martes, agosto 20, 2019

Alexandra Semenova/ Auto-Tauromaquia














¿Qué otros modos de habitabilidad de lo humano contiene lo monstruoso? ¿Qué otras imaginaciones sobre la realidad agita un cuerpo anormal, abyecto? ¿Qué potencias agita el devenir animal para desestabilizar los límites de lo posible? ¿Cómo transgredir el pensamiento antropocéntrico?
El monstruo, como lo abyecto, es un otro inapropiable, inasimilable que amenaza potencialmente la estabilidad de la norma (Kristeva, 1980). Combina lo imposible y lo prohibido. Es a la vez transgresión de las formas posibles de la especie e imposibilidad de adecuación. El monstruo representa la otredad, la diferencia. Pero también implica la potencia, la blandura de los cuerpos para desafiar su inteligibilidad misma como miembro de una especie, género o clase. Materializa lo invisible, y por eso indica otro umbral de realidad de los cuerpos, sus potencias desconocidas pero no por ello menos reales. 
La obra que Alexandra Semenova presenta en Residencia Corazón, propone una lectura rizomática, circular de la historia, en la que el tiempo mítico se pliega sobre nuestra contemporaneidad. El Minotauro, híbrido de humano y animal, aberración del deseo, arquetipo de lo monstruoso, se actualiza en la relectura cortazariana de un cuerpo vulnerable que es fuga, desborde, potencia de devenir otra imaginación posible sobre la realidad.
Alexandra retoma la imagen del laberinto, como metáfora de lo infinitamente repetitivo, un espacio donde el movimiento no tiene sentido, de instauración de lo continuo. Espacio de reclusión y encierro de lo aberrante,  el laberinto podría ser cualquier arquitectura contemporánea de poder destinada a la domesticación de las subjetividades anormales, desviadas, perversas, condenadas a habitar en los márgenes de lo social. 
A manera de auto-tauromaquia, Alexandra vuelve difusas las fronteras entre su biografía y la figura del minotauro. ¿Qué es lo monstruoso y qué es la normalidad? ¿Qué potencias se agitan en lo indeseable? ¿Será la figura del* artista un monstruo, abyecto? La obra de Alexandra es una incitación al devenir animal, una reivindicación a nuestro derecho de ser monstruos (Susy Shock, 2008) una llamada a la experimentación con los límites y con los niveles posibles de subversión del horizonte de lo posible y lo pensable para un cuerpo. Después de todo, como Canguilhem advierte, la normalidad es solamente el grado cero de la monstruosidad. 

Catalina Poggio (Curadora)                                                                                              


miércoles, agosto 07, 2019

FLOW/ Hallie Schmidt










 “Flow”, my first solo exhibition, is a collection of works best representing the body of research and experimentation with media that has shaped my residency for the past month here in La Plata. My work is largely influenced by topographical images and biological systems; through fluid-like organic forms, I am illustrating the connection cellular structures and geological formations maintain with one another. Cells, for example, that are infected with disease, must grow in alternative ways to heal just as geographical structures, when faced with human or natural interruptions, are forced to change shape, rethink, and rewire themselves.
“It is when we act freely, for the sake of the action itself rather than ulterior motives, that we learn to become more than what we are.” Mihaly Csikszentmihayli[1]
‘Flow’ is the best way I can capture my artistic practice – visually, as the materials react with each other, and mentally, as I enter flow state as a pivotal phase of my artmaking process. Each painting begins with one continuous line and color: the rest I leave up to chance. Intuitively working allows me to observe the relationships separate colors create with their surroundings; I am able to make decisions based on the adaptability of colors to their environment. This results in a delicate balance of line, color and form that is equally weighted throughout the composition. I act more as a facilitator for the process of “flow”; by ignoring external stimuli and entering a hyper-focused level of consciousness that enables me to let go of expectations and embrace the unpredictable.
I am excited to share this journey with you. I hope you, too, will try to immerse yourself in the ‘flow’.


