Entraralmar /Dani Lorenzo en Residencia Corazón/ Sábado 7 de Diciembre- 19.30hrs.

“Creo que hoy me desperté con una idea
que puedo mantener durante más tiempo,
(veremos si en dos días no vuelvo todo atrás de vuelta)”
“Me gusta más el ésto es esto”
Dani Lorenzo. Conversación por Facebook.


Los recuerdos que tengo del mar son muchos y se mezclan con los paisajes que imagino o vi en películas. De todas maneras, en todas esas imágenes, hay algo que percibo casi igual: el cambio de temperatura del cuerpo al mojar por primera vez los pies en el agua y el punto de vista de la orilla hacia adentro del mar. Ninguna desde adentro del agua a la costa. Esto fue lo primero que pensé cuando supe el título de la
muestra: entraralmar.
Me sorprendió la insistencia con la cual, aún sabiendo, confundía entraralmar con entramar. Fue inevitable no buscar motivos y me acordé de unas fotos de nudos de sal que compartí con Dani hace un tiempo. Eran nudos marinos escultóricos que se exponían en una galería de Capital Federal. También me hacían acordar a las minas de Wanda, pero eso no viene al caso.
Hoy sigo pensando que esa delicada y silenciosa conexión fue quién disparó la posibilidad de compartir el proceso de este trabajo y las largas charlas e intercambios que tuvimos.
La primera vez que nos encontramos con Dani para hablar de su futura muestra fue por Septiembre en un bar del centro de La Plata con el sol entrando de costado, serían las cuatro de la tarde o por ahí. Me acuerdo muy bien que hablamos largo y tendido del estado de enamoramiento y la curaduría, de los rastis y la sal, del dibujo, de las libretas de hojas lisas y del límite entre lo autobiográfico y la memoria colectiva. Tengo la imagen muy nítida de salir del bar, empezar a caminar sin saber adónde íbamos pero con la seguridad de que eso no era lo importante.
Algo transformaba la incertidumbre en certeza, una especie de seguridad del cuerpo.
Esa misma noche le escribí un mail por miedo a que algo se fugase.
Ocho mil rastis azules y muchas bolsas de sal marina se presentaban, en los primeros diálogos con Dani, como dos materiales a simple vista poco familiares entre sí, como dos universos en potencia que podrían confluir a fuerza de algo que se desconoce.
Por momentos aquellos ladrillitos y la sal se transformaban en una pregunta retórica acerca de la imposibilidad de poetizar o en la sensación que la poesía puede tener desvíos y que en ellos hay cosas que se escapan.
Una vez más algo transformaba la incertidumbre en certeza modificando las primeras imágenes y recuerdos del mar en un lugar desterritorializado y en movimiento.
El último encuentro que tuvimos con Dani fue unos días antes de que yo tuviera que viajar al mar. Nos vimos en casa una mañana de Noviembre. Para ese entonces la incertidumbre cierta ya había cobrado forma y espacio, y las palabras empezarían a viajar entre el silencio, la entrega y lo compartido. Casi al final de la charla hablamos del género diario íntimo y su reivindicación ante el poco crédito literario que tiene.
Sonreímos con empatía.
Creo que así como aquella primera conexión silenciosa de los nudos de sal apareció navegando (ahora mismo me estoy enterando que eran piedras); hoy, en este otro desayuno viajero, aparece ante mí un arquitecto con quien tomo un café y comparto mis inquietudes acerca de los dos materiales en apariencia poco familiares, de la escritura, la poesía y de la iglesia de sal que aparece en el folleto turístico.
Miro el reloj, debo mandar este texto por mail, los finales siempre me resultan difíciles, pienso. En ese mismo momento escucho: “Tanto un material como el otro tienen un factor común en su modulación, si bien uno es orgánico y el otro rígido, ambos están compuestos por la misma geometría. Al romperse, por ejemplo, un material como el ladrillo se acomoda de tal manera que sigue manteniendo su fuerza y la sal, cada grano o cristal de sal se acomoda con el otro para poder armar una forma”.
A veces las incertidumbres parecen ser tan sólo un lugar que aún no se ha visto. Como el punto de vista desde adentro del mar.
Texto de Guillermina Mongan

