner en palabras y cuya existencia nos desafía reclamando nuevos modos de comprender que no sean desde la transparencia categorial? El trabajo de nadahada nos presenta este desafío y nos recuerda que el arte es, también, una forma de conocimiento.


Lucía Gentile

Reseñas de la performance “Una mezcla queer de materia vibrante” del colectivo Nadahada: Juliana luchkiw (NY, USA, 1991) & María Paz Valenzuela (Chile, 1994).
Equipo curatorial: Lucía Gentile & Daniela Camezzana

viernes, agosto 12, 2016

Nathan Cook / Formar parte es lo que cuenta/ Artista en Residencia/ Agosto



FORMAR PARTE ES LO QUE CUENTA

'Hay que imaginarse a Sísifo feliz' Albert Camus

Observo y extraigo las actividades e instrucciones triviales de la vida diaria, volviéndolas dementes, agotándolas como procesos hasta que despiertan una sensación tragicómica. La recurrencia del fracaso es fundamental para mi práctica. Llevo a cabo investigaciones de humor bufonesco que nunca llegan a averiguar el verdadero significado de nuestra existencia.  Me inspiro en el mito de Sísifo, en el que su desafío a los dioses convierte su vida en un ciclo de derrota eterno y sin propósito. La gravedad rechaza sus repetitivas tentativas de éxito, del mismo modo en que yo llevo a cabo performances repetitivas sin significado que expresan la derrota y una falta de control. Sísifo está en paz. Arrojado a un destino sin opciones, se rebela en la única manera que puede: aceptando su situación absurda, soportando su carga felizmente y volviendo a hacer su ascenso. Mi arte es una forma de aislar y enfocar instancias de experiencia personal en un espacio separado de la realidad, para luego implementar la próxima experiencia de la realidad que tiene el espectador. 
El dibujo me permite crear el marco para mis performances, abstraer y desmantelar las la estética de los escenarios cotidianos y reinventarlos como espacios minimalistas. Estos espacios brutos hacen posible una concentración sincera en la tarea; remueven toda distracción.  Utilizo líneas y formas sencillas, dejo que sean la imaginación y el conocimiento del espectador que llenan los detalles.
La Plata se me resulta familiar, comparte muchas semejanzas con mi hogar en Glasgow. El clima, la gente y los espacios públicos.  La belleza y la particularidad de La Plata se encuentran en lo banal. Es un lugar donde la vida diaria inspira.



IT´S THE TAKING PART THAT COUNTS

‘One must imagine Sisyphus happy’ Albert Camus

I observe and extract the mundane activities and instructions of everyday life, making them insane, exhausting them as processes until they awaken a sense of tragic comedy. The repetition of failure is fundamental to my practice, performing slapstick investigations that never amount to finding the true meaning of our existence. I take inspiration from the Myth of Sisyphus in which his defiance of the gods turns his life to an eternal, purposeless cycle of defeat. Gravity repels his repeated attempts at success in the same way that I perform repeatedly meaningless acts of failure and loss of control. Sisyphus is at peace. Left by fate with no other options, he revolts in the only way he can - by accepting his absurd situation, joyfully shouldering his burden and making his ascent once again. My art is a way of isolating and concentrating instances of personal experience in a captured space separate from reality, so that it can implement the next experience of reality the viewer has.

I use drawing to set the stage for my performances, abstracting and dismantling the aesthetics of everyday arenas and re-inventing them as minimalistic spaces. These raw spaces allow for sincere focus on the task, removing all distraction. I use simple lines and shapes leaving the detail to be filled by the imagination and knowledge of the viewer.


La Plata seems familiar to me, it shares many similarities with my home in Glasgow. The weather, the people and the public spaces. The beauty and detail of La Plata is found in the mundane. It is a place where everyday life inspires.