[1] Csikszentmihalyi is best known for his theory of flow, which he outlined in his seminal 1990 book Flow: The Psychology of Optimal Experience. According to Csikszentmihalyi, people are happy when they are in a state of flow, a type of intrinsic motivation that involves being fully focused on the situation or task. He describes flow as "being completely involved in an activity for its own sake. The ego falls away. Time flies. Every action, movement, and thought follows inevitably from the previous one, like playing jazz. Your whole being is involved, and you're using your skills to the utmost.” (www.verywellmind.com/mihaly-csikszentmihalyi-biography-2795517)

"Flow" [Fluir], mi primera exposición individual, es una colección de obras que representan mejor el cuerpo de investigación y experimentación con materiales que ha dado forma a la residencia durante el último mes aquí, en La Plata. Mi trabajo está influenciado en gran medida por las imágenes topográficas y los sistemas biológicos; a través de formas orgánicas fluidas, estoy ilustrando la conexión que las estructuras celulares y las formaciones geológicas mantienen entre sí. Las células que están infectadas con enfermedades, por ejemplo, deben crecer de formas alternativas para sanar, al igual que las estructuras geográficas cuando se enfrentan a interrupciones humanas o naturales, se ven forzadas a cambiar de forma, replantearse y cambiar de estado.
"Es cuando actuamos libremente, por el bien de la acción en sí y no por motivos ocultos, que aprendemos a ser más de lo que somos." Mihaly Csikszentmihayli [1]
“Flow” es la mejor manera de capturar mi práctica artística, tanto visual -cuando los materiales reaccionan entre sí-, como mentalmente -cuando entro en el estado de flujo como una fase fundamental de mi proceso creativo-.
Cada pintura comienza con una línea continua y un color: el resto lo dejo al azar. El trabajo intuitivo me permite observar las relaciones que los colores separados crean con su entorno; soy capaz de tomar decisiones basadas en la adaptabilidad de los colores. Esto resulta en un delicado equilibrio de línea, color y forma que es igualmente ponderado en toda la composición. Actúo más bien como una facilitadora del proceso de "flujo"; ignorando los estímulos externos y entrando en un nivel de conciencia híper focalizada que me permite dejar de lado las expectativas y abrazar lo impredecible.
Estoy emocionada por compartir este viaje con ustedes. Espero que ustedes también intenten sumergirse en este "fluir".
 [1]  Csikszentmihalyi es más conocido por su teoría del flujo, que esbozó en su libro de 1990 Flow: The Psychology of Optimal Experience. Según Csikszentmihalyi, las personas se sienten felices cuando están en un estado de flujo, un tipo de motivación intrínseca que implica estar totalmente concentradas en la situación o tarea. Describe el flujo como "estar completamente involucrado en una actividad por su propio bien". El ego se desvanece. El tiempo vuela. Cada acción, movimiento y pensamiento sigue inevitablemente al anterior, como tocar jazz. Todo tu ser está involucrado, y estás usando tus habilidades al máximo" (www.verywellmind.com/mihaly-csikszentmihalyi-biography-2795517)




 La materia que conforma nuestro universo físico es impredecible. Es dinamismo, forma, receptividad, transformación, posibilidad de movimiento. Contiene la imposibilidad de la permanencia, de lo idéntico. Es potencia de ser, devenir otra forma.

