sábado, junio 27, 2015

Tres-Worlds/Exhibición de Luz del Carmen Magaña-Neftalí Manriquez (Mex.)+Allison Chalco (EE.UU.)-Sábado 27 de Junio 19.30hs.


Una muestra en conjunto, un cruce de visiones, obras, personalidades. Artistas con obras y formaciones diversas, que convergen en una exhibición producto de la convivencia (casi) azarosa  dentro del espacio común de una residencia artística.
La presentación grupal propone un mundo dividido en tres, o tres mundos en uno, como se prefiera: la artista mexicana Luz del Carmen trabajó distintos estereotipos en los que se ha encasillado a la mujer en ciertos períodos de la historia del arte (la mujer-puta, la mujer -virgen, la mujer- madre, la mujer-bruja). Un ensayo de reivindicación por medio de pinturas, fotografías y libro de artista.  
Neftalí elaboró durante el tiempo de su estadía un proyecto relacionado con la gestualidad y el lenguaje, en el que predomina el retrato a través del dibujo y el video.
Paralelamente, una parte de la producción de Allison se basó en los objetos que habitan ciertos interiores, exteriores y texturas de Argentina, utilizando como soporte la fotografía y también el video.
La exhibición invita a imaginar un pequeño universo triangular,
con bordes que sugieren una obra colectiva.



miércoles, mayo 27, 2015

Yanin Ruibal en Residencia Corazón/ 29 de Mayo




Al que alimentas

Las emociones son animales salvajes. Nos asechan con ferocidad cuando nuestra voz interior se enfrenta al mundo externo, cuando un conflicto se internaliza y hace de nuestras entrañas su hogar.
Yanin Ruibal es una artista llena de fuego, afligida por la guerra de sus animales internos; manifiesta esa dualidad del bien y el mal de forma visual utilizando las criaturas salvajes que ama, tanto grades como pequeñas.  En Al que Alimentas, Yanin une caballos, cebras, y aves en el violento momento del impacto, en un choque carnal dónde nadie gana ni pierde.  Retratados en la batalla,  estos animales son una representación del “tire y afloje” que los seres humanos experimentamos día a día en el complejo mundo de las interacciones sociales.
Ruibal ofrece una lucha, el conflictos personal que surge por la inherente dualidad de todo ser con pensamientos y emociones. Ninguno de nosotros somos inmunes a la batalla de nuestro interior y muchas veces se puede sentir literalmente como si las bestias nos arrancaran las entrañas.
Al final, esas batallas no tienen importancia en sí, lo importante es lo que hacemos después de que suceden, las decisiones que tomamos en el complejo laberinto de ideas y emociones por el que vagamos: ¿A quién alimentar? ¿Al bueno o al malo?
Las bestias de nuestro interior  pueden estar en guerra perpetua, pero cuando entendemos que así es como debe ser, que es el equilibrio natural de las cosas, podemos canalizar su poder. Quién sabe que tipo de cosas extraordinarias podemos lograr…



The One You Feed
Human emotions are wild animals. They stalk us with ferocity when our inner voice encounters the external world, or when conflict becomes internalised and makes its home in the body.
Yanin Ruibal is an artist full of fire, plagued by the war waged by her own inner animals; the binary between good and evil manifesting itself visually in her love of wild creatures both great and small. In Al queAlimentas / The One You Feed, pairs of horses, birds and zebras are shown at the moment of gory impact, the splash of conflict disrupting flesh; neither animal winning, neither animal losing. Frozen in battle, the creatures enact the daily ‘back and forth’ we all experience when trying to negotiate the complex world of social interactions.
What Ruibal offers is a fight – the internal conflict inherent in the dual nature of what it means to be a thinking, feeling and emotive human being. None of us are immune to the internal struggle and sometimes it can feel as though there literally are beasts waring in our stomachs. The outcome of such battles isn’t important – what is important is how we choose to address ourselves in the complex maze of thoughts and feelings we wander through: which one will you feed, the good or the bad?