FORMAR PARTE ES LO QUE CUENTA
Natacha Ambros – Noelia Zussa (Curadores-Curators)

Failure- succeed, failure- succeed, failure- succeed. Wait man, it’s ok to fail. El dilema filosófico-existencial del artista: la relación entre el deber ser / must be                en pos del éxito y los aspectos esenciales del individuo.
A partir de la captación sensible de la realidad exterior, de escenas de raigambre cotidiana, Nathan Cook nos propone un recorrido hacia los estratos que nuclean el ser. El tránsito de lo fácilmente reconocible a lo metafísico, una apertura a lo primigenio.
Suspendidos en un espacio y tiempo original, absortos en la vastedad interior, pasamos a ser testigos de las estrategias discursivas normativas del paradigma contemporáneo occidental. El lema Be the best, no opera ya sobre nosotros: su influencia ha dejado de surtir efecto.
El diálogo genuino entre un cuerpo en movimiento, un atuendo de sutil confección y el espacio para realizar la acción, denota la contundencia de lo simple. Aquí se establece la impronta: una poética de la atemporalidad anclada en el despojo de categorizaciones vanas que promete la entrada a un estado meditativo.


Nathan Cook / Formar parte es lo que cuenta/ Artista en Residencia/ Agosto



FORMAR PARTE ES LO QUE CUENTA

'Hay que imaginarse a Sísifo feliz' Albert Camus

Observo y extraigo las actividades e instrucciones triviales de la vida diaria, volviéndolas dementes, agotándolas como procesos hasta que despiertan una sensación tragicómica. La recurrencia del fracaso es fundamental para mi práctica. Llevo a cabo investigaciones de humor bufonesco que nunca llegan a averiguar el verdadero significado de nuestra existencia.  Me inspiro en el mito de Sísifo, en el que su desafío a los dioses convierte su vida en un ciclo de derrota eterno y sin propósito. La gravedad rechaza sus repetitivas tentativas de éxito, del mismo modo en que yo llevo a cabo performances repetitivas sin significado que expresan la derrota y una falta de control. Sísifo está en paz. Arrojado a un destino sin opciones, se rebela en la única manera que puede: aceptando su situación absurda, soportando su carga felizmente y volviendo a hacer su ascenso. Mi arte es una forma de aislar y enfocar instancias de experiencia personal en un espacio separado de la realidad, para luego implementar la próxima experiencia de la realidad que tiene el espectador. 
El dibujo me permite crear el marco para mis performances, abstraer y desmantelar las la estética de los escenarios cotidianos y reinventarlos como espacios minimalistas. Estos espacios brutos hacen posible una concentración sincera en la tarea; remueven toda distracción.  Utilizo líneas y formas sencillas, dejo que sean la imaginación y el conocimiento del espectador que llenan los detalles.
La Plata se me resulta familiar, comparte muchas semejanzas con mi hogar en Glasgow. El clima, la gente y los espacios públicos.  La belleza y la particularidad de La Plata se encuentran en lo banal. Es un lugar donde la vida diaria inspira.



IT´S THE TAKING PART THAT COUNTS

‘One must imagine Sisyphus happy’ Albert Camus

I observe and extract the mundane activities and instructions of everyday life, making them insane, exhausting them as processes until they awaken a sense of tragic comedy. The repetition of failure is fundamental to my practice, performing slapstick investigations that never amount to finding the true meaning of our existence. I take inspiration from the Myth of Sisyphus in which his defiance of the gods turns his life to an eternal, purposeless cycle of defeat. Gravity repels his repeated attempts at success in the same way that I perform repeatedly meaningless acts of failure and loss of control. Sisyphus is at peace. Left by fate with no other options, he revolts in the only way he can - by accepting his absurd situation, joyfully shouldering his burden and making his ascent once again. My art is a way of isolating and concentrating instances of personal experience in a captured space separate from reality, so that it can implement the next experience of reality the viewer has.

I use drawing to set the stage for my performances, abstracting and dismantling the aesthetics of everyday arenas and re-inventing them as minimalistic spaces. These raw spaces allow for sincere focus on the task, removing all distraction. I use simple lines and shapes leaving the detail to be filled by the imagination and knowledge of the viewer.


La Plata seems familiar to me, it shares many similarities with my home in Glasgow. The weather, the people and the public spaces. The beauty and detail of La Plata is found in the mundane. It is a place where everyday life inspires.