La serie de obras que Hallie Schmidt presenta como parte de su estadía en Residencia Corazón, son una invitación a percibir este estado de impermanencia que es característico de lo viviente.
Tanto como si se tratara de la observación microscópica de sistemas biológicos, celulares, neuronales o satelital, de topografías, formaciones geológicas, marítimas o fluviales, sistemas ecológicos, las obras de Hallie parecen hacer visibles las formas, estructuras y procesos que suceden en la materia a escalas no observables para el ojo humano.
Cada obra es un sistema complejo diferente, pero la acción que Hallie imprime en los gestos, imita los sistemas biológicos: cierta recurrencia de movimientos y procesos. Aunque un acontecimiento, en sí mismo, sea diferente de otro, siempre hay una constante que los reúne; percibirla, es aquello a lo que Hallie nos está invitando.
En las obras de Hallie existe un alto grado de impredictibilidad. A manera de tejido, las formas se van conectando unas con otras, dialogando entre sí, formando un sistema orgánico a partir de la experimentación con las reacciones y las interacciones de los materiales.  Así la obra se presenta como proceso, como una estructura abierta al error.
Entonces, ¿qué potencia se agita en lo impredecible? ¿Qué potencia para devenir otra forma habita en la incertidumbre? ¿Por qué persiste una necesidad de controlar, de dominar cuando más bien hay imprecisión, ausencia de certeza?
“Flow” (Fluir) es una incitación al movimiento. Una invitación a la necesidad de desprogramar las lógicas deterministas de lo dado. A explorar las formas de lo posible. A explorar la potencia de lo indeterminado. A devenir proceso. A confiar en lo impredecible. 

Catalina Poggio (Curadora/ Curator)

Fontaine Capel en Residencia Corazón



Charla con nuestra artista-en-residencia con Fontaine Capel + Karaoke festejo al final!
Te invitamos a una breve charla con la artista de NY Fontaine Capel, seguido por una noche de bebidas y karaoke para y por los artistas y sus comunidades.
El trabajo de Fontaine considera los espacios que compartimos y las comunidades que formamos— aunque sea brevemente—a medida que nos movemos a través de nuestros entornos urbanos. Su práctica artística se extiende más allá de su estudio y entra el mundo a través de los espacios y eventos que organiza.
Este evento de karaoke forma parte de una serie mensual que duró varios años en el sótano de la galería autogestionada que dirigió, Hume. El acto de karaoke puede ser a la vez un acto público performativo, un intercambio cultural y también una forma natural de celebrar amigos y construir comunidad.
Los videos de karaoke se transmitirán a través de youtube, así que por favor asegúrese de que exista un video de su canción favorita en forma de karaoke. Siéntete libre de practicar en casa, pero no importa cuán "buena" o “mala” sea tu performance, te estaremos animando.
Fontaine también estará organizanddo un ejercicio corto y opcional para ayudar a los participantes a encontrar a los artistas de karaoke que mejor complementen su rango vocal.
Todos los artistas y las comunidades que los apoyan son bienvenidos a unirse. Así que comparte la invitación.
¡Nos vemos el viernes por la noche!
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Please join New York City-based artist Fontaine Capel for a brief artist talk, drinks, and a night of karaoke for and by artists and their communities. Capel’s work considers the spaces we share and communities we form—however briefly—as we move through our urban landscapes. Her artistic practice extends beyond her work in the studio and out into the world through the spaces and events she organizes.This karaoke event is a renewal of a monthly series that took place for several years in the basement of the artist-run gallery she led, Hume Chicago. Karaoke is simultaneously a performative public act, a cultural exchange, and a natural way to celebrate friends and build community.
Karaoke videos will be streamed through youtube, so make sure a video of your favorite song exists in karaoke form. Feel free to practice at home, but no matter how “good” your performance is, we’ll be cheering you on.
Fontaine will also be leading a short, optional exercise to help participants find the karaoke artists that best compliment their vocal ranges!)
All artists and the communities that support them are welcome to join. So share the invite.
See you Friday night!

https://www.fontainecapel.com/

martes, agosto 06, 2019

Apología del Nómade/ Arturo Desimone en Residencia Corazón






Apología del Nómade

Texto por Hermenejilda Blatt, licenciada en filosofía y artes por el Complutense.