Our inner beasts may be at war but when we understand that this is how it should be, that this is nature at its best, we can harness the power of our wild creatures. Who knows what kind of extraordinary things we could accomplish… 

Texto de Marion Piper:  marionepiper.com



martes, diciembre 23, 2014

Zahra Latif en Residencia Corazón- 27 de Diciembre 2014



 


Banchy Escapó de La Isla

 Se suelen utilizar varios términos para etiquetar al ser que se traslada por lugares distintos de sus líneas limítrofes "asignadas". Mochilero, turista, nómade, viajero, punk, etc. Todas estas expresiones son usadas muchas veces en forma despectiva. Cada continente parece construir un sistema  masivo de visitantes frecuentes en lugares que tienden a recibirlos con abundancia. Tienen sus mapas, las empresas de micros, hostels, hoteles, actividades, paquetes de “todo preparado para usted como un viajero”. Las relaciones entre viajeros y locales han progresado o disminuido en función de la latitud y la longitud.

La gente viaja y emigra por muchas razones diferentes. El Sudeste Asiático, se ve favorecido (por lo que he presenciado)  por una demografía con distancias muy amplias. Personas de todas las edades y nacionalidades lo visitan el  por diversos motivos. Hay buscadores del alma, los que van por sus certificados en yoga, buceo, trapecio, etc., los que intentan abrir un negocio, los sicarios, los exploradores de el amor, los fetiches sexuales, las drogas, la emoción, los que intentan la foto correcta para Instagram , y la lista sigue.

En el Sudeste Asiático los nativos y expatriados han construido a través del tiempo un circuito para dar cabida a las necesidades y deseos de todos los visitantes. Estos itinerarios también se conectan a otros países: importación / exportación. Tienen palmeras en el paraíso, escorpiones fritos, cocos, motos, todo a un precio de dólares-euros- libras y más de lo que se pueda pagar. Más allá de todo lo que pueda parecer a simple vista, la situación puede resultar al mismo tiempo bastante siniestra. Todavía persiste ciertas veces un sentido de colonización y aún existen jerarquías entre los visitantes. Entre ellos y también entre los locales y extranjeros. Hay un lado oscuro de todo esto que puede ser bastante extraño cómo se regenera en fases. El metal se utiliza para representar el crecimiento industrial. Las ojotas son un símbolo universal del zapato.

Las cosas todavía pueden fusionarse en círculos completos o triángulos. En medio de los buscadores del alma y personas que pensaban que se estaban liberando a sí mismas, todavía hay líneas construidas por este “circuito”. El Sudeste Asiático se utiliza aquí como una influencia conceptual y estética debido a la cantidad de tiempo en que he ahondado  en sus profundidades y dinámicas sociales. La perspectiva exhibida no se limita a esa parte del globo.

 -------------------------------------------------------------------------------------------------------
 Banchy Escaped The Island
 There are various terms used to label a being who transports to locations other than their “assigned” boundary lines if you will. Backpacker, tourist, nomad, traveller, crust punk, etc. All of these terms can often times be used derisively. Each continent seems to build a system for frequent masses of visitors in locations that tend to receive them abundantly. So you’ve got your maps, bus companies, hostels, hotels, activities, packages all set up for you as a traveler. The relationships between travelers and locals have progressed or digressed depending on the latitude and longitude.

People travel and migrate for so many different reasons. South East Asia is favored from what I have witnessed, by the most wide ranged demographics. People of all ages and nationalities visit South East Asia for different reasons. Soul searching, certifications in yoga, scuba diving, trapeze etc., sex fetishes, a hitman, drugs, looking to open a business, love, thrill, the right Instagram photo, and the list goes on.