FORMAR PARTE ES LO QUE CUENTA


Failure- succeed, failure- succeed, failure- succeed. Wait man, it’s ok to fail. El dilema filosófico-existencial del artista: la relación entre el deber ser / must be                en pos del éxito y los aspectos esenciales del individuo.
A partir de la captación sensible de la realidad exterior, de escenas de raigambre cotidiana, Nathan Cook nos propone un recorrido hacia los estratos que nuclean el ser. El tránsito de lo fácilmente reconocible a lo metafísico, una apertura a lo primigenio.
Suspendidos en un espacio y tiempo original, absortos en la vastedad interior, pasamos a ser testigos de las estrategias discursivas normativas del paradigma contemporáneo occidental. El lema Be the best, no opera ya sobre nosotros: su influencia ha dejado de surtir efecto.
El diálogo genuino entre un cuerpo en movimiento, un atuendo de sutil confección y el espacio para realizar la acción, denota la contundencia de lo simple. Aquí se establece la impronta: una poética de la atemporalidad anclada en el despojo de categorizaciones vanas que promete la entrada a un estado meditativo.
                                                     Natacha Ambros & Noelia Zussa (Curadores/ Curators)


lunes, julio 25, 2016

Tonantzin Esquivel / 7,083 Árboles / Artista en Residencia/ julio



7,083 Árboles

Es como si estuviera buscando algo más, pero al final, sigo teniendo flashes del hogar…mi hogar.

Hay colores, patrones y texturas, todos permeados por mi cabeza; ese sentido de hogar y pertenencia. Donde más siento lo que soy, en confort total. Vivir  toda mi vida en la misma casa, rodeada por árboles y huertas, me ha dado forma.

Llegar a la residencia con una mente abierta a intentar algo diferente, rodeándome de un ambiento completamente nuevo, me ayudó a definir detalles que fluyen desde mi mente hacia el papel. Observo árboles plantados, la perspectiva de sus líneas, líneas tras líneas, colores brillantes del verano, sombras, troncos individuales, nubes arriba, una y otra vez en mi mente. Esta repetición está marcada por el control que intentan  los hombres hacia la naturaleza, y la naturaleza  siendo de todas formas hermosamente fuerte. Esta reiteración mecánica completan también los agricultores, día a día: labor manual desde que sale el sol hasta que se esconde. De igual manera, cada collage fue realizado y editado a mano, una inversión de tiempo y un reflejo de mi mente.



 7,083 Trees

It’s as if I am looking for something more, but at the end, I keep getting flashes of home… my home.

There are colors, patterns, textures, all permeated in my mind; this sense of home and belonging, where I feel most like myself and in full comfort. Living my whole life in the same house, surrounded by trees and orchards has shaped me.
Coming to the residency with an open mind of trying something different and surrounding myself in a completely new environment has helped define details that flow out of my mind onto the paper. I see planted trees; perspective through the rows, row after row, bright summer colors, tree shadows, individual tree trunks, clouds above, over and over in my mind. This repetition is marked by human’s control over nature, and nature still standing beautifully strong. This mechanical repetition is completed by farmers, day in and out: Manual labor from sun up to sun down.  Similarly, each collage was handmade and edited an investment in time, and a reflection of my mind.


7,083 Trees 
El universo no tiene centro ni bordes, sentencia Jim Jarmusch,
mientras presenta un escenario rural por la ventanilla del tren en velocidad.
Los árboles se suceden, uno detrás del otro, como los monólogos.
En espiral, la repetición construye el relato.

¿Qué son 7,083 árboles?
¿Cuántas vidas ven transitar a su alrededor?
¿Cómo se transmutan los cuerpos en el contacto diario?
¿Hasta qué punto somos capaces de controlar nuestro entorno?

En la superposición matérica Tonantzin Esquivel presenta las repeticiones geométricas que rodean y simbolizan la vida de los agricultores con los cuales se crió. Al mismo tiempo, se percibe en la naturaleza una cierta estereotipia urbana tal vez producto del nuevo paisaje que la circunda.

El uso de patrones le permite evocar el orden y control con que los trabajadores rurales por medio de su extenuante trabajo buscan imponer sobre la naturaleza, aunque esta,  silenciosamente siempre resista.
Desde lo procedimental serializa la producción manual y masifica las imágenes impresas en su memoria, como si de esta manera su trabajo fuera un reflejo de la labor agrícola.

