Balthasar Brooklynensis/ El mundo se disuelve en cenizas

Dies iræ, dies illa,

Solvet sæc’lum in favílla:

Teste David cum Sibylla.

- Palabras citadas de la Secuencia de la Misa de las Almas

 El propósito de la vida es morir (una buena muerte). Porque polvo eres y al polvo volverás (Gn 3: 19). Es importante, por lo tanto, recordar siempre nuestra Muerte y ser conscientes de la Marca que habremos dejado en esta Tierra antes de su Hora. Y es por esta razón que he regresado a la casa de mi padre (Lucas 15: 11-32), cortándome el pelo, poniéndome la ropa adecuada, y creando este nuevo cuerpo de obras, aquí en La Plata; para poder comenzar a reparar ese Escándalo, que forjé sobre Canadá y sobre el Mundo, habiendo tallado mi propia carne en un simulacro de Venus.

 Perdóname, Padre, porque he pecado. He abandonado mi vocación y me he dejado llevar por mis delirios, y la Consecuencia es que todas esas ovejas a las que debería haber llevado a pastar, están ahora destrozadas y desamparadas mientras la nación de Canadá degenera en un abismo de autoindulgencia.

Estas nuevas obras son mementōte mori, una vuelta a la tradición en consonancia con el regreso a la casa de mi padre. Los objetos de significación han sido situados dentro de la parrilla, o dentro de la cripta, o incluso dentro del propio espacio de la galería, re-presentados al espectador como una crítica a nuestra Cultura de la Muerte y a nuestra Cultura del Desecho, recordándonos esa Hora que viene. Porque el camino del arte es el camino de la cultura. Y así, nosotros, como Artistas, tenemos la responsabilidad en esta Hora, de aplastar el falso ídolo de la Iconoclasia, adorado como ha sido dentro de nuestros Templos de las Musas, y volver a la hermosa creación de objetos de los abuelos de nuestros abuelos, no sea que estas Culturas de la Muerte y del Desecho progresen más hacia nuestra condenación eterna. Todos somos Cartoneros. Por favor, hagamos cada uno en adelante sólo Obras y nunca Basura, Armas de Paz y nunca de Caos.

----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------

 The purpose of life is to die (a good death). For dust thou art, and to dust thou shalt return (Gen 3: 19). It is important, therefore, to always remember our Death and to be cognisant of the Mark that we shall have left upon this Earth before her Hour. And it is for this reason that I have returned to my father’s house (Luke 15: 11-32), cutting off my hair, putting on the proper clothes, and creating this new body of work, here in La Plata; that I might begin to make amends for that Scandal, which I had wrought upon Canada and upon the World, having carved mine own flesh into a simulacrum of Venus.

 Forgive me, Father, for I have sinned. I had forsaken my calling and have indulged in my delusions, and the Consequence is that all those sheep whom I ought to have led to pasture, are now mayhemed and helpless as the nation of Canada degenerates into an abyss of self-indulgence.

 These new works are mementōte mori, a return to tradition in keeping with a return to my father’s house. Objects of significance have been situated within the barbecue (parilla), or within the crypt, or even within the gallery-space itself, re-presented to the Viewer as a critique of our Culture of Death and our Culture of Disposal, reminding us of that Hour to come. For the Way of Art is the Way of Culture. And thus, we, as Artists, have a responsibility in this Hour, to smash the false idol of Iconoclasm, worshipped as it has been within our Temples of the Muses, and to return to the beautiful object-making of our grandfathers’ grandfathers, lest these Cultures of Death and Disposal do progress any further towards our eternal damnation. We are all Cartoneros. Please, let us each make thenceforth only Works and never Garbage, Arms of Peace and never of Mayhem.

brooklynfink.com

 ----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------

 Esparcir cenizas o polvo, en lugar de perfumes, sentarse en el suelo, lavarse y comer entre cenizas han sido desde hace tiempo, señales de luto, la purificación, expresión de arrepentimiento y penitencia.