Within South East Asia a circuit has been built over time by local natives and expatriates to accommodate to all visitors’ needs and wants. These circuits also connect to other countries, import /export. You’ve got palm trees in paradise, fried scorpions, coconuts, motorbikes all at a price dollars/euros/pounds can more than afford. Beyond all that meets the eye is quite ominous at times. There is still a sense of colonization at times, and hierarchies still exist amongst all visitors. Between themselves and between locals and foreigners. There’s a dark side to it all that can be quite uncanny how it regenerates in phases. Metal is used to represent industrial growth. Flip flops are a symbol of the universal shoe.

Things can still meet in full circles or triangles. Amidst the soul searchers and people who thought they were liberating themselves, there are still lines built by this ‘circuit’. South East Asia is used as a conceptual and aesthetical influence due to the amount of time I’ve had to penetrate into the social depths and dynamics. The perspective exhibited is not limited to that segment of the globe.

martes, diciembre 02, 2014

Camille Bernard-Gravel-Percepción Ondulante/Noviembre en RC!


Percepción ondulante ofrece formas de entender el fenómeno natural de los espejismos en relación a nuestra percepción de lo real. La ola sinusoidal a la que el título se refiere es de naturaleza universal. Se manifiesta cuando el impacto de un objeto crea olas en la superficie del agua, cuando el viento crea olas en un campo de pasto, y también con las ondas de sonido, magnéticas o sísmicas. Cuando este movimiento ondulado puede verse desde el aire (por intenso calor), una distorsión de lo visible resulta en un espejismo.

La muestra  consiste de tres trabajos separados que combinan el uso de instalación, video y sonido. Máquina de espejismo presenta el aspecto de ensoñación de este fenómeno natural, a menudo comparado a la alucinación en las historias. A través de la instalación, el propósito de este trabajo es replicar el efecto de un espejismo en video. El trabajo Visión ondulada ofrece una distorsión visual dentro de una construcción hecha por el hombre. El video captura un espejismo real, un paisaje sujeto al impacto de la refracción de la luz en capas de aire, a diferentes temperaturas.

 Finalmente, Alteraciones y reconstrucciones presenta una muestra de mi percepción de las características arquitectónicas y acústicas específicas dela ciudad de La Plata. Como extranjero proveniente de un país con un invierno extremadamente frío, quería trabajar en piedra. Es un material muy poco utilizado de donde vengo y quería reflexionar en cómo la piedra distorsiona el sonido. 

-------------------------------------------------------------------------------------------------------

 Wavering perception

Wavering perception offers insight into mirages, a natural phenomenon, in relation to our perception of the real. The sinusoidal wave that the title refers to is ubiquitous in nature. It manifests itself when the impact of an object creates ripples on the surface of water, when wind creates waves in a grass field, as well as through soundwaves, magnetic waves, or seismic waves, etc. When this wavering movement can be seen in the air (because of intense heat), a distortion of what is visible results in a mirage.
The exhibition Wavering perception consists of three distinct art works that combine the use of installation, videography and sound. First, Mirage machine presents the rather dreamlike aspect of this natural phenomenon, often compared to hallucination in popular stories. Through a low-tech installation, the purpose of this work is to replicate the effect of a mirage in video. The work Wavering vision offers a view of visual distortion within a familiar man-made construction. This video captures a mirage in reality, a landscape subjected to the impact of light refraction in layers of air at different temperatures.
Finally, Alterations and reconstructions presents a token of my perception of architectural and acoustic specificities unique to the city of La Plata. As a foreigner from a country with an extremely cold winter, I wanted to work with stone. It is a construction material less commonly used where I am from and I wanted to think about the way stone distorts sound.




martes, octubre 28, 2014

Kim Webbing en Residencia Corazón/ La línea del horizonte/ 31 de Octubre-19.30 hrs.