¿Cómo se podría auto-justificar un andariego, cómo defender a un nómade, hombre que vive de paso una vida fragmentada, dentro un mundo ya en fragmentación, y en una época donde el problema, o uno de los problemas más actuales, sea nuestra dicha fugacidad?
Quizá aquella investigación lo plantearían los filósofos. Los filósofos (quienes nunca más fueron amigos del poeta a partir de la defensa tibia de Sócrates) como fiscales, armarían el caso de los demandantes y de la Prosecución. El andariego, en cambio, presenta las pruebas para su defensa forense, en forma de imágenes. No tiene abogados, sus leyes son ajenas y vienen de la poesía.
En el caso pendiente, el nómade es Arturo Desimone, (Aruba, 1984) dibujante y poeta, presentando sus dibujos por primera vez en Argentina, país donde también se considera ciudadano, a pesar de haberse nacido y criado en la isla Aruba del Mar Caribe. Expuso igualmente en galerías y salas de Ámsterdam, donde tuvo su muestra unipersonal ''Bestiario como Auto-biografía'' en la galería Vriend van Bavink. (2018) y es autor del libro de poesía militante y dibujos ''Poems of the Costa Nostra / Mare Nostrum'', poemario que plantea una crítica del trato inhumano hacia los refugiados, gitanos y forasteros por la Unión Europea, publicado este año en Inglaterra por la editorial independiente 'cartonera' Hesterglock.    
Quizá los problemas de la fugacidad y la fragmentación contemporánea no tienen sus orígenes en vidas errantes, sino (aunque parezca una contradicción) en la domesticidad y lo estático. El éxtasis del poeta errante, se opone en su vitalidad creativa al entumecimiento de la vida estática, la vida que nada por el mar en contra de la vida flotante, ahondada en los números y las especulaciones que prometen dar vida pero solo conllevan a más muerte. La fragmentación actual del capitalismo, que va atomizando los individuos y sus vidas, es contraria a la fragmentación o la desintegración verosímil, la cual lleva a producir la lógica distinta de la poesía.
Decía el filósofo francés Michael Serres, que “Somos en los ruidos del mundo, no podemos cerrar la puerta a la recepción de ese clamor, y evolucionamos, envueltos en esa marejada incalculable. Somos calientes, ardemos de vida, y los focos de ese éxtasis temporario emiten el tumulto sin tregua de su incontable funcionamiento. En el comienzo está el ruido, el ruido no cesa. Es nuestra percepción del caos, nuestro modo de aprehender el desorden, nuestro vínculo con la distribución dispersa de las cosas'' Si bien  Serres -quien falleció este mes a los 88- tuvo razón, solo le faltaba pruebas visibles en forma de dibujo.


Maria Antonia Fernández Porto/ junio en Residencia Corazón





María estudia arte y viaja. Siempre que puede, viaja.
Llegó a La Plata hace un mes y desde entonces no dejó de examinar aquellos detalles que diferencian (y acercan) a esta ciudad de la propia.
La mirada de María es como una cámara que registra a través de planos cortos, cerrados, el entorno citadino. Pero no encuadra cualquier detalle, sino aquellos que, incluso estando sobre el espacio público transitado, hablan de elecciones particulares, hogareñas: el dibujo de una reja, el ritmo de unas baldosas. Módulo y geometría dan lugar a una imagen que, como en el arte tradicional islámico, trata de un todo y no de meras formas yuxtapuestas.
María es como un radar: busca, detecta, destaca. Aísla, como una científica a un virus, la figura-patrón que encuentra en la deriva del caminar citadino. María la reproduce y le da protagonismo, una nueva presencia casi monumental.
Sin quererlo, María nos invita a imitar su práctica. Deja repicando, como un eco, el deseo de observar, detectar y rescatar nuestro propio ambiente. Queda en nosotrxs la forma de hacerlo.

