martes, agosto 20, 2019

Alexandra Semenova/ Auto-Tauromaquia














¿Qué otros modos de habitabilidad de lo humano contiene lo monstruoso? ¿Qué otras imaginaciones sobre la realidad agita un cuerpo anormal, abyecto? ¿Qué potencias agita el devenir animal para desestabilizar los límites de lo posible? ¿Cómo transgredir el pensamiento antropocéntrico?
El monstruo, como lo abyecto, es un otro inapropiable, inasimilable que amenaza potencialmente la estabilidad de la norma (Kristeva, 1980). Combina lo imposible y lo prohibido. Es a la vez transgresión de las formas posibles de la especie e imposibilidad de adecuación. El monstruo representa la otredad, la diferencia. Pero también implica la potencia, la blandura de los cuerpos para desafiar su inteligibilidad misma como miembro de una especie, género o clase. Materializa lo invisible, y por eso indica otro umbral de realidad de los cuerpos, sus potencias desconocidas pero no por ello menos reales. 
La obra que Alexandra Semenova presenta en Residencia Corazón, propone una lectura rizomática, circular de la historia, en la que el tiempo mítico se pliega sobre nuestra contemporaneidad. El Minotauro, híbrido de humano y animal, aberración del deseo, arquetipo de lo monstruoso, se actualiza en la relectura cortazariana de un cuerpo vulnerable que es fuga, desborde, potencia de devenir otra imaginación posible sobre la realidad.
Alexandra retoma la imagen del laberinto, como metáfora de lo infinitamente repetitivo, un espacio donde el movimiento no tiene sentido, de instauración de lo continuo. Espacio de reclusión y encierro de lo aberrante,  el laberinto podría ser cualquier arquitectura contemporánea de poder destinada a la domesticación de las subjetividades anormales, desviadas, perversas, condenadas a habitar en los márgenes de lo social. 
A manera de auto-tauromaquia, Alexandra vuelve difusas las fronteras entre su biografía y la figura del minotauro. ¿Qué es lo monstruoso y qué es la normalidad? ¿Qué potencias se agitan en lo indeseable? ¿Será la figura del* artista un monstruo, abyecto? La obra de Alexandra es una incitación al devenir animal, una reivindicación a nuestro derecho de ser monstruos (Susy Shock, 2008) una llamada a la experimentación con los límites y con los niveles posibles de subversión del horizonte de lo posible y lo pensable para un cuerpo. Después de todo, como Canguilhem advierte, la normalidad es solamente el grado cero de la monstruosidad. 

Catalina Poggio (Curadora)                                                                                              


miércoles, agosto 07, 2019

FLOW/ Hallie Schmidt










 “Flow”, my first solo exhibition, is a collection of works best representing the body of research and experimentation with media that has shaped my residency for the past month here in La Plata. My work is largely influenced by topographical images and biological systems; through fluid-like organic forms, I am illustrating the connection cellular structures and geological formations maintain with one another. Cells, for example, that are infected with disease, must grow in alternative ways to heal just as geographical structures, when faced with human or natural interruptions, are forced to change shape, rethink, and rewire themselves.
“It is when we act freely, for the sake of the action itself rather than ulterior motives, that we learn to become more than what we are.” Mihaly Csikszentmihayli[1]
‘Flow’ is the best way I can capture my artistic practice – visually, as the materials react with each other, and mentally, as I enter flow state as a pivotal phase of my artmaking process. Each painting begins with one continuous line and color: the rest I leave up to chance. Intuitively working allows me to observe the relationships separate colors create with their surroundings; I am able to make decisions based on the adaptability of colors to their environment. This results in a delicate balance of line, color and form that is equally weighted throughout the composition. I act more as a facilitator for the process of “flow”; by ignoring external stimuli and entering a hyper-focused level of consciousness that enables me to let go of expectations and embrace the unpredictable.
I am excited to share this journey with you. I hope you, too, will try to immerse yourself in the ‘flow’.


[1] Csikszentmihalyi is best known for his theory of flow, which he outlined in his seminal 1990 book Flow: The Psychology of Optimal Experience. According to Csikszentmihalyi, people are happy when they are in a state of flow, a type of intrinsic motivation that involves being fully focused on the situation or task. He describes flow as "being completely involved in an activity for its own sake. The ego falls away. Time flies. Every action, movement, and thought follows inevitably from the previous one, like playing jazz. Your whole being is involved, and you're using your skills to the utmost.” (www.verywellmind.com/mihaly-csikszentmihalyi-biography-2795517)