Kathleen Hearn/ 15 / Sábado 30 de Noviembre 19.30 hs

15

Aquí en Argentina, los 15 años es el año de la Fiesta de Quince, el año en que las niñas se transforman en mujeres. Este ritual hace de transición, un punto en el tiempo en el que el hecho de “pasar de la niñez a la juventud” es reconocido. Mi interés en esta transición me llevó a hacer Quince, una colaboración con alumnos cercanos a los quince del Instituto Home Intercultural Learning de La Plata. Comenzando con preguntas como: ¿Qué significa ser adulto?; ¿Cuáles son las luchas inherentes a ser adolescente?; ¿Cómo representan los medios estas situaciones?, las adolescentes Guiliana, Valentina y Milagros eligieron personajes de algunos programas de televisión y situaciones que sintieron les reflejaban características  propias. Las escenas seleccionadas mostraban a Rachel de Glee sobrellevando una pérdida y desilusión, a Mora de Solamente Vos luchando con su familia y su deseo de autonomía y a Mar de Casi Ángeles, con los altibajos del amor.

 En los últimos años he trabajado con adolescentes, en un intento por entender la relación entre la experiencia adolescente y aquellas experiencias mostradas en la pantalla de films o programas. Esta investigación se inició en 2009 con el proyecto “Eat´em and smile” (Cómelos y sonríe) y más recientemente con el corto “The Boys” (Los chicos) que mira a la juventud luchando por su identidad, tratando de encontrar amor y lo que significa ser adulto. Además de los ritos de pasaje, mi trabajo también examina temas de valores en conflicto, independencia, las aventuras y dolores experimentados cuando los personajes buscan su lugar en el mundo.

Here in Argentina, age 15 is the year of Fiesta de Quince: the year that young girls become young women. This ritual dubs as a transition marker, a point in time when their “coming of age” is being recognized.  My interest in this transition has lead to 15, a collaboration with students close to the age of quince from La Plata’s Home Intercultural Learning Institute. Starting with the questions: what does it mean to be an adult?, what are some the struggles of being a teen?, and how are these situations represented in media?, the teenage girls Giuliana, Valentina, and Milagros selected a television character and situation they felt embodied characteristics and circumstance that paralleled their own.  They selected scenes highlighting ‘Rachel’ from Glee dealing with loss and disappointment, ‘Mora’ from Solamente Vos struggling with her family and her desire for autonomy, and ‘Mar’ from Casi Ángeles dealing with the ups and downs of love.

For the past several years I have worked with teens in an attempt to understand the relationship between teenage experience and those experiences shown on screen in film and video and on television. The research was initiated in 2009 with the project Eat ‘em and smile, and most recently with a short film The Boys that looks at youth struggling with identity, trying to find love and what it means to be an adult. In addition to coming of age rituals and concepts, my work also looks at themes of conflicting values, independence and the adventures and turmoil experienced as they (the characters) search for their place in the world. 

Kathleen Hearn 

  

CERO DIAGONAL/ Sábado 23 de Noviembre-19 hrs.

Este sábado los esperamos junto a los demás espacios + nuestros artistas residentes Kathleen Hearn (video) & Alisa Slaughter (intervención) + Bisiesto. Gracias a los amigos Cero Diagonal!

 Mes de los espacios culturales de arte contemporáneo
La Plata, Noviembre 2013
Cero Diagonal es un circuito de recorrida por mas de veinte espacios de arte de La Plata que se desarrollará los fines de semana del mes de noviembre, mes aniversario de la ciudad.
Este proyecto nuclea centros culturales, galerías, residencias y talleres de artistas con el objetivo de darle visibilidad a la escena artística local, con inauguraciones de muestras, talleres, trastiendas, estudio abierto, acciones performáticas, intervenciones y murales pintados en vivo, música y mas!!!

Día y Noche/ Day and Night / Linda Lenssen en Residencia Corazón/ Viernes 27 Septiembre 19.30hs

Queremos hablar acerca de nuestra existencia, interpretarla, exponer nuestra identidad, pero carecemos del vocabulario para hablar directamente desde nuestra espiritualidad. Solamente cuando tratamos de encontrar las palabras para decir lo que queremos decir, nos damos cuenta de que estamos inventando lo que está en nuestras mentes. Darle una vuelta, es paradójicamente una forma más directa de llegar a lo real.