Mariel Uncal Scotti (Curadora-Curator)

https://mafernandezp.myportfolio.com/

martes, junio 04, 2019

Laura Atkinson/ Un poco verde







Hay veces en las que, caminando por alguna calle, me siento molesta sin saber por qué; el misterio se resuelve cuando me doy cuenta que en las veredas faltan los árboles.
Por el contrario, hay casas en las que me siento cómoda demasiado rápido; lo comprendo cuando advierto que en sus rincones habitan plantas.
En macetas.
En balcones.
En terrazas.
En canteros.
En jardines
a la calle
al fondo
“quiero resbalarme hoy hasta el fondo verde” decía la banda Suárez en la canción Prueba de valor.
Y lo dice Laura en las pinturas y dibujos que fue produciendo a la largo de su viaje por Latinoamérica. Porque, atravesando interiores y exteriores lejanos a su Inglaterra natal, notó que en el día a día existía una presencia natural constante, generadora de cierta seguridad y estabilidad. Casi como un soundtrack visual, el verde, siempre acompañando.
Así decidió regalarnos hoy, a través de esta muestra, escenas donde exista esa cuota mínima pero obligatoria de naturaleza que nos mantiene en marcha en el cotidiano. Por veredas llenas de árboles, claro.
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A little green
Sometimes when I walk down some street, I feel annoyed without knowing why. The mystery is solved when I realize that the sidewalks are missing trees.
On the contrary, there are houses in which I feel comfortable too fast; I understand it when I warn that in their corners live plants.
In pots.
On balconies.
On terraces.
In quarries.
In gardens
to the street
in the backyard
"I want to slip today to the green background" said the argentinian band Suárez in the song Test of bravery.
So it does Laura on the paintings and drawings that she was producing throughout her journey through Latin America. Because, traversing distant interiors and exteriors to her native England, she noticed that in the day-to-day there was a constant natural presence that generates certain security and stability. Almost like a visual soundtrack, the green, always accompanying.
So she decided to give us today, through this exhibition, scenes where there is this minimum but obligatory dose of nature that keeps us going everyday... on sidewalks full of trees, of course.

Mariel Uncal Scotti (Curadora-Curator)

https://www.instagram.com/lauraatkinson_art/

Camila Salcedo/ #vnzlnsenlaplata / marzo en Residencia Corazón






the project continues/el proyecto continúa
contact:  https://www.camilasalcedo.art/

2019/ Sarah Naomi Zakaib/ Feb-Ma en Residencia Corazón




Soy Sarah Naomi Zakaib, una artista de Canadá participando en el programa de residencias de RC.
Mi próximo proyecto es trabajar con historias de familia e historia oral. Actualmente estoy en proceso de recolección de mis historias familiares -la mayoría de las cuales tienen entre 60 y 120 años- y son naturalmente fantásticas.
Estoy buscando más historias -nuevas o viejas- que sean importantes para vos o que simplemente se cuenten, circulen dentro de tu familia. El objetivo es crear piezas de sonido con las historias y grabaciones de ruidos cotidianos que he ido coleccionando en los últimos seis meses, con la intención de representar tanto una conexión como una desconexión íntima con el pasado individual.
Espero conocerte y recopilar una de tus historias para crear alguna pieza en colaboración que la represente. La profundidad y el método de colaboración serán determinados por nosotros. El resultado final será una serie de piezas de sonido en una estética que las represente entre la narración de cuentos, una conversación con un miembro de la familia y susurros cotidianos. Entre la realidad, el mito, el sueño y la insensatez.

Sarah Naomi Zakaib is a visiting artist at Residencia Corazon's artistic residency program. My next project is dealing with family stories and oral history. I am currently in the process of collecting my own family stories, most of which are 60-120 years old, and are fantastic in nature. I am searching formore stories, as unbelievable as can be, old and young, that are important to your sense of self. The goal is to create sound pieces with those stories, and various recordings of everyday noises that I have been collecting over the past six months with the intention to depict both an intimate connection to one's past, and a disconnection to that same thing. My hope is to meet you and collect one of your stories, in order to create a collaborative piece depicting that story. The depth and method of collaboration will be determined by both of us. The end result will be a series of sound pieces depicting these stories in an aesthetic that is in between storytelling, a conversation with a family member, and everyday rustling. Between reality, myth, dream, and senselessness.