"Flow" [Fluir], mi primera exposición individual, es una colección de obras que representan mejor el cuerpo de investigación y experimentación con materiales que ha dado forma a la residencia durante el último mes aquí, en La Plata. Mi trabajo está influenciado en gran medida por las imágenes topográficas y los sistemas biológicos; a través de formas orgánicas fluidas, estoy ilustrando la conexión que las estructuras celulares y las formaciones geológicas mantienen entre sí. Las células que están infectadas con enfermedades, por ejemplo, deben crecer de formas alternativas para sanar, al igual que las estructuras geográficas cuando se enfrentan a interrupciones humanas o naturales, se ven forzadas a cambiar de forma, replantearse y cambiar de estado.
"Es cuando actuamos libremente, por el bien de la acción en sí y no por motivos ocultos, que aprendemos a ser más de lo que somos." Mihaly Csikszentmihayli [1]
“Flow” es la mejor manera de capturar mi práctica artística, tanto visual -cuando los materiales reaccionan entre sí-, como mentalmente -cuando entro en el estado de flujo como una fase fundamental de mi proceso creativo-.
Cada pintura comienza con una línea continua y un color: el resto lo dejo al azar. El trabajo intuitivo me permite observar las relaciones que los colores separados crean con su entorno; soy capaz de tomar decisiones basadas en la adaptabilidad de los colores. Esto resulta en un delicado equilibrio de línea, color y forma que es igualmente ponderado en toda la composición. Actúo más bien como una facilitadora del proceso de "flujo"; ignorando los estímulos externos y entrando en un nivel de conciencia híper focalizada que me permite dejar de lado las expectativas y abrazar lo impredecible.
Estoy emocionada por compartir este viaje con ustedes. Espero que ustedes también intenten sumergirse en este "fluir".
 [1]  Csikszentmihalyi es más conocido por su teoría del flujo, que esbozó en su libro de 1990 Flow: The Psychology of Optimal Experience. Según Csikszentmihalyi, las personas se sienten felices cuando están en un estado de flujo, un tipo de motivación intrínseca que implica estar totalmente concentradas en la situación o tarea. Describe el flujo como "estar completamente involucrado en una actividad por su propio bien". El ego se desvanece. El tiempo vuela. Cada acción, movimiento y pensamiento sigue inevitablemente al anterior, como tocar jazz. Todo tu ser está involucrado, y estás usando tus habilidades al máximo" (www.verywellmind.com/mihaly-csikszentmihalyi-biography-2795517)




 La materia que conforma nuestro universo físico es impredecible. Es dinamismo, forma, receptividad, transformación, posibilidad de movimiento. Contiene la imposibilidad de la permanencia, de lo idéntico. Es potencia de ser, devenir otra forma.

La serie de obras que Hallie Schmidt presenta como parte de su estadía en Residencia Corazón, son una invitación a percibir este estado de impermanencia que es característico de lo viviente.
Tanto como si se tratara de la observación microscópica de sistemas biológicos, celulares, neuronales o satelital, de topografías, formaciones geológicas, marítimas o fluviales, sistemas ecológicos, las obras de Hallie parecen hacer visibles las formas, estructuras y procesos que suceden en la materia a escalas no observables para el ojo humano.
Cada obra es un sistema complejo diferente, pero la acción que Hallie imprime en los gestos, imita los sistemas biológicos: cierta recurrencia de movimientos y procesos. Aunque un acontecimiento, en sí mismo, sea diferente de otro, siempre hay una constante que los reúne; percibirla, es aquello a lo que Hallie nos está invitando.
En las obras de Hallie existe un alto grado de impredictibilidad. A manera de tejido, las formas se van conectando unas con otras, dialogando entre sí, formando un sistema orgánico a partir de la experimentación con las reacciones y las interacciones de los materiales.  Así la obra se presenta como proceso, como una estructura abierta al error.
Entonces, ¿qué potencia se agita en lo impredecible? ¿Qué potencia para devenir otra forma habita en la incertidumbre? ¿Por qué persiste una necesidad de controlar, de dominar cuando más bien hay imprecisión, ausencia de certeza?
“Flow” (Fluir) es una incitación al movimiento. Una invitación a la necesidad de desprogramar las lógicas deterministas de lo dado. A explorar las formas de lo posible. A explorar la potencia de lo indeterminado. A devenir proceso. A confiar en lo impredecible. 

Catalina Poggio (Curadora/ Curator)

Fontaine Capel en Residencia Corazón



Charla con nuestra artista-en-residencia con Fontaine Capel + Karaoke festejo al final!
Te invitamos a una breve charla con la artista de NY Fontaine Capel, seguido por una noche de bebidas y karaoke para y por los artistas y sus comunidades.
El trabajo de Fontaine considera los espacios que compartimos y las comunidades que formamos— aunque sea brevemente—a medida que nos movemos a través de nuestros entornos urbanos. Su práctica artística se extiende más allá de su estudio y entra el mundo a través de los espacios y eventos que organiza.
Este evento de karaoke forma parte de una serie mensual que duró varios años en el sótano de la galería autogestionada que dirigió, Hume. El acto de karaoke puede ser a la vez un acto público performativo, un intercambio cultural y también una forma natural de celebrar amigos y construir comunidad.
Los videos de karaoke se transmitirán a través de youtube, así que por favor asegúrese de que exista un video de su canción favorita en forma de karaoke. Siéntete libre de practicar en casa, pero no importa cuán "buena" o “mala” sea tu performance, te estaremos animando.
Fontaine también estará organizanddo un ejercicio corto y opcional para ayudar a los participantes a encontrar a los artistas de karaoke que mejor complementen su rango vocal.
Todos los artistas y las comunidades que los apoyan son bienvenidos a unirse. Así que comparte la invitación.
¡Nos vemos el viernes por la noche!
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Please join New York City-based artist Fontaine Capel for a brief artist talk, drinks, and a night of karaoke for and by artists and their communities. Capel’s work considers the spaces we share and communities we form—however briefly—as we move through our urban landscapes. Her artistic practice extends beyond her work in the studio and out into the world through the spaces and events she organizes.This karaoke event is a renewal of a monthly series that took place for several years in the basement of the artist-run gallery she led, Hume Chicago. Karaoke is simultaneously a performative public act, a cultural exchange, and a natural way to celebrate friends and build community.
Karaoke videos will be streamed through youtube, so make sure a video of your favorite song exists in karaoke form. Feel free to practice at home, but no matter how “good” your performance is, we’ll be cheering you on.
Fontaine will also be leading a short, optional exercise to help participants find the karaoke artists that best compliment their vocal ranges!)
All artists and the communities that support them are welcome to join. So share the invite.
See you Friday night!