La metáfora nos permite ver el mundo cotidiano de manera diferente. Puede conectar cosas que no tienen nada en común a primera vista de una forma u otra. La metáfora se vincula con la realidad de manera poética y por lo tanto, hace posible vincular lo abstracto con lo concreto. Tiene la posibilidad de abrir algo de lo cual nunca hubo consciencia y de ir más allá de la distinción entre pensamiento y mundo físico, objeto y sujeto, aquí y allí, adentro y afuera, tú y yo. El deseo de unir distancias y alcanzar lo inalcanzable visualiza la paradoja entre presencia y ausencia. La metáfora provee una perspectiva siempre cambiante sobre la realidad. Esta perspectiva cambiante no aprende algo nuevo para ver, sino que representa una nueva visión.

Haciendo los conceptos abstractos imaginables en nuestro mundo exterior, las obras de arte funcionan como posibles metáforas para la realidad. Usando material físico en la menor medida posible, estas intervenciones mínimas funcionan como herramientas de apoyo para expresar ideas que son  tan simples como profundas. No construyen explícitamente algo nuevo, sino que hacen uso de todo lo que ya está dado en la naturaleza circundante, en todos lados y en cualquier momento. Input mínimo, alcance máximo.

 Day and Night

We want to speak about our existence, interpret our existence, expose our identity, but we lack the vocabulary to speak directly from spirituality. Only when we try to find words for what we want to say, do we realize that we are inventing what is in our minds. Making a detour is paradoxically a more direct way to get close to the real.

The metaphor allows to see the everyday world in a different way. It can connect things that have nothing in common at first glance in one way or another. The metaphor relates to reality in a poetic way and is therefore able to connect the abstract to the concrete. It has the possibility to unlock something of which the awareness has never been realized and to go beyond the distinction between thoughts and physics, object and subject, here and there, inside and outside, you and me. The desire to bridge distances and reach the unreachable visualizes the paradox between presence and absence. The metaphor provides a constantly changing perspective on reality. The changing perspective does not learn something new to be seen, but new seeing.

By making abstract concepts imaginable in the outward world, these artworks function as possible metaphors for reality. By using physical material as little as possible these minimal interventions function as ancillary tools, to express ideas that are as simple as deep. It explicitly does not add or construct something new, but makes use of everything that is already given in our natural surroundings, everywhere and at any given moment. Minimum input, maximum reach. 

www.lindalenssen.nl 

Mason Kimber/ Sin Rastros en Residencia Corazón/ Jueves 29 de Agosto-19.30 hrs.

Sin rastros

Esta nueva serie de trabajos es una investigación del espacio pictórico y la memoria. Enmarcados en un cuadrado, contienen sus propias reglas y lógica internas, funcionando como un microcosmos de posibilidades visuales. Elementos de arquitectura y detalles combinan con invenciones pintadas para formar un espacio híbrido, ambiguo, que desafía una perspectiva singular. Zonas planas coexisten con otras profundas, mientras que líneas diagonales duras llevan el foco en diferentes direcciones. Situados en un fondo seductor de color saturado invitan a entrar, pero sólo hasta cierta profundidad.

 En un proceso similar al de la recolección de imágenes de la mente, los trabajos mezclan información "factual" con una cantidad importante de imaginación. Basados en fragmentos de imágenes digitales, éstas sólo proveen una referencia visual. Es a través de un diálogo continuo con el material de pintura, que los trabajos realmente se hacen realidad. En este proceso, las pinturas permanecen en un estado constante de fluidez, una forma de "investigación a través del proceso" que plantea preguntas a medida que el trabajo es creado. Lo que resulta es una escena de posibilidades y asociaciones espaciales, todo lo cual permanece en el límite de disolverse como los rastros visuales de la memoria.

Without A Trace

This new series of works are an investigation into pictorial space and memory. Bordered within a square format, they contain their own internal rules and logic, functioning like a microcosm of visual possibilities. Elements of architecture and detailed rendering combine with painterly invention to form an ambiguous hybrid space that defies any single perspective. Flat areas co-exist with entryways into deep ones, while hard-edged diagonal lines direct focus in varying directions. Set in a seductive backdrop of saturated colour they invite you in, yet only so far.

In a process similar to the recollection of images in the mind, the works blend ‘factual’ information with a large amount of imagination. Based upon fragments of digitally found images, these only provide a visual reference point. It is through a back-and-forth dialogue with the material of paint that the works really came into fruition. In doing so, the paintings remain in a constant state of fluidity, a form of “research through process” that pose questions as the work is being created. What results is a scene of spatial possibilities and associations, all of which remain on the verge of dissolving like the visual traces of a memory.

http://masonkimber.com/ 

Jiyeon Paek/Retratos-Portraits/Muestra en Residencia Corazón/Sábado 10 de agosto-19.30 hrs.