...To be continued in September 2019

Susan Burns/ Writer residency



Tess Burla & Adrian Soller/ Dic en Residencia Corazón




Markus Mosman/ Dic en Residencia Corazón



http://www.markmosman.com/

Maelenn Le Bret/ Itinerrance en Residencia Corazón


Sharing a poetic walk : Installation at Residencia Corazón
Mapping a constellation of words, images and drawings within Residencia Corazón's garden, I invited the spectators to wander through a poetic path which didn't have any precise direction. Immersed in the sound of the conversations and poems I had recorded,  the people could follow the itinerary they themselves chose, according to their own feelings and imagination. 
Since I consider that l'errance is a state of encounters and that "identity can be moved", I created some postcards out of the drawings I made on my skin and offered people to take one home in order to spread the wandering a bit further. Being part of a postcard which will travel on its own, I disseminate my identity and merge myself to the words that I will be put on. This collective voice is, for me, the language of subjectivity. 

jueves, noviembre 15, 2018

Gabrielle Lajoie Bergeron/ sep-oct en Residencia Corazón










Mujer Esqueleto- Un beso en el culo del diablo

¿Qué es la brujería hoy en día? ¿Por qué este resurgimiento de la figura de la bruja/chamán? ¿Se trata de un acto politizado o subversivo? ¿O de un acto de canonización femenina? ¿Un homenaje, una santificación, una apología de la hermana rebelde, sacrificada, pisoteada, internada, asesinada? ¿Será la nueva figura de la resistencia trabajando por la emancipación?

¿También serian brujas todxs aquellas violadas, las marcadas visible o invisiblemente?
Históricamente, la figura de la bruja/chamán ha inspirado al mismo tiempo respeto, miedo, temor y fantasías en el imaginario colectivo. Según los lugares, las épocas y/o los poderes de turno, ellas han pasado de ser las poseedoras del conocimiento, de saberes y remedios a aquellas que deben ser exterminadas. Un poderoso régimen del terror y una lógica del odio (esencialmente masculina) se instaló para identificar y eliminar todas aquellas que eran llamadas brujas.
¿Quiénes eran ellas realmente?
Las parteras, las viudas, las prostitutas, las mujeres marginales, las jóvenes emancipadas, las mayores, las independientes, las mujeres de poder. En resumen, eran las que vivían solas, las fuera de lo común, las mujeres “demasiado” activas en la sociedad, las “demasiado” poderosas, aquellas que escapan al orden establecido, las que se rebelan. Ellas son las insubordinadas y las que están contra la opresión social. Ellas son las diferentes, las militantes, las de identidad sexual no binaria, las transgénero, las homosexuales, las desheredadas, las masacradas, las invisibilizadas, las enfermas, las accidentadas, las lisiadas.
La caza de brujas hace parte del miedo al Otro, de la necesidad de ejercer un control. Es una conspiración solapada contra la diferencia, contra el derecho a la autodeterminación, contra las mujeres. En la actualidad, vemos como movimientos feministas militantes alrededor del mundo se han apropiado de los arquetipos de la bruja/chamán de manera positiva con el fin de luchar contra la opresión social y por los derechos de las mujeres, por la reapropiación de sus cuerpos y de su sexualidad.