https://www.fontainecapel.com/

martes, agosto 06, 2019

Apología del Nómade/ Arturo Desimone en Residencia Corazón






Apología del Nómade

Texto por Hermenejilda Blatt, licenciada en filosofía y artes por el Complutense.

¿Cómo se podría auto-justificar un andariego, cómo defender a un nómade, hombre que vive de paso una vida fragmentada, dentro un mundo ya en fragmentación, y en una época donde el problema, o uno de los problemas más actuales, sea nuestra dicha fugacidad?
Quizá aquella investigación lo plantearían los filósofos. Los filósofos (quienes nunca más fueron amigos del poeta a partir de la defensa tibia de Sócrates) como fiscales, armarían el caso de los demandantes y de la Prosecución. El andariego, en cambio, presenta las pruebas para su defensa forense, en forma de imágenes. No tiene abogados, sus leyes son ajenas y vienen de la poesía.
En el caso pendiente, el nómade es Arturo Desimone, (Aruba, 1984) dibujante y poeta, presentando sus dibujos por primera vez en Argentina, país donde también se considera ciudadano, a pesar de haberse nacido y criado en la isla Aruba del Mar Caribe. Expuso igualmente en galerías y salas de Ámsterdam, donde tuvo su muestra unipersonal ''Bestiario como Auto-biografía'' en la galería Vriend van Bavink. (2018) y es autor del libro de poesía militante y dibujos ''Poems of the Costa Nostra / Mare Nostrum'', poemario que plantea una crítica del trato inhumano hacia los refugiados, gitanos y forasteros por la Unión Europea, publicado este año en Inglaterra por la editorial independiente 'cartonera' Hesterglock.    
Quizá los problemas de la fugacidad y la fragmentación contemporánea no tienen sus orígenes en vidas errantes, sino (aunque parezca una contradicción) en la domesticidad y lo estático. El éxtasis del poeta errante, se opone en su vitalidad creativa al entumecimiento de la vida estática, la vida que nada por el mar en contra de la vida flotante, ahondada en los números y las especulaciones que prometen dar vida pero solo conllevan a más muerte. La fragmentación actual del capitalismo, que va atomizando los individuos y sus vidas, es contraria a la fragmentación o la desintegración verosímil, la cual lleva a producir la lógica distinta de la poesía.
Decía el filósofo francés Michael Serres, que “Somos en los ruidos del mundo, no podemos cerrar la puerta a la recepción de ese clamor, y evolucionamos, envueltos en esa marejada incalculable. Somos calientes, ardemos de vida, y los focos de ese éxtasis temporario emiten el tumulto sin tregua de su incontable funcionamiento. En el comienzo está el ruido, el ruido no cesa. Es nuestra percepción del caos, nuestro modo de aprehender el desorden, nuestro vínculo con la distribución dispersa de las cosas'' Si bien  Serres -quien falleció este mes a los 88- tuvo razón, solo le faltaba pruebas visibles en forma de dibujo.


Maria Antonia Fernández Porto/ junio en Residencia Corazón





María estudia arte y viaja. Siempre que puede, viaja.
Llegó a La Plata hace un mes y desde entonces no dejó de examinar aquellos detalles que diferencian (y acercan) a esta ciudad de la propia.
La mirada de María es como una cámara que registra a través de planos cortos, cerrados, el entorno citadino. Pero no encuadra cualquier detalle, sino aquellos que, incluso estando sobre el espacio público transitado, hablan de elecciones particulares, hogareñas: el dibujo de una reja, el ritmo de unas baldosas. Módulo y geometría dan lugar a una imagen que, como en el arte tradicional islámico, trata de un todo y no de meras formas yuxtapuestas.
María es como un radar: busca, detecta, destaca. Aísla, como una científica a un virus, la figura-patrón que encuentra en la deriva del caminar citadino. María la reproduce y le da protagonismo, una nueva presencia casi monumental.
Sin quererlo, María nos invita a imitar su práctica. Deja repicando, como un eco, el deseo de observar, detectar y rescatar nuestro propio ambiente. Queda en nosotrxs la forma de hacerlo.

Mariel Uncal Scotti (Curadora-Curator)

https://mafernandezp.myportfolio.com/