 El mundo se disuelve en cenizas puede ser entendida como la evocación de este estado sagrado. Y así como el polvo y las cenizas son restos, aquí las obras son como esquirlas que parecen recordar este estado de fragilidad de la existencia en el que trastabilla toda fijeza: de las formas conocidas, de un nombre, de lo dado, de lo visto y lo oido. Un estado de luto. Un abandono -que no es un olvido-, de las formas adoptadas, en un ser y estar abierto al devenir. 

 Balthasar Brooklynensis recupera la tradición como quien recoge las astillas del pasado de las que está hecho nuestro presente. En estas naturalezas muertas, esta vida quieta dialoga con el canon de los grandes maestros barrocos desde nuestro presente. Aquí, un conjunto de productos de consumo, enseres domésticos y utilitario, pero también objetos de la práctica artística se disponen en este emblema de la masculinidad argentina que es la parrilla. Un frasco de mermelada de durazno, una cámara fotográfica, un jabón, perturban la mirada ante la memoria contenida en estos materiales, como cadáveres en descomposición de nuestro pasado reciente.

 En la obra de Balthasar insiste una pregunta por la paradoja de estar entre la descomposición y la composición, metamorfoseo de la materia de uno a otro estado que es cualidad de todo lo viviente. Hay más una apuesta por el misterio, el delirio y el éxtasis, como entrega hacia lo desconocido y lo impredecible.

 Para quien ha padecido el destierro y el desalojo, a quien le ha sido negado el derecho a la opacidad, inventarse un nombre, imaginar los antepasados, es apenas la invención de una posibilidad de vida. Pero este es también un acto desestabilizador, de des-sujeción y desacato a lo impuesto como destino. Nombrarse otro, con la propia lengua, no como un ornamento sino como la necesidad de separación, de poner un límite entre lo que se ha sido y lo que se puede llegar a ser; detrasvestirse, transfigurarse, un retornar que no es instaurar un tiempo anterior, sino que es una apertura al riesgo de lo frágil, de un estar abierta a devenir otros, impensados.

 Catalina Poggio/ Curadora

 

 

 

 

 

 

 

  

Pedro Gramaxo/ Contrivance # 3 en Residencia Corazón

Pedro Gramaxo (Portugal, 1989), trabaja en construcción, fotografía y cine, ha expuesto en exposiciones individuales y colectivas y espacios públicos desde 2012 desde Portugal, Italia, Bosnia y Herzegovina hasta Brasil, China, Rusia y ahora Argentina.

 Su trabajo ha sido publicado en revistas físicas y digitales y plataformas de arte de todo el mundo.

 Canalizando su práctica de exploración del dualismo entre lo natural y lo artificial, Pedro Gramaxo crea contrastes de elementos constructivos hechos por el hombre con nuevos contextos artísticos.

 Desarrolla una investigación basada en la importancia de la presencia corporal en sitios naturales diversos y su relación con nosotros mismos y nuestra memoria. Esta investigación combina el entorno y la percepción humana mediante el uso de construcciones hechas por el hombre.

 En nuestra mente, conceptos como longitud, altura o anchura no están relacionados con una forma específica. Sólo cuando unimos estos términos podemos construir una idea en torno al espacio físico y la dimensión.

 Para hacer comprensibles esas ideas, tuvimos estableció unidades de medida para manejar su existencia. Este proceso le permitió llevar conceptos indefinidos y abstractos a formas concretas, medibles y, finalmente, tangibles.

 Aquí es donde sitúa su práctica, profundizando en cómo un individuo ha sido capaz de percibir estos conceptos abstractos y cómo uno se compromete física y psicológicamente con el volumen, la escala o la dimensión.

 

Pedro Gramaxo (Portugal, 1989), working in construction, photography and film, has been exhibiting in solo and group shows and public spaces since 2012 from Portugal, Italy, Bosnia and Herzegovina to Brazil, China, Russia and now Argentina.