RETRATOS

Dibujo retratos de personas. Son amigos, familia, extraños que encontré en mi camino. Las necesidades son un deseo humano bastante natural. Ser feliz o rico, aprender cosas nuevas, ser querido por alguien. No estamos aquí sólo para existir sino para vivir. Quiero usar mi lienzo para contar historias de seres humanos, para expresar sentimientos y emociones de la gente.

 Las pinceladas y los colores son importantes en mi trabajo. Una pincelada, los toques de mis acciones, capturan un momento en el tiempo que no puede ser recreado. La elección de colores se basa fundamentalmente en las reacciones de las personas que conozco y a veces en mi intuición. En mi caso, el acto de dibujar es una forma más sencilla de expresión que hablar o escribir. Expresarme a través del dibujo es comparable al proceso de aprender una lengua en la experiencia de un niño. Lo que sea que represento, supongo que puede ser lenguaje formativo. Porque el acto creativo de dibujar en un lienzo es un acto altamente reflexivo, algo en lo que el verdadero ser emerge. 

 La mano que fluye libre improvisa la creatividad a niveles conscientes e inconscientes. No hay "pincelada final" intencional en mi trabajo, completarlo es un acto de espontaneidad. Intuitivamente, cuando siento que puedo bajar el pincel, entonces ya está hecho. Por lo tanto, mi trabajo se convierte en algo anómalo. Se transforma en algo más atractivo para mí. Mis pinturas se dan espacio para pensar por sí mismas. En este punto la subjetividad pura se transforma en una posibilidad. Para este fin, este trabajo desordenado, desconectado, se transforma en la esencia de mi trabajo. Lucho constantemente contra dos cosas: a) el orden libre de las cosas, y b) el enfoque organizado, estructurado, hacia el trabajo. El trabajo en sí mismo puede transformarse en una obstrucción del proceso imaginativo, inhibiendo el flujo de creatividad. El trabajo espontáneo, más que el pensamiento subjetivo, se da a través del trabajo del inconsciente. Es un acto reflexivo que despliega algo que tiene que ver con una búsqueda personal. Esto permite la introspección, la cual trae consigo una consciencia aguda de mí mismo desde una perspectiva objetiva. Este pensamiento libre me permite ver algo de mí desde una perspectiva objetiva.

PORTRAITS

I draw people's portraits. They are friends, family, and strangers encountered on the road. Needs are a fairly natural human desire. To be happy and rich, to learn new things, and to be appreciated by someone. We are here not just to exist but also to live. I want to use my canvas to tell humans' stories, to express people's feelings and emotions.

Brushstrokes and colors are important in my work. A stroke of the brush, the touches of my actions capture a moment in time that cannot be recreated. Choosing the colors is based largely on emotional reactions to the people I meet and sometimes I dip into intuition. In my case, the act of drawing is an easier way to express myself than that of speaking or writing. Expressing myself through drawing is comparable to that of the process of learning a language that children experience. Whatever I represent, I suppose that it could be formative language. Because the creative act of drawing oneself on a canvas is a highly reflective process, something of the true self emerges.

The free flowing hand improvises the creativity at the level of both the conscious and unconscious mind. There is no intentional ‘final brushstroke' in my painting; rather, completion is an act of spontaneity. Intuitively, when I feel I should lay down the brush, then it is done. Therefore, my work becomes something of an anomaly. It becomes more attractive to me. My paintings can give space to think for themselves. At this point, true subjectivity becomes a possibility. To this end, this disorderly, disconnected work actually becomes the essence of my work. I am constantly struggling against two things: a) the free order of things, and b) the organized, structural approach to the work. The very thing itself, the work, can become an obstruction to the imaginative process, inhibiting the flow of creativity. Impromptu working, rather than subjective thinking, is actually the work of the unconscious. It is a reflective exercise that displays something of an internal search of being. This allows for introspection which brings with it an acute awareness of the self. This free thinking allows seeing something of myself from an objective perspective.

Teresa Gillespie en Residencia Corazón/Sábado 29 de Junio-19.30 hrs./ dentro de un afuera (rastreando las sombras de un extraño atractor)

www.teresagillespie.com

…

Entro en el objeto de mi propia extrañeza

Estoy torpemente allí, una extraña en la extrañeza.

