lunes, diciembre 05, 2022

Diego del Río en Residencia Corazón/ sept-oct 2022




 






instagram.com/_diegodelrio_/?hl=es

@_diegodelrio_ (España, 1996) es un reconocido artista plástico, actualmente realizando su Doctorado en la Universidad de Vigo.

Podríamos convenir que la tarea de la Traducción corresponde al trabajo artístico e intelectual. No estamos hablando de transposición textual, sino de la construcción de lo común mediante la traductibilidad de las experiencias. El arte establece conexiones entre individuos diferentes mediante una comunicación abierta; escapa a lo meramente lingüístico. En este sentido, el trabajo creativo permite la creación de espacios de entendimiento.
Esta exhibición es el resultado de una Traducción artística de un momento específico de la historia de Argentina e implica inevitablemente el vertido de las experiencias del creador y del espectador en las piezas que componen el recorrido. Tal vez este acto, junto a otros muchos intentos de comunicación compartida, nos aproxima a la posibilidad de un cambio.
Asumimos nuestras limitaciones a la hora de tratar la temática concreta de la muestra, pues los resultados prácticos parten de la visión de un extranjero. Sin embargo, esta exposición es menos un simple registro de la manifestación que se generó en la Plaza de Mayo el 2 de septiembre como reacción al intento de asesinato de Cristina Fernández de Kirchner que un fragmento de algo más grande. Esto es, aquí, la representación de una protesta concreta funciona como un punto en una potencial red de movimientos que, aunque no estén estrechamente vinculados, pueden asociarse en un futuro.
Para determinarnos políticamente debemos tomar partido y actuar en relación a fuerzas e intereses: necesitamos la exclusión y la elección. No obstante, la construcción del sujeto político no tendría por qué suprimir la identidad individual en un Pueblo, una Nación o un Proyecto con mayúsculas. ¿Es posible vincular las luchas anti sistémicas globales a través de nuestras propias diferencias? Si la respuesta es afirmativa, aceptemos las confrontaciones, lo no-traducible y las disparidades; expongámonos al cambio constante, a la conexión y a la desconexión; abramos lugares de comunicación; traspasemos las fronteras físicas y cognitivas; pensemos en una fusión separatista.
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 Una brisa suave para acariciar banderas y un sol inmenso, después de la gran tormenta, la plaza se viste para recibir a su gente. Entrando por Balcarce suena de bombos, de gestos de calor,  de abrazo, de tristeza y de energía.
Un escenario en construcción, cañas enrolladas, familias con banderas y columnas de agrupaciones que van llegando. Todavía se puede recorrer y guardar imágenes en las memorias, al mismo tiempo que las preguntas traslucen respuestas.
Con la confección de una nueva cartografía de viajes, que culminan en su tesis doctoral, Diego desde su pequeña ciudad de Ferrol, norte de España, llega a Buenos Aires pocas horas antes del intento de magnicidio a la figura vicepresidencial. Este suceso le otorga un carácter único a su hoja de ruta.
La globalización y sus consecuencias son elementos de la partida, donde la gente parece quedar afuera. Diego fija su mirada sensible y crítica en este proceso.
De transitar plazas de rostros serios, preocupados y sin empatía a encontrar en estas latitudes, una gran masa casi en un mismo acorde y con la palabra colectiva en alto, hecha bandera.
Desde muy joven, el comics lo acercó a la figuración y definitivamente a la elección de su camino artístico.
Propone al óleo transitar la abstracción con mucha carga y suaves cruces,  esos que también alimentan a la figuración, de rica paleta y con un alto grado de detalle, poniendo lo general y lo particular en una misma condición.
…Y la pintura no seca, sigue viva ahí por haber sido reciente, como la plaza, al otro día de la gran tormenta.

 Arq. Gustavo Pérez/ Curador

 

miércoles, noviembre 02, 2022

Khopotso Seopela/ Save a Soul

 






Khopostso Seopela (Sudáfrica, 1981)  Proveniente de la ciudad y Universidad de Pretoria,, es directora y productora de obras teatrales relacionadas a conflictos-enfermedades en la juventud dentro de las diversas comunidades . Su proyecto se basó en la investigación y encuentros con estudiantes de la Escuela de Teatro de la ciudad, quienes improvisaron para una futura puesta en escena de la obra:

Save a Soul una obra de teatro producida para abogar por aquellos que luchan y viven discriminados debido a su estado mental. El vehículo de concienciación ofrece una oportunidad para que el mundo se una y comience a abordar el histórico de la salud mental, especialmente cuando la cultura y la religión son la principal barrera para la curación mental libertad. El mundo es un lugar roto, hemos pasado por mucho como pueblo y debería ser nuestra naturaleza imperativa esforzarnos por sanar, no sólo como individuos sino como mundo.