El conflicto entre original y copia, entre natural y artificial, es irrelevante.
¿Podemos repetir idénticamente algo natural?
Suponemos que como todo, es un problema de percepción.



                                            Lanchares Vidart & Simonovich Aybar (Curadores/Curators)












martes, julio 12, 2016

ABANDON/CONTROL .Billi London-Gray. Artista en Residencia

El mundo es categorizado en varias dicotomías: bueno / malo, hombre / mujer, liberal / conservador, conocidos / desconocidos, etc. Estos binarios pueden ser útiles para la toma de decisiones rápidas, para sentirse seguro y correcto, pero simplifican la realidad en exceso. Los trabajos presentados en ejercicios en ABANDON/CONTROL responden a las  tensiones causadas por los sistemas binarios de representación  del pensamiento. A partir de objetos encontrados (redes, bolsas, hilos, textos) que representan  formas de contener  y asignar roles, aplico los procesos de transformación (monoprint, extracción) para crear expresiones poéticas de subversión, la exploración y la reinvención.

Billi London-Gray crea dibujos, impresiones, videos, poesía, fanzines, instalaciones y eventos que exploran normas, sistemas e interacciones personales. Vive y trabaja en Dallas, Texas. Junto a Daniel Bernard Gray, co-dirije Zosima Gallery. Obtuvo un B.A. en Teología en Criswell College y una Maestría en Artes Libres en el St. John’s College. Hoy continúa una Maestría en Intermedia Studio en la Universidad de Texas,  Arlington.


 The world is categorized into many dichotomies: good/bad, male/female, liberal/conservative, known/unknown, etc. These binaries can be useful for making quick decisions to feel safe and right, but they oversimplify reality. The works presented in ABANDON/CONTROL respond to tensions caused by binary systems of thought. Starting with found objects (nets, bags, yarn, texts) that represent forms of containment and assigned roles, I apply transformational processes (monoprinting, extracting) to create poetic expressions of subversion, exploration and reinvention.


 Billi London-Gray creates drawings, prints, videos, poetry, zines, installations and events that explore rules, systems and personal interactions. She lives and works in Dallas, Texas. With Daniel Bernard Gray, she co-directs Zosima Gallery. She earned a B.A. in Theology from Criswell College and an M.A. in Liberal Arts from St. John’s College. She is pursuing an M.F.A. in Intermedia Studio at The University of Texas at Arlington



ABANDON/CONTROL

Billi hace monoprints con redes,
Investiga patrones, rules, que las personas seguimos en la sociedad.
Materiales simples, transformaciones del mismo objeto, una y otra vez
(Cada distinción binaria va a ser una falsa dicotomía)
Abandon/ /Control
no seguir ninguna regla, el orden
seguir tu deseo, las reglas,
sin importar lo que es malo o no. lo que es bueno y lo que es malo,
Dejarse llevar, lo que hay que ser
algo y lo que
aleatorio. no.
(Usar reglas para hacer arte sería una forma de hablar de eso también?)
Porque en los hechos las cosas son complejas funcionan juntas imbricadas.
Diferentes categorías,
falso.
la filosofía ya acepta que no existen Las verdades se hacen. distinciones absolutas
pero volvemos a ellas
Mujer Usa la red Hombre
mi respuesta es NO.
búsqueda
Piensa en falsas dicotomías
Lo que está bien-lo que está mal, seguir esas reglas para sentirse segura.
Cómo habitar esa complejidad.


ABANDON/CONTROL.

Billi makes monocopias with nets,
Investigate patterns, reglas, that people follow in society.
Simple materials, transformations of the same object, again and again
(Each binary distinction is going to be a false dichotomy)
Abandon/ /Control
do not follow any rules, the order
follow your desire, the rules,
no matter what it is bad and what is not. what is good and what is bad,
let go, what to be
something and what
random. no.
(Using rules to make art it would be a way to talk about that too?)
Because in fact things are complex working together imbricated.
Different categories,
false
philosophy accepts that there are no Truths are made.
absolute distinctions
but back to them
women Use net men
my answer is NO.
Search
Think in false dichotomies
What is right - that is wrong, follow those rules
to feel secure.
How to inhabit this complexity.