La línea (del horizonte)
 
En las llanuras no había nada más para ver: una expansión sin límites de pasto bajo enormes nubes bajas, y ninguna indicación de que una ciudad pudiera estar cerca.
(Roberto Bolaño: El gaucho insufrible)
 
El espacio abierto y amplio es algo que no existe en Alemania. Crecí en el campo, pero incluso allí, el próximo pueblo estaría siempre no más lejos que uno o dos kilómetros. Miré el mapa de Argentina y elegí un pueblo que estuviera lo más lejos posible de otro en La Pampa, Santa Rosa, y me fui a manejar 800 kms. a través del vacío.
Las llanuras interminables y el cielo sin fin pasaban volando, nada de qué agarrarse excepto la línea del horizonte. Mi GPS anunció el próximo cruce en 70 minutos, la próxima curva del camino en 95 minutos. Uno podía sentir la presencia del tiempo directamente donde nada cambiaba, excepto la luz.
Mi bordado es espejo de esta experiencia del tiempo, ya que lleva muchas horas terminar un trabajo de este tipo. Busco nuevas formas de expresión con una aguja e hilo que sean apropiadas para nuestro entendimiento contemporáneo y nuestra percepción del tiempo. Para mí, hacer puntadas es una forma de hacer el paso del tiempo visible.

On the plains there was nothing else to be seen: a vast, boundless expanse of scanty grass under massive, low clouds, and no indication that a town might be near. 
(Roberto Bolaño: The Insufferable Gaucho/ El gaucho insufrible)

Wide open space is something that does not exist in Germany. I grew up in the countryside, but even there the next village would never be farther away than one or two kilometers. I looked at the map of Argentina and chose the town that would be farthest away from any other town in La Pampa, Santa Rosa, and took off to drive 800 km through emptiness.
Endless plains and an endless sky would fly by- nothing to hold on to except for the straight line of the horizon. My gps would announce the next crossing coming up in 70min, the next bend of the road in 95min. One could feel the presence of time directly when nothing changed other than the light. 
My embroidery mirrors this experience of time since it takes many hours to finish a piece of work. I am seeking new forms of expression with needle and thread that are suitable for our contemporary understanding and living of time. For me, stitching is a way to make the passing of time visible.

 


martes, agosto 12, 2014

Sebastian Befumo en Residencia Corazón/ Figuras en el Paisaje Urbano/ 16 de Agosto-19.30hs



Disfruté conocer la ciudad, negociar sus diagonales, identificar sitios particulares donde no había señalización; usar edificios, murales, monumentos o plazas, navegando de vuelta a la residencia. En retrospectiva, creo que pasé mucho de mi tiempo mirando para arriba, lo cual es llamativo porque nunca me encontré con una baldosa rota en mi camino. Sin embargo, lo que es más interesante -y conciso- es que desde esta perspectiva se me hizo posible ver la información escrita en las paredes con aerosol, en las diferentes formas arquitectónicas que viven en la ciudad. Esto me llevó a investigar más sobre La Plata y su contexto histórico. El trabajo que desarrollé durante mi residencia es una respuesta a las diferentes formas de información evidentes en la ciudad, tales como edificios y grafiti, pero esto no excluye otras formas como sus árboles u otros aspectos naturales del paisaje urbano. Esta información ha sido fundamental para mi práctica y constituirá una fuente de inspiración vital en los próximos años.


Figures in the Urban Landscape

I enjoyed getting to know this city, negotiating its diagonals, identifying particular landmarks where there weren’t street signs; using buildings, murals, monuments or plazas, in navigating my way back to the residency. In retrospect, I believe that I spent much of my time looking up, which is interesting because I never tripped over a loose or fractured tile on the footpath. However, what is more interesting - and to the point - is that from this perspective I was able to take note of the information often scribbled on walls with spray paint, or the various architectural forms that inhabit this city. This usually led me to further research about La Plata and its historical context. The work I developed during my residency is a response to the different forms of information evident in the city, such as its buildings and graffiti, but this does not exclude other forms of information, such as trees, or other natural aspects of the urban landscape. This information has been of pivotal importance to my practice, and will provide a vital source of inspiration for years to come. 