El objetivo:

- Reducir el estigma asociado a las enfermedades mentales

- Promover comportamientos de búsqueda de ayuda y prácticas de bienestar emocional.

- Prevenir el suicidio a través de la educación individual y los eventos/programas de divulgación.

- Crear un entorno seguro y tranquilizador y, al mismo tiempo, proporcionar recursos y plataformas viables para individuos y sus seres queridos a su alcance con programas de curación disponibles.

-----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------Khopostso Seopela (South Africa, 1981) 

Hailing from the city and University of Pretoria, she is a director and producer of plays related to conflict-illness among youth in diverse communities. Her project was based on research and meetings with students from the city's School of Theatre, who improvised for a future staging of the play: 

Save a Soul 

It is a play produced to advocate for those who struggle and live discriminated against due to their mental state. The awareness vehicle provides an opportunity for the world to come together and begin to address the history of mental health, especially when culture and religion are the main barrier to mental healing freedom. The world is a broken place, we have been through a lot as a people and it should be our imperative nature to strive to heal, not only as individuals but as a world.

The goal:

- Reduce the stigma associated with mental illness.

- Promote help-seeking behaviors and emotional wellness practices.

- Prevent suicide through individual education and outreach events/programs.

- Create a safe and reassuring environment while providing viable resources and platforms for individuals and their loved ones within reach with available healing programs.

https://facebook.com/KinhismidstProductions


jueves, octubre 06, 2022

Jamsen Law & Lee Suet Ying/ Semillas del recuerdo/ abril-junio 2022









nprojekt.net npool.net  leesuetying.hk

Semillas del recuerdo marca el inicio de la tercera serie itinerante de nProjekt. A diferencia de las dos series anteriores centradas en el artista, Under-Line y Non-Solo, se trata de un proyecto orientado al tema y al proceso, diseñado para evolucionar a través de una residencia de dos meses. Se organizó para que naciera en un lugar alejado de la ciudad natal de ambos artistas, que se encuentra básicamente en el extremo opuesto del planeta. El clima, la densidad de población, la velocidad de la vida, el tráfico y muchas otras cosas son simplemente diferentes a las de casa. 

Semillas del recuerdo es una metáfora de las fuentes de vida fáciles de transportar y almacenar, que guardan recuerdos, identidades y potencialidades de sus orígenes. Propone conversaciones sobre cómo el arte y los artefactos, que representan recuerdos, historias, melancolías y contenidos, podrían ser recogidos, expuestos, conservados y reproducidos, intencional o inconscientemente, para la existencia de lo que representan. También sugiere una búsqueda de nutrientes para el crecimiento y la adaptación, desarrollando nuevas raíces y variedades. Las investigaciones y reflexiones sobre las siempre cambiantes condiciones creativas son los principales trabajos de este proyecto artístico y curatorial. La exposición final será específica para el lugar y estará bien integrada en Residencia Corazón.

Comenzando con un trozo de baldosa de la calle "tomado prestado" de una esquina cercana a uno de los parques de La Plata y las reminiscencias de dos artistas, un elemento ordinario de la infraestructura urbana pavimenta el espacio compartido y establece el terreno común para la vida de la ciudad, proporciona la primera capa de la muestra. Con un enfoque basado en el objeto y otro orientado a la experiencia de dos artistas, la baldosa de la calle se convirtió en una mesa de comedor/comunidad y en una instalación con más elementos "prestados" del entorno. Del centro del "hogar" a las heridas de la memoria, del azulejo olvidado a los recuerdos de los lugares. Las galerías y los estudios están dispuestos como en casa. Las imágenes y los objetos de arte se integran en el entorno original y transforman el espacio común en un santuario privado. Semillas del Recuerdo es una exposición sobre la separación y la lejanía. Se trata de seguir adelante con lo esencial y sin perder el eje. También trata de la recreación y la aspiración.