                                                           Ana Contursi & Alicia Valente (Curadoras/Curators)

miércoles, junio 08, 2016

Sean Bosman- ¿Entendiste? No, pero tranquilo- Artista en Residencia/ junio


Sean Bosman is a New Zealand based artist working across video, sound, language, installation and design. Through challenging conventions in film, sound and literature his practice aims to test their relevance against sculptural concerns of site specificity, process, narrative and “objectness.” 
Bosman’s work includes found poetry, translation, lyrical text and conversation. Woven in amongst those subjects are historically grounded artistic themes. Within the broad sphere of sound art he has focussed on exploring linear options for narrative in song-making, as opposed to the modular “verse/bridge/chorus,” as well as referencing conventions in soundtracking and jazz. This particular aspect of his research delves into the distinctions between process-based sound art and conventional song-writing. From this discourse he is able to create a link to traditions in film and language. Bosman’s interest is in treating all three areas as interdependent and reactive, working individually and in response to each other as a singular object. He aims to create responsive work that demonstrates sensitivity to the various, sometimes seemingly random, elements present. When engaged with devices which are inherently inclined toward a two dimensional space, Bosman attempts to display their sense of physicality. Image, text and sound are treated as materials to be bent, broken and manipulated within their physical, and conceptual, environments.
These concerns were manifested during his time at Residencia Corazón as works using poetry, short film, installation as well as collaborations in wordplay, and a publication with the artist and poet Filipe Barcelos De Faira. The new artworks on display tonight all serve as a game in mis-communication and as an exploration into the freedom that is to be found in being inarticulate. 
 Special thanks to contributing writers: Germán Krüger, Vanessa Preston, Cameron Ralston and Laura Vilapriñó.

Transformar la palabra, decodificar un mensaje. Cada forma de comunicación comienza con un sonido, una letra, que desprende enunciados en un mundo que se mueve.
Viajes en aviones de papel, un modelo virtual que propone instrucciones para desarmar los símbolos del lenguaje.
Traduciendo, se reproducen imágenes gráficas que, intensas, se arriesgan en orden y sentido desde la retina de un artista que resignifica.
Entre textos y capturas de pantalla, se incorporan las marcas que dejaron el paso de una ciudad ajena, las huellas de una nueva semántica.

                                                                                                Germán Kruger & Laura Vilapriñó (Curadores /Curators)



miércoles, marzo 16, 2016

Kathryn Dallimore/ Sueños Fluorescentes/ marzo 2016




Sueños Fluorescentes

 "Sueños Fluorescentes" explora la relación entre lo artificial y lo etéreo.

¿Puede una profunda belleza existir dentro de una sustancia sintética?

Trabajando con materiales plásticos producidos en masa, deconstruyo cada elemento hasta que todos los rasgos de su forma identitaria sean borrados. Eligiendo trabajar específicamente con tonos neón, empecé a recrear nuevas formas, dando lugar a que se produzca un proceso de transmutación, que pueda emerger otro mundo, otra sensualidad.

Con la reconstrucción de estas formas nuevas, comencé a decodificar su sentido. A primera vista, estas esculturas oníricas revelan rastros de la cultura japonesa, el animé, la ciencia ficción, lo fantástico. Sin embargo, la obra no está sugiriendo un escape de este mundo, sino más bien  anteponiendo la posibilidad de establecer una conexión con todo lo material, ya sea orgánico o sintético.

Cada obra de arte es una forma de encarnar mi deseo de encontrar el espíritu dentro de la tecnología.


Fluorescent Dreaming

“Fluorescent dreaming” is an exploration into the relationship between the artificial and the ethereal.

Can a profound beauty exist within a synthetic substance?

Working with mass-produced/plastic materials, I deconstructed each item until all traces of it’s former identity were erased. Choosing to work specifically with neon hues I began to recreate new forms, allowing for a process of transmutation and an emergence of both otherworldliness and sensualism to occur.

It was with the rebuilding of these new forms that I began to decode their meaning. At a glance, these dreamlike sculptures reveal traces of Japanese culture, anime, science fiction and fantasy. Yet the artwork is not suggesting an escape from this world but rather putting forth the possibility of establishing a connection to all things material be they organic or synthetic. 

Each artwork is an embodiment of my desire to find spirit within technology.