His work has been published in physical and digital magazines and art platforms all over the world.

Channeling his practice of exploring the dualism between the natural and the artificial, Pedro Gramaxo creates contrasts of man-made constructive elements with new artistic contexts.

 Pedro develops research based on the importance of on-site bodily presence and its relation with ourselves and our memory. This research combines the environment and human perception through the use of man-made constructions.

 In our minds, concepts such as length, height or width are not related to a specific form. It is only when we bind together these terms that we can build an idea around physical space and dimension.

 In order to make such ideas understandable, we had to establish measurement units to handle their existence. This process allowed us to bring indefinite and abstract concepts into concrete, measurable and, finally, tangible forms.

 This is where Pedro places his practice, deepening how an individual has been able to perceive these abstract concepts and how one engages physically and psychologically with volume, scale or dimension.

-----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------

 ¿Cuánto reparamos en puertas, ventanas, camas, mesas, pantallas, carteles (informativos o publicitarios, da igual), campos deportivos, papel moneda, tarjetas bancarias, como ejemplos rectangulares de nuestra estandarizada y urbana domesticación?

El gesto formal de Pedro Gramaxo, abstracto y minimalista en su colorido pleno, imbricado con el paisaje nos confronta abruptamente con la presencia artificialmente geométrica que, podríamos decir, rige constantemente nuestra vida tecno-urbana.

La materialidad de situar sus piezas en el paisaje, su elaboración, tarea que, para el ocasional testigo implica conocer algo de la estratagema que le permite con alegría burlarse de la facilidad con la que podría construir imágenes similares (nunca iguales, ni siquiera equivalentes, casi inconsistentes) por medios digitales, es un desafío en varios niveles fácticos y conceptuales.

Cuando en esta operación incluye personas (retratos según él expresa), emerge ante nuestra mirada la imagen cuasi utópica de un ser humano rectificando sus formas y rasgos evolutivamente.

Así, a través de estas construcciones, el artista revela su

imaginario, tanto como el espectador su percepción.

Nace entonces el buscado contraste entre realidad e ilusión, lo orgánico y lo geométrico, lo natural y

lo artificial.

 Pedro desarrolla entonces una investigación basada en la importancia de la presencia corporal in situ, su relación con

nosotros mismos y la memoria. De este modo, enlaza ante nuestra mirada el entorno y la percepción humana en su constante y eterno diálogo.

 