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 Seeds of Remembrance

 Seeds of Remembrance marks a beginning of the third travelling series of nProjekt. Different from the previous two artist-centric series, Under•Line and Non-Solo, it is a theme- and process-driven project designed to evolve through a two-month residency. It was arranged to come into being at a place far away from both artists' home city, where is simply at the opposite end of the globe. The climate, the population density, the speed of living, road traffic and many others are plain different from home.

 Seeds of Remembrance is a metaphor of easy-to-carry and -store sources of life, which keep memories, identities and potentials of their origins. It proposes conversations about how art and artefact, which represent memories, histories, melancholies, and contentments, could be collected, displayed, preserved and reproduced, intentionally or unconsciously, for the existence of what they represent. It also suggests a search of nutritions for growth and adaptation, developing new roots and varieties. Researches and reflections on the ever-changing creative conditions are the main works of this artistic and curatorial project. The final exhibition will be site-specific and well-integrated with Residencia Corazón.

 Beginning with a piece of street tile "borrowed" from a corner near the central park of La Plata, and reminiscences of two artists, an ordinary element of urban infrastructure, which paves the shared space and lays the common ground for city lives, provides the first layer of the show. With one object-based and one experience-oriented approach of two artists, the street tile was developed into a dinning/communal table and an installation with more "borrowed" elements from the surroundings. From the centre of "home" to wounds of memory, from the forgotten tile to recollections of places. Galleries and studios are arranged like home. Images and art objects integrate with the original setting and transform the common space into a private sanctuary. 

Seeds of Remembrance is an exhibition about being apart and far away. It is about moving on with essentials and without losing the pivot. It is also about re-creation and aspiration.

Juamsen Law/ Curador-Curator

-Especial agradecimiento a Catalina Poggio por el asesoramiento curatorial

-Este proyecto cuenta con el apoyo del Consejo de Desarrollo Artístico de Hong Kong/ Supported by Hong Kong Arts Development Council

 

 



 

martes, septiembre 13, 2022

Christopher Kanyusik/ junio 2022 en RC
















Cristopher Kanyusik (USA, 1977) 

El proyecto que propongo consiste en crear una serie de piezas de fundición múltiples y las muestras escultóricas que las presentarán. Siguiendo con mi interés por los fenómenos reactivos, me gustaría crear estas series en relación directa con los materiales locales y el entorno. Me intrigan los contrastes de textura, solidez y cómo reaccionan los distintos materiales entre sí. Este proyecto implicará  
encontrar materiales, hacer moldes, fundir, terminar y exponer los resultados, y cada escultura contendrá múltiples componentes repetidos.

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My proposed project is to create a series of multiple castings and the sculptural displays that will  present them. Continuing my interest in reactive phenomena, I would like to create these series  in direct relation to local materials and the surrounding environment. I am intrigued by contrasts  of texture, solidity, and how different materials react to one another. This project will involve  
finding materials, making molds, casting, finishing, and exhibiting the results, with each sculpture  containing multiple repeating components.


miércoles, septiembre 07, 2022

Jared Young/ Residencia para escritores- Writers Residency 2022




 

Jared Young (Canadá, 1979) es director creativo y escritor. Sus proyectos cinematográficos han ganado múltiples premios en el Festival de Cine SXSW y han sido desarrollados por el National Screen Institute. Sus trabajos de vídeo han sido reconocidos por The Webbys y The One Show, y sus campañas creativas y trabajos de marca han sido cubiertos por The Globe and Mail, Adweek y otros lugares. También es cofundador y colaborador de Dear Cast and Crew, y autor de la novela Into The Current

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Jared Young (Canadá, 1979)  is a creative director and writer. His film projects have won multiple awards at the SXSW Film Festival and been developed by the National Screen Institute. His video work have been recognized by The Webbys and The One Show, and his creative campaigns and brand work have been covered by The Globe and Mail, Adweek, and other places. He is also a co-founder and contributor at Dear Cast and Crew, and the author of the novel Into The Current. 


https://www.jaredyoung.co/


martes, septiembre 06, 2022

Whitney Stolich en Residencia Corazón/ Febrero 2022







http://www.whitneystolich.com/


Nacida en USA, Monterey, California, Whitney Stolich pasó toda su infancia en un rancho de caballos. Al haber vivido en tantos espacios abiertos, se cuestionó los espacios urbanos y decidió sumergirse en uno de los más grandes, Los Ángeles, en 1993 para asistir a la Universidad Loyola Marymount. Se especializó en Planificación Urbana en un intento de comprender las decisiones que se tomaban en las ciudades y sus alrededores. Cuatro años después de licenciarse en la LMU, asistió al Otis College of Art and Design para ampliar sus estudios. Obtuvo un máster en 2004. Su obra es principalmente fotográfica.