Gabrielle Lajoie-Bergeron vive y trabaja en Quebec (Canadá) y Baltimore (Estados Unidos). Posee un título de Master en artes visuales y multimedia de la Université du Québec à Montréal (2014) y recibío numerosos premios y becas. Su trabajo ha fue mostrado en Canadá, Europa, Argentina, Italia y África. En 2018, forma parte del programa de la Residencia Corazon (Argentina / apoyado por el CALQ y el CAC), el Museo IlTorrione (Italia), la Feria del Arte actual de Quebec y el 36º Simposio internacional de Arte contemporáneo de Baie-St-Paul. L'Oeil de Poisson la albergará en 2019. Lajoie-Bergeron curó numerosas exposiciones y el PigmentSauvage - Art & Residencies, en Baltimore, será el anfitrión del proyecto La Track / TheTrack en 2019. 
Mi práctica cuestiona los mecanismos de construcción de imágenes e historia, su reproducción, su circulación y su trivialización. Una gran parte de mi producción es sobre la historia del arte y cómo "juntar todo". A través de un enfoque feminista, mis exploraciones se centran en las nociones de territorio: salvaje, íntimo, público y de pertenencia. ¿Cómo pensar hoy en la noción de conquista del territorio y su apropiación? A través de una serie de pinturas, dibujos, pequeñas esculturas, bordados, objetos recolectados o donados y fragmentos de textos, mi práctica desafía las divisiones e interpretaciones del mundo, del cuerpo y de la historia. El aquí y el otro, el centro y la periferia, la Historia colectiva (olvidada, reprimida, oculta) y las historias íntimas se mezclan para hacer surgir nueva historia: las reapropiaciones del cuerpo, las historias y la experiencia vivida. Trabajando sobre los códigos normativos transmitidos a través de los arquetipos de la figura femenina, intento llenar el vacío dejado por la historia, ya sea feminista, política, mediática o social. Me interesa el hecho que una misma representación pueda ser una fuente de dominación o de emancipación. Al hibridar imágenes y textos de diferentes fuentes, creo un nuevo campo de virtualidades.

www.gabriellelajoiebergeron.com

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Alzar una voz colectiva

Una pregunta retorna: ¿cómo vivir en un mundo injusto y desigual? ¿Qué hacer frente a la violencia de este mundo?La pregunta de los feminismos nos invita a llevar la atención al territorio en disputa: nuestros cuerpos. ¿Qué hacer con este malestar? ¿Cómo podemos desaprender esos modos de vida que internalizamos e inventar nuevos? Algunas filósofas nos invitan a comenzar por la sensación, por lo sensible: lo personal es político, ese malestar que sentimos es un producto social, es político. Pero si necesitamos extraer conclusiones de las experiencias que vivimos, la única manera de hacerlo es con otrxs.

El proyecto "Mujer esqueleto – un beso en el culo del diablo" de Gabrielle Lajoie-Bergeron aborda desde esa perspectiva las nociones de pertenencia, territorio(s), cuerpo y poder. Su objetivo es crear instancias para que esas preguntas y esos encuentros tengan lugar.Su práctica como artista privilegia el diálogo, lo relacional, incluso cuando pinta e intenta poner juntos espacios y situaciones pertenecientes a tiempos y lugares diferentes. Su práctica habita lo colectivo y su investigación la lleva a estudiar la historia de ciertas imágenes míticas y símbolos ancestrales.Cuando sus reflexiones necesitan materializarse,se re apropia de técnicas pertenecientes a tradiciones populares, haceres manuales y saberes que se transmiten de forma oral, de mano en mano, de boca en boca. La escala de los dibujos, pequeñas esculturas y objetos que reúne en esta exposición es coherente con esa atención a lo "menor", a aquello que habita en lo cotidiano.

El territorio de su exploración es el límite entre lo público y lo íntimo. Su habilidad reside en crear espacios de encuentro donde la confianza y apertura permiten hacer aflorar eso que se mueve cuando hablamos de lo que nos interpela. Una práctica artística que es política cuando busca propiciar instancias donde esas voces que en general permanecen en silencio, se vuelvan audibles. Desde una perspectiva feminista, investiga sobre aquellos arquetipos y representaciones que la cultura genera para dar cuenta de esos cuerpos e identidades otrxs, que se escapan de la norma, de lo instituido, de lo esperable, de lo deseable:"las insubordinadas y las que están contra la opresión social. Ellas son las diferentes, las militantes, las de identidad sexual no binaria, las transgénero, las homosexuales, las desheredadas, las masacradas, las invisibilizadas, las enfermas, las accidentadas, las lisiadas."

El camino trazado por este proyecto configura una trayectoria que podría cartografiarse. De algún modo estas producciones hablan de ese proceso. Forman parte de algo que las excede, un tejido hecho de historias que no es visible, pero que podemos oír, como un sonido que de repente no podemos dejar de escuchar y que ahora aparece como fondo de todas las cosas.

Lic. Lucía Savloff (Curadora/ Curator)