Rafa Santos/ Curador

 pedrogramaxo.com/

Lucas Rodrigues/ The Notorious Olumi: Tour Latinoamérica

The Notorious Olumi: Latin America Tour
Olumi, el alter ego del artista brasileño Lucas Rodrigues, comenzó a desarrollarse desde en su infancia influenciado por la cultura pop norteamericana y por las subculturas japonesas otaku y kawaii, como forma de subvertir su realidad de clase media norteña, caracterizada por ideales religiosos y conservadores. 
A través de una atmósfera lúdica, Lucas se transforma en Olumi, una especie de popstar-animal-juguete, que protagoniza su propio universo imaginario, donde los deseos oprimidos se mezclan con sus experiencias personales y autobiográficas.
"The Notorious Olumi: Latin America Tour" investiga la trayectoria infantil de Olumi, a través de una óptica autobiográfica, observando su niñez en el campo de una pequeña ciudad de Brasil, hasta su transformación en el "StarBoy". La exposición es una celebración de un niño latino LGBTQI+ que se enfrenta toda una serie de límites personales, sociales y culturales llegando al momento en que se incorpora y se convierte en un icono autoproclamado, antihéroe y estrella del pop multi dotado, Olumi.
 ---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------
 Olumi, the alter ego of Brazilian artist Lucas Rodrigues, began to be developed still in his childhood influenced by North American pop culture and by Japanese subcultures otaku and kawaii, as a way to subvert his middle class northern reality, characterized by religious and conservative ideals.
Through a playful atmosphere, Lucas transforms into Olumi, a kind of popstar-animal-toy, who is the protagonist of his own imaginary universe, where oppressed desires mix with his personal and autobiographical experiences.
 "The Notorious Olumi: Latin America Tour'' investigates Olumi’s boyhood trajectory, through an autobiographical optic, observing his childhood in the countryside until his transformation into the “StarBoy”. The exhibition is a celebration of a Latino LGBTQI+ boy who faced a range of personal, social, and cultural boundaries until the moment he incorporates and become a self-proclaimed icon, anti-hero, multi-gifted pop star persona Olumi. 
 olumi.myportfolio.com/
 ----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------
 En una canción de menos de tres minutos, Sonic Youth nos proponía matar a nuestros ídolos, revirtiendo toda lógica rockera promovida hasta ese entonces.
Pero ¿qué pasa cuándo en vez de eso decidimos crearlos, cuando esa es la salida de emergencia disponible en un ambiente social que nos encorseta con masculinidades autoritarias y feminidades sumisas?
Así nacen Olumi y esta exposición que, como un resumen de Youtube, nos invita a ser testigxs de las diferentes etapas de su biografía, entre fantasías y referencias reconocibles, entre cambios físicos y de obsesiones en un contexto de tradiciones represivas encalladas. En el universo Olumi, los disfraces de colores son antídoto a un dogma religioso que impone juicios y estructuras sobre cuerpos, modos y elecciones. Aquí, lo kawaii es político.
Es que cuando una obra habla desde una marcada subjetividad, solemos preguntarnos si está basada en hechos reales, cuánto hay de verdadero y autobiográfico, cuánto es invención. Pero en esta propuesta, no importa quién es Olumi, quién es Lucas, cuánto es ficción; no importan las proporciones en la fantasía que nos mantiene a flote en la marea de un sistema que desecha y aplana diversidades.
Olumi es estrella, ídolo y reflejo. Es carne, hueso y brillantina. Nacido o no de la ficción, es real. Como Agrado, el personaje de Almodóvar que luego de enumerar los litros de silicona que lleva dentro suyo asegura: "una es auténtica cuanto más se parece a lo que ha soñado de sí misma", o como los juegos de PlayStation que nos invitaban a elegir con qué jugadorx queríamos entrar a la pelea.
Bienvenidxs al Tour de Olumi, donde pueden ser quienes quieran.
Mariel Uncal / Curadora
 

                                                                                                      

 

 

 

 

Olia Fedorova en Residencia Corazón

 

OLIA FEDOROVA

Artista conceptual multidisciplinar que trabaja con la performance, la fotografía, el vídeo y el texto. Reside en Kharkiv, Ucrania.

Su práctica se centra en la investigación de los significados y los sentidos, los mecanismos y la problemática de su (trans)formación, a través de métodos de intervención performativa, observación y escritura.

Ha realizado exposiciones individuales en Kharkiv, Kyiv, Dnipro, Odesa, Ivano-Frankivsk (Ucrania) y Turín (Italia). Ha participado en residencias, exposiciones colectivas y eventos en Ucrania, Reino Unido, Polonia, Austria, Alemania, Estados Unidos y Japón.

La participación de Olia en el programa de residencia cuenta con el apoyo de la Fundación Cultural de Ucrania - https://ucf.in.ua

La Fundación Cultural Ucraniana es una institución estatal creada en 2017 con el objetivo de facilitar el desarrollo de la cultura y las artes en Ucrania, proporcionar un entorno favorable para el desarrollo del potencial intelectual y espiritual de las personas y la sociedad, un amplio acceso de los ciudadanos al patrimonio cultural nacional, apoyar la diversidad cultural y la integración de la cultura ucraniana en el espacio cultural mundial. Las actividades de la Fundación Cultural Ucraniana están dirigidas y coordinadas por el Ministerio de Cultura de Ucrania.