Sus intereses artísticos se centran en temas que pertenecen al terreno común de estos dos campos: es decir, la compleja realidad que a menudo provoca el desarrollo económico en las sociedades occidentales, así como la forma en que ésta puede visualizarse a través del medio fotográfico. Por ejemplo, en su serie Landuse (2003-2004) examinó aspectos del desarrollo residencial en el sur de California, de una forma que parece estar suspendida entre la realidad y la visión elíptica de una maqueta. En sus series Third Space (2004-2005) y Land Above Sky Below (2007-2008), respectivamente, intenta leer dos aspectos diferentes de la propiedad de la tierra, renovando constantemente su lenguaje artístico en función de las necesidades del tema. En (2012-2018) Stolich ha seguido centrando su trabajo en cuestiones de planificación urbana.  Ha fotografiado puntos de referencia como los cuervos vuelan en su serie Every Ten Miles Southern California, también ha tomado imágenes de anuncios de la Segunda Guerra Mundial en los túneles abandonados de París, y ahora se está centrando en Space Between Places una comunidad ecológica fuera de la red que tiene una comunidad de personas que desean ser libres literalmente y figurativamente en losas de hormigón en el desierto de Sonora con una variedad de objetos como viviendas.

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Born in USA, Monterey, California, Whitney Stolich spent her entire childhood on a horse ranch. Having lived in so many open spaces, she questioned urban spaces and decided to immerse herself in one of the largest, Los Angeles, in 1993 to attend Loyola Marymount University. She majored in Urban Planning in an attempt to understand the decisions being made in and around cities. Four years after graduating from LMU, he attended Otis College of Art and Design to further his studies. He received a master's degree in 2004. His work is primarily photographic.

His artistic interests focus on themes that belong to the common ground of these two fields: namely, the complex reality often caused by economic development in Western societies, as well as how this can be visualized through the photographic medium. For example, in his Landuse series (2003-2004) he examined aspects of residential development in Southern California in a way that seems to be suspended between reality and the elliptical vision of a model. In his series Third Space (2004-2005) and Land Above Sky Below (2007-2008), respectively, he attempts to read two different aspects of land ownership, constantly renewing his artistic language according to the needs of the subject. In (2012-2018) Stolich has continued to focus his work on urban planning issues.  He has photographed landmarks such as crows fly in his series Every Ten Miles Southern California, he has also taken images of World War II advertisements in the abandoned tunnels of Paris, and is now focusing on Space Between Places an off-grid ecological community that has a community of people who wish to be free literally and figuratively on concrete slabs in the Sonoran desert with a variety of objects as dwellings.



lunes, diciembre 13, 2021

Balthasar Brooklynensis/ El mundo se disuelve en cenizas








Dies iræ, dies illa,

Solvet sæc’lum in favílla:

Teste David cum Sibylla.

- Palabras citadas de la Secuencia de la Misa de las Almas

 El propósito de la vida es morir (una buena muerte). Porque polvo eres y al polvo volverás (Gn 3: 19). Es importante, por lo tanto, recordar siempre nuestra Muerte y ser conscientes de la Marca que habremos dejado en esta Tierra antes de su Hora. Y es por esta razón que he regresado a la casa de mi padre (Lucas 15: 11-32), cortándome el pelo, poniéndome la ropa adecuada, y creando este nuevo cuerpo de obras, aquí en La Plata; para poder comenzar a reparar ese Escándalo, que forjé sobre Canadá y sobre el Mundo, habiendo tallado mi propia carne en un simulacro de Venus.

 Perdóname, Padre, porque he pecado. He abandonado mi vocación y me he dejado llevar por mis delirios, y la Consecuencia es que todas esas ovejas a las que debería haber llevado a pastar, están ahora destrozadas y desamparadas mientras la nación de Canadá degenera en un abismo de autoindulgencia.