Nada es más extraño que de donde he venido.

Simplemente me recuerda que todo viene de algún otro lugar.

…

Entro en el adentro de un afuera; es decir, encuentro que no estoy adentro

Es un interior lleno de exteriores, de manera tal que incluso el interior no es interior.

El interior es algún otro lugar, algo más a lo que simplemente no he entrado

...

El interior de exteriores es un objeto de extraños objetos,

Entre los que me descubro como una, la cámara es otra.

Perdiendo un sentido de liderazgo, me convierto en seguidora,

Es decir, la cámara parece guiar mi cuerpo

Y los objetos parecen atraer a la cámara.

…

 “No pongas extrañeza donde no la hay”,

el* se dice mientras se desploma en lo cotidiano.

“Un ladrillo es un ladrillo”, pero él sabe que no es está en la realidad.

Él puede tratar de nombrarlo con palabras o fijarlo con una mirada,

Pero la extrañeza se escapa e irrumpe en su propio espacio.

…

* “Él” se refiere a Antoine, de La novela La Náusea de Jean Paul Sartre.

inside an outside

(tracing the shadows of a strange attractor) 

…

I contract into the object of my own strangeness.

I am awkwardly here; a stranger in strangeness.

Nothing is any stranger than where I've come from,

I am simply reminded that everything comes from elsewhere.

…

I enter the inside of an outside; that is, I find I am not inside at all.

It is an interior full of exteriors, such that even the interior is not interior.

The interior is somewhere else, something else not simply entered.

...

The interior of exteriors is an object of strange objects,

among which I discover myself as one, the camera as another.

Loosing a sense of leading, I become the follower;

that is, the camera seems to guide my body

and the objects seem to beckon the camera.

…

'Don't put strangeness where there is none',

he* tells himself while sinking through the everyday.

'A brick is a brick,' but he knows it's not in reality.

He can try to name it with words or fix it with a look,

but the strangeness escapes and ruptures back into his space.

…

* 'he' refers to Antoine from Jean-Paul Sartre's novel 'Nausea'

Eileen Song/ Empresa Primavera-Spring Company/ Sábado 1, 19.30 hs en Residencia Corazón

Empresa Primavera

Wang Wei es un periodista de Taiwán. Un día recibió un email de una compañía, Empresa Primavera Ltd. en Argentina. La compañía invitaba a Wang Wei a unirse a su equipo de trabajo. La empresa afirmaba trabajar  todo lo relacionado con la primavera, incluyendo imágenes, palabras, conceptos. Wang se pasó tres meses solicitando su visa, pero finalmente fue rechazado. El motivo fue: "Usted no aportó evidencias suficientes para demostrar la existencia de la Empresa Primavera". Como último recurso, cavó un túnel a través de la tierra desde Taiwán a la Argentina.

Eileen Song (Sung Ai Ling) vive y trabaja en Taipei, Taiwán.
Su práctica incluye la escritura, pintura, video y música. Diferenciar entre verdad y ficción, criticar la acción del tiempo y el comportamiento de los seres, la elaboración de falsedades y la deformación de la realidad, abarcan los temas que más le interesan. Durante su estadía en Residencia Corazón, trabajó en video, filmando escenas como vistas a través de los ojos de un  turista, narradas de tal forma que los acontecimientos de la vida real se transformaron en un viaje de la imaginación.

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Spring Company

Wang Wei is a journalist from Taiwan. One day he received an email from Spring Ltd. in Argentina. The company invited Wang to join their team. Spring Ltd. claims they work with all things related to spring, including images, words, concept, and everything in between. Wang spent three months applying for his visa, but he ultimately got rejected. This was the reason: “You did not provide sufficient evidence to prove the existence of Spring LTD.” As a last resort, he dug a hole through the earth from Taiwan to Argentina.

Eileen Song (Sung Ai Ling) works and lives in Taipei, Taiwan. Her practice includes writing, screenwriting, painting, filmmaking, and composing music. Differentiating between truth and fiction, criticizing the action of weather and behavior of creatures, making falsehoods, and twisting reality are things that interest her most. In her time at Residencia Corazón, her approach to filmmaking has been to record scenes as though viewed through a tourist’s eyes and to narrate in a way that transforms real-life events into a journey of the imagination.

+ Eileen