Muchas gracias por la colaboración a la artista Regan Drouin  www.rdrouin.squarespace.com por la pieza de sonido que acompaña el video.
A la curadora Lucía Savloff  por su apoyo y experta atención en los detalles.

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Starting from the combinatorial media that characterizes installation art, Kathryn Dallimore presents in Residencia Corazón, a series of works based on the use of found objects and explores the possibilities of transforming their material dimension. By handycraft manipulation she dismembered and recombines the parts, assembling sets that resemble hybrid creatures, biomorphic formations that refer to the natural world.

Dismantling as procedure allows Dallimore investigate formal and visual behavior of materials manufactured by the industrial culture. In this process the objects not only are deprived of their identity-function but mutate its structure, revealing the uniqueness of their material behavior. Plastic, paper, synthetic fibers are subjected to a combinatorial that tests their chances of getting into relationship with the environment, air, surfaces and light. If the inert could come alive, how would it dance with the air?

In research on the possibilities of paper, formal developments, and the spectrum of bright and fluorescent colors, we can find echoes of Japanese cultural tradition, anime, science fiction and fantasy films. An animistic intention underlies this formal syntax. The commitment to the creation of other worlds, by the exercise of the imaginative could be read as an attempt to escape. However, isn`t it detour, suspension of logic, digression, what allows us to open spaces to think outside the usual? There  where deviation occurs, the possibility of rewiring of our imaginary opens.

The works invite us to reflect on the radical dimension of the ludic. In a world inhabited by the imbalance between our capacity for transformation and the ability to create sustainable relationships with the finite resources of the planet, playing opens spaces of thought for designing other possibilities of relation between the natural and the artificial. The exhibition aims to recover the value of play and humor as valid mechanisms to address this complexity. An invitation to inhabit fiction as a privileged product of thought, when it comes to reactivating the human capacity for wonder and empathy. The option for the fantastic as way of thinking other possible worlds.

Lucía Savloff (Curadora/Curator)


Partiendo de la combinatoria de medios que caracteriza al arte de instalación, Kathryn Dallimore presenta en Residencia Corazón una serie de trabajos que parte del uso de objetos encontrados e indaga en las posibilidades de transformación de su dimensión material. Mediante la manipulación artesanal, desmembra y recombina partes, ensamblando conjuntos que semejan criaturas híbridas, formaciones biomórficas que remiten al mundo natural.

El desguace como procedimiento permite a Dallimore indagar en el comportamiento formal y visual de los materiales fabricados por la cultura industrial. En dicho proceso los objetos no sólo se ven despojados de su identidad-función sino que mutan su estructura, dejando al descubierto la singularidad de su comportamiento material. Plástico, papel, fibras sintéticas, son sometidos a una combinatoria que testea sus posibilidades de entrar en relación con el medio, el aire, las superficies y la luz. ¿Si lo inerte pudiera cobrar vida, cómo bailaría con el aire?

En la investigación sobre las posibilidades del papel, sus desarrollos formales, y el espectro de colores vivos y fluorescentes, podemos encontrar ecos de la tradición cultural japonesa, el animé, la ciencia-ficción y las películas fantásticas. Una intención animista subyace a estos desarrollos de sintaxis formal. La apuesta por la creación de mundos otros, por el ejercicio de lo imaginativo podría leerse como un intento de evasión. Sin embargo, ¿no es el rodeo, la suspensión de la lógica, la disgresión lo que permite abrir espacios para pensar por fuera de lo habitual? Allí donde ocurre el desvío, se abre la posibilidad de recablear nuestro imaginario.

Las obras invitan a la reflexión sobre la dimensión radical de lo lúdico. En un mundo habitado por el desequilibrio entre nuestra capacidad transformadora y la posibilidad de crear relaciones sustentables con los recursos finitos del planeta, el juego abre espacios de pensamiento para diseñar otras posibilidades de relación entre lo natural y lo artificial. La exhibición apuesta a recuperar el valor del juego y el humor como mecanismos de válidos para abordar esa complejidad. Una invitación a habitar la ficción como producto privilegiado del pensamiento, a la hora de reactivar la capacidad humana para el asombro y la empatía. La opción por lo fantástico como modo de pensar otros mundos posibles.


Lucía Savloff (Curadora/Curator)