Thomas González en Residencia Corazón/ Todavía Siento/ 31 de Julio-19.30 hs/






Todavía Siento
La pintura para mi podría ser una puerta a la memoria, reconstruir una imagen. Aprehendo el instante con materiales (en su mayoría) encontrados. Pretendo, de esta forma, atrapar lo inatrapable. El proceso, esta vez, consistió en buscar objetos,  pinturas ya usadas para ir dibujándole un camino al espectador. Recuperando un lenguaje simbólico que ya contienen estos restos. Un trapo, papeles o pinturas tienen su propia identidad, su huella. De esa forma pueden reacomodarse a su gusto, comunicando un sentido de metamorfosis o de renacer. Re inventando su dicotomía o existencia. Por qué somos más que carne y huesos? O memoria comprimida? Acaso los matices nos definen, como las diagonales de esta ciudad? De aquí parto, para invitarlos  a ingresar en un juego de preguntas, que muchas de las veces quedan mudas...


I still feel


For me, painting could be a door to memory, a way to reconstruct an image. I understand the moment with mostly found materials. I am wanting, in this way, to catch the uncatchable. The process, this time, consisted of found objects and used paint which I use to draw a road to the viewer. I am retrieving a symbolic language that already contains these residues. Cloth, paper or paintings have their own identity, their own mark. In that way they can be rearranged to their liking, imparting a sense of metamorphosis or rebirth. Re-inventing their dichotomy or existence. Why we are more than flesh and bones? Or compressed memory? Perhaps the shades define us, like the diagonals of this city? I start from here, inviting you to join in a game of questions but the times are silent.

martes, junio 24, 2014

Lauren D. Zbarsky/ Sábado 28 de junio en Residencia Corazón Argentina



Conversaciones que podríamos haber tenido

 Para mí, un retrato es una representación de una reunión, un encuentro o una conexión entre dos personas -un artista y su tema. Ambas partes actúan juntas para crear una imagen. Para Conversaciones que podríamos haber tenido, me propuse crear imágenes e involucrarme en interacciones significativas con extraños en las calles de La Plata, Buenos Aires. Con el uso creciente de la tecnología en los espacios públicos en la vida cotidiana, los individuos están cada vez más aislados. Ya sea fumando enfrente a un restaurant, en una cola de supermercado o esperando el colectivo, con mucha frecuencia elegimos ignorarnos unos a otros. Elegí utilizar tecnología - una forma más vieja, mi cámara Pentax de 35 mm- para acercarme a gente que nunca había conocido. A pesar de mi limitado español, pude comunicarme con todos de una forma u otra y crear algo con ellos que de otra forma no habría sido posible. Quise crear imágenes que reflejaran la intimidad que puede ocurrir entre dos extraños, mostrar en lo que puede resultar de una pequeña interacción en medio de un día ocupado. Creo que si podemos volvernos más presentes con la gente alrededor nuestro en este mundo cambiante, no perderemos oportunidades para las conversaciones que habríamos tenido.


Conversations we could have had
For me, a portrait is a representation of a meeting, an encounter or a connection between two people – the artist and the subject. Both parties act together to create an image. For Conversations We Could Have Had, I set out to create images and engage in meaningful interactions with strangers in the streets of La Plata, Buenos Aires. With the increasing use of technology that is used in public spaces in everyday life, individuals are growing more isolated from one another. Whether it be smoking outside of a restaurant, standing in a long line at the supermarket or waiting for the bus, we choose to ignore one another more often than not. I chose to use technology - an older form - my Pentax 35mm film camera to bring me closer to people I had never met. Despite my very limited Spanish, I was able to communicate in one way or another with all of my subjects and create something with them that might not have been. I wanted to created images that reflected the intimacy that can occur between two strangers and show what a small interaction in a busy day can result in. I believe that if we are able to become more present with the people around us in this rapidly changing world we won't miss opportunities for conversations we could have had.