Multidisciplinary conceptual artist, working with performance, photography, video and text. Based in Kharkiv, Ukraine.

Her practice is focused on the research of meanings and senses – the mechanisms and problematics of their (trans)formation, through the methods of performative intervention, observation and writing.

Had solo exhibitions in Kharkiv, Kyiv, Dnipro, Odesa, Ivano-Frankivsk (Ukraine) and Torino (Italy). Participated in the residencies, group exhibitions and events in Ukraine, United Kingdom, Poland, Austria, Germany, USA, Japan.

Olia’s participation in the residency program is supported by the Ukrainian Cultural Foundation - https://ucf.in.ua

The Ukrainian Cultural Foundation is a state-owned institution created in 2017 with aim to facilitate development of culture and arts in Ukraine, to provide favourable environment for development of intellectual and spiritual potential of individuals and society, wide access for the citizens to national cultural heritage, to support cultural diversity and integration of the Ukrainian culture into the world cultural space. Activities of the Ukrainian Cultural Foundation are guided and coordinated by the Ministry of Culture of Ukraine.

oliafedorova.com

Curadora/ Mariel Uncal Scotti

44

Kelsey Hamilton Davis/ Perséfone y la ruta a lo largo del Atlántico/ Febrero 2021 en RC

 

kelseyhamiltondavis.com

Perséfone y la ruta a lo largo del Atlántico

“Prayer to Persephone”, by Edna St. Vincent Millay

From the collection, Second April, published 1921

 

Be to her, Persephone,

All the things I might not be;

Take her head upon your knee.

She that was so proud and wild,

Flippant, arrogant and free,

She that had no need of me,

Is a little lonely child

Lost in Hell, - Persophone,

Take her head upon your knee;

Say to her, “My dear, my dear,

It is not so dreadful here.”

 Notas de la artista:

 En general, me preocupa examinar y afrontar la domesticación y las narrativas de la herencia colonial, y cómo éstas interactúan simultáneamente con el cuerpo antiguo y contemporáneo. Pienso mucho en las vagas nociones del linaje europeo-americano, en lo formal, lo decorativo y lo educado, utilizadas originalmente para asociar al colonizador con la idea de lo civilizado como distinto y separado de lo natural, como un medio de dominación de uno mismo y de los demás. Me pregunto cómo estas nociones dan forma a nuestra comprensión de la cultura como contraria al cuerpo animal y cómo esto cultiva la ansiedad y el miedo a la vasija rebelde, abultada y texturizada. Amaso objetos para encontrarme en situaciones ambiguas, a menudo anclando el trabajo en representaciones apropiadas, míticas, literarias o populares de la feminidad y la naturaleza. Materialmente, tanto la cerámica como lo textil, se encuentran en una posición única como una antigua forma ritualista y material de entender el lugar del ser humano en la palabra y, al mismo tiempo, un objeto doméstico de utilidad y decoración. La vasija y el tapiz son a la vez un registro del toque humano, el ritual y el gusto, pero también el contenedor de todo lo que necesitamos para sostener y ser sostenido.

----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------

 Persephone and the Highway Along the Atlantic

 In general, I am worried about an examination and coping with domestication, narratives of colonial heritage, and how they interact with the simultaneously ancient and contemporary body. I think a lot about vague notions of American European lineage, the formal and the decorative and the polite, utilized originally to associate the colonizer with the idea of the Civilized as distinct and separate from the Natural, as a means of domination of self and other: I wonder about how these notions shape our understanding of culture as contrary to the animal body and how this cultivates anxiety and fear of the unruly, lumpy, textured vessel. I amass objects to meet in ambiguous situations- often anchoring the work in appropriated, mythical, literary, or folk portrayals of womanhood and Nature. Materially, both ceramic and textile are in a unique position as an ancient ritualistic and material way of understanding the human’s place in the word and simultaneously a domestic object of utility and decoration. The vessel and the tapestry are at once a record of human touch, making ritual, and taste but also the container for all that we need it to hold and be held by.