Estas nuevas obras son mementōte mori, una vuelta a la tradición en consonancia con el regreso a la casa de mi padre. Los objetos de significación han sido situados dentro de la parrilla, o dentro de la cripta, o incluso dentro del propio espacio de la galería, re-presentados al espectador como una crítica a nuestra Cultura de la Muerte y a nuestra Cultura del Desecho, recordándonos esa Hora que viene. Porque el camino del arte es el camino de la cultura. Y así, nosotros, como Artistas, tenemos la responsabilidad en esta Hora, de aplastar el falso ídolo de la Iconoclasia, adorado como ha sido dentro de nuestros Templos de las Musas, y volver a la hermosa creación de objetos de los abuelos de nuestros abuelos, no sea que estas Culturas de la Muerte y del Desecho progresen más hacia nuestra condenación eterna. Todos somos Cartoneros. Por favor, hagamos cada uno en adelante sólo Obras y nunca Basura, Armas de Paz y nunca de Caos.

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 The purpose of life is to die (a good death). For dust thou art, and to dust thou shalt return (Gen 3: 19). It is important, therefore, to always remember our Death and to be cognisant of the Mark that we shall have left upon this Earth before her Hour. And it is for this reason that I have returned to my father’s house (Luke 15: 11-32), cutting off my hair, putting on the proper clothes, and creating this new body of work, here in La Plata; that I might begin to make amends for that Scandal, which I had wrought upon Canada and upon the World, having carved mine own flesh into a simulacrum of Venus.

 Forgive me, Father, for I have sinned. I had forsaken my calling and have indulged in my delusions, and the Consequence is that all those sheep whom I ought to have led to pasture, are now mayhemed and helpless as the nation of Canada degenerates into an abyss of self-indulgence.

 These new works are mementōte mori, a return to tradition in keeping with a return to my father’s house. Objects of significance have been situated within the barbecue (parilla), or within the crypt, or even within the gallery-space itself, re-presented to the Viewer as a critique of our Culture of Death and our Culture of Disposal, reminding us of that Hour to come. For the Way of Art is the Way of Culture. And thus, we, as Artists, have a responsibility in this Hour, to smash the false idol of Iconoclasm, worshipped as it has been within our Temples of the Muses, and to return to the beautiful object-making of our grandfathers’ grandfathers, lest these Cultures of Death and Disposal do progress any further towards our eternal damnation. We are all Cartoneros. Please, let us each make thenceforth only Works and never Garbage, Arms of Peace and never of Mayhem.

brooklynfink.com

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 Esparcir cenizas o polvo, en lugar de perfumes, sentarse en el suelo, lavarse y comer entre cenizas han sido desde hace tiempo, señales de luto, la purificación, expresión de arrepentimiento y penitencia.

 El mundo se disuelve en cenizas puede ser entendida como la evocación de este estado sagrado. Y así como el polvo y las cenizas son restos, aquí las obras son como esquirlas que parecen recordar este estado de fragilidad de la existencia en el que trastabilla toda fijeza: de las formas conocidas, de un nombre, de lo dado, de lo visto y lo oido. Un estado de luto. Un abandono -que no es un olvido-, de las formas adoptadas, en un ser y estar abierto al devenir. 

 Balthasar Brooklynensis recupera la tradición como quien recoge las astillas del pasado de las que está hecho nuestro presente. En estas naturalezas muertas, esta vida quieta dialoga con el canon de los grandes maestros barrocos desde nuestro presente. Aquí, un conjunto de productos de consumo, enseres domésticos y utilitario, pero también objetos de la práctica artística se disponen en este emblema de la masculinidad argentina que es la parrilla. Un frasco de mermelada de durazno, una cámara fotográfica, un jabón, perturban la mirada ante la memoria contenida en estos materiales, como cadáveres en descomposición de nuestro pasado reciente.

 En la obra de Balthasar insiste una pregunta por la paradoja de estar entre la descomposición y la composición, metamorfoseo de la materia de uno a otro estado que es cualidad de todo lo viviente. Hay más una apuesta por el misterio, el delirio y el éxtasis, como entrega hacia lo desconocido y lo impredecible.

 Para quien ha padecido el destierro y el desalojo, a quien le ha sido negado el derecho a la opacidad, inventarse un nombre, imaginar los antepasados, es apenas la invención de una posibilidad de vida. Pero este es también un acto desestabilizador, de des-sujeción y desacato a lo impuesto como destino. Nombrarse otro, con la propia lengua, no como un ornamento sino como la necesidad de separación, de poner un límite entre lo que se ha sido y lo que se puede llegar a ser; detrasvestirse, transfigurarse, un retornar que no es instaurar un tiempo anterior, sino que es una apertura al riesgo de lo frágil, de un estar abierta a devenir otros, impensados.