-----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------

 En este lado del mundo, estamos acostumbrados a pensar y enunciar sobre las colonizaciones. Desde las históricas, que fueron borrando y limitando pueblos, hasta las contemporáneas, escondidas bajo el discurso de la aldea global inclusiva.

 Son los pocos cruces con voces alternativas los que nos hacen pensar ¿existe colonización en los países colonizadores? ¿Cómo es y de dónde nace?

Las obras de Kelsey son las hijas rebeldes de esa herencia conquistadora. Desnudan la incomodidad que la tradición de raíces británicas, bajo el lema de la formalidad, continúa imponiendo sobre los cuerpos en su cultura, censurando las particularidades bajo los patrones del “buen gusto”.

 Cerámicas, dibujos y telas que, como Caballo de Troya, siembran pequeñas disrupciones a través de las mismas materialidades que esta amabilidad protocolar suele registrar como marcas de una comunidad conquistada.

La obra de Kelsey es el maquillaje corrido, la quemadura de cigarrillo en la cortina, es el ruido del que nadie quiere hablar.  

 Mariel Uncal Scotti/ Curadora

 

 

 

 

Sarah Zakaib en Residencia Corazón

Esta serie de obras se inició en un proceso relacional, tras realizar una convocatoria general en el contexto de una residencia artística de dos meses. Ahora he vuelto para presentar los resultados de este proceso. Este año es el 43º aniversario del inicio de la dictadura argentina, lo que influyó mucho en las historias que me contaron.

El proyecto trata de historias personales, recuerdos e historia oral. Convoqué a los participantes (jóvenes y mayores) buscando más historias, que sean importantes y tengan sentido para ellos. La intención es representar tanto una conexión íntima con el pasado como una disonancia con esa misma cosa, o responder a algún imperativo innato de la historia misma, y trabajarlas en colaboración con las personas que me las entregan.

Este proyecto se inscribe en la continuidad de mi práctica artística vinculando arte, identidad y tiempo a través de objetos, independientemente de su importancia simbólica o su aparente trivialidad. El objeto aquí son las historias. Mi interés reside en la fascinación por la coherencia de la identidad, la historia y la memoria colectiva y personal, las historias que se convierten en mitos y la apariencia borrosa de la identidad estática. Creo que las historias pueden llegar a ser capaces de resonar entre personas; y es a menudo con objetos relacionales que resuenan íntimamente entre los miembros de la familia que las relaciones se mantienen y se mantienen vivas.

Me inspiro para crear este proyecto a partir de estas palabras que encontré al leer "What the Body Cost" (Jane M. Blocker, 2004), un libro sobre el arte de la performance de los años setenta: "eso que resulta en el conflicto entre lo que innegablemente somos y de lo que seguimos distanciados".

 -------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------

  

This series of work was started in a relational process, following a general call for participants, in the context of a two-month artist residency. I have returned to present the results of this process. This year marks the 43^rd year since the start of the Argentinian dictatorship, which greatly influenced the stories that were told to me.

The project deals with personal stories, memories and oral history. I sent out a call for participants, searching for more stories, old and young, that are important to your sense of self. The intention is to depict both an intimate connection to one's past, and a dissonance to that same thing, or to respond to some imperative innate to the story itself, and in collaboration with people that give them to me.

This project is inscribed in the continuity of my artistic practice linking, art, identity and time through objects, regardless of its symbolic importance or its apparent triviality. The object here are the stories. My interest resides in a fascination with coherence in identity, collective and personal history and memory, stories becoming myth, and the blurred appearance of static identity. I believe that stories can become able to resonate between persons; and it is often with relational objects that resound intimately between family members that relationships are maintained and stay alive.

I am inspired to create this project from these words I encountered while reading “What the Body Cost” (Jane M. Blocker, 2004), a book on performance art of the 1970´s: “that which results in the conflict between what we undeniably are and yet remain distanced from.”