 Catalina Poggio/ Curadora

 

 

 

 

 

 

 

  

Pedro Gramaxo/ Contrivance # 3 en Residencia Corazón




Pedro Gramaxo (Portugal, 1989), trabaja en construcción, fotografía y cine, ha expuesto en exposiciones individuales y colectivas y espacios públicos desde 2012 desde Portugal, Italia, Bosnia y Herzegovina hasta Brasil, China, Rusia y ahora Argentina.

 Su trabajo ha sido publicado en revistas físicas y digitales y plataformas de arte de todo el mundo.

 Canalizando su práctica de exploración del dualismo entre lo natural y lo artificial, Pedro Gramaxo crea contrastes de elementos constructivos hechos por el hombre con nuevos contextos artísticos.

 Desarrolla una investigación basada en la importancia de la presencia corporal en sitios naturales diversos y su relación con nosotros mismos y nuestra memoria. Esta investigación combina el entorno y la percepción humana mediante el uso de construcciones hechas por el hombre.

 En nuestra mente, conceptos como longitud, altura o anchura no están relacionados con una forma específica. Sólo cuando unimos estos términos podemos construir una idea en torno al espacio físico y la dimensión.

 Para hacer comprensibles esas ideas, tuvimos estableció unidades de medida para manejar su existencia. Este proceso le permitió llevar conceptos indefinidos y abstractos a formas concretas, medibles y, finalmente, tangibles.

 Aquí es donde sitúa su práctica, profundizando en cómo un individuo ha sido capaz de percibir estos conceptos abstractos y cómo uno se compromete física y psicológicamente con el volumen, la escala o la dimensión.

 

Pedro Gramaxo (Portugal, 1989), working in construction, photography and film, has been exhibiting in solo and group shows and public spaces since 2012 from Portugal, Italy, Bosnia and Herzegovina to Brazil, China, Russia and now Argentina.

His work has been published in physical and digital magazines and art platforms all over the world.

Channeling his practice of exploring the dualism between the natural and the artificial, Pedro Gramaxo creates contrasts of man-made constructive elements with new artistic contexts.

 Pedro develops research based on the importance of on-site bodily presence and its relation with ourselves and our memory. This research combines the environment and human perception through the use of man-made constructions.

 In our minds, concepts such as length, height or width are not related to a specific form. It is only when we bind together these terms that we can build an idea around physical space and dimension.

 In order to make such ideas understandable, we had to establish measurement units to handle their existence. This process allowed us to bring indefinite and abstract concepts into concrete, measurable and, finally, tangible forms.

 This is where Pedro places his practice, deepening how an individual has been able to perceive these abstract concepts and how one engages physically and psychologically with volume, scale or dimension.

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 ¿Cuánto reparamos en puertas, ventanas, camas, mesas, pantallas, carteles (informativos o publicitarios, da igual), campos deportivos, papel moneda, tarjetas bancarias, como ejemplos rectangulares de nuestra estandarizada y urbana domesticación?

El gesto formal de Pedro Gramaxo, abstracto y minimalista en su colorido pleno, imbricado con el paisaje nos confronta abruptamente con la presencia artificialmente geométrica que, podríamos decir, rige constantemente nuestra vida tecno-urbana.

La materialidad de situar sus piezas en el paisaje, su elaboración, tarea que, para el ocasional testigo implica conocer algo de la estratagema que le permite con alegría burlarse de la facilidad con la que podría construir imágenes similares (nunca iguales, ni siquiera equivalentes, casi inconsistentes) por medios digitales, es un desafío en varios niveles fácticos y conceptuales.

Cuando en esta operación incluye personas (retratos según él expresa), emerge ante nuestra mirada la imagen cuasi utópica de un ser humano rectificando sus formas y rasgos evolutivamente.

Así, a través de estas construcciones, el artista revela su
imaginario, tanto como el espectador su percepción.
Nace entonces el buscado contraste entre realidad e ilusión, lo orgánico y lo geométrico, lo natural y
lo artificial.

 Pedro desarrolla entonces una investigación basada en la importancia de la presencia corporal in situ, su relación con

nosotros mismos y la memoria. De este modo, enlaza ante nuestra mirada el entorno y la percepción humana en su constante y eterno diálogo.

 

Rafa Santos/ Curador

 pedrogramaxo.com/