Fontaine Capel en Residencia Corazón
Charla con nuestra artista-en-residencia con Fontaine Capel + Karaoke festejo al final!
Te invitamos a una breve charla con la artista de NY Fontaine Capel, seguido por una noche de bebidas y karaoke para y por los artistas y sus comunidades.
El trabajo de Fontaine considera los espacios que compartimos y las comunidades que formamos— aunque sea brevemente—a medida que nos movemos a través de nuestros entornos urbanos. Su práctica artística se extiende más allá de su estudio y entra el mundo a través de los espacios y eventos que organiza.
Este evento de karaoke forma parte de una serie mensual que duró varios años en el sótano de la galería autogestionada que dirigió, Hume. El acto de karaoke puede ser a la vez un acto público performativo, un intercambio cultural y también una forma natural de celebrar amigos y construir comunidad.
Los videos de karaoke se transmitirán a través de youtube, así que por favor asegúrese de que exista un video de su canción favorita en forma de karaoke. Siéntete libre de practicar en casa, pero no importa cuán "buena" o “mala” sea tu performance, te estaremos animando.
Fontaine también estará organizanddo un ejercicio corto y opcional para ayudar a los participantes a encontrar a los artistas de karaoke que mejor complementen su rango vocal.
Todos los artistas y las comunidades que los apoyan son bienvenidos a unirse. Así que comparte la invitación.
¡Nos vemos el viernes por la noche!
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Please join New York City-based artist Fontaine Capel for a brief artist talk, drinks, and a night of karaoke for and by artists and their communities. Capel’s work considers the spaces we share and communities we form—however briefly—as we move through our urban landscapes. Her artistic practice extends beyond her work in the studio and out into the world through the spaces and events she organizes.This karaoke event is a renewal of a monthly series that took place for several years in the basement of the artist-run gallery she led, Hume Chicago. Karaoke is simultaneously a performative public act, a cultural exchange, and a natural way to celebrate friends and build community.
Karaoke videos will be streamed through youtube, so make sure a video of your favorite song exists in karaoke form. Feel free to practice at home, but no matter how “good” your performance is, we’ll be cheering you on.
Fontaine will also be leading a short, optional exercise to help participants find the karaoke artists that best compliment their vocal ranges!)
All artists and the communities that support them are welcome to join. So share the invite.
See you Friday night!
https://www.fontainecapel.com/
Apología del Nómade/ Arturo Desimone en Residencia Corazón
Apología
del Nómade
Texto
por Hermenejilda Blatt, licenciada en filosofía y artes por el Complutense.
¿Cómo
se podría auto-justificar un andariego, cómo defender a un nómade, hombre que
vive de paso una vida fragmentada, dentro un mundo ya en fragmentación, y
en una época donde el problema, o uno de los problemas más actuales, sea
nuestra dicha fugacidad?
Quizá
aquella investigación lo plantearían los filósofos. Los filósofos (quienes
nunca más fueron amigos del poeta a partir de la defensa tibia de Sócrates)
como fiscales, armarían el caso de los demandantes y de la Prosecución. El
andariego, en cambio, presenta las pruebas para su defensa forense, en forma de
imágenes. No tiene abogados, sus leyes son ajenas y vienen de la poesía.
En
el caso pendiente, el nómade es Arturo Desimone, (Aruba, 1984) dibujante y
poeta, presentando sus dibujos por primera vez en Argentina, país donde también
se considera ciudadano, a pesar de haberse nacido y criado en la isla Aruba del
Mar Caribe. Expuso igualmente en galerías y salas de Ámsterdam, donde tuvo su
muestra unipersonal ''Bestiario como
Auto-biografía'' en la galería Vriend van Bavink. (2018) y es
autor del libro de poesía militante y dibujos ''Poems of the Costa Nostra / Mare Nostrum'', poemario que plantea
una crítica del trato inhumano hacia los refugiados, gitanos y forasteros por
la Unión Europea, publicado este año en Inglaterra por la editorial
independiente 'cartonera' Hesterglock.
Quizá
los problemas de la fugacidad y la fragmentación contemporánea no tienen sus
orígenes en vidas errantes, sino (aunque parezca una contradicción) en la
domesticidad y lo estático. El éxtasis del poeta errante, se opone en su
vitalidad creativa al entumecimiento de la vida estática, la vida que nada por
el mar en contra de la vida flotante, ahondada en los números y las
especulaciones que prometen dar vida pero solo conllevan a más muerte. La
fragmentación actual del capitalismo, que va atomizando los individuos y sus
vidas, es contraria a la fragmentación o la desintegración verosímil, la cual
lleva a producir la lógica distinta de la poesía.
Decía
el filósofo francés Michael Serres, que “Somos en los ruidos del mundo, no
podemos cerrar la puerta a la recepción de ese clamor, y evolucionamos,
envueltos en esa marejada incalculable. Somos calientes, ardemos de vida, y los
focos de ese éxtasis temporario emiten el tumulto sin tregua de su incontable
funcionamiento. En el comienzo está el ruido, el ruido no cesa. Es nuestra
percepción del caos, nuestro modo de aprehender el desorden, nuestro vínculo
con la distribución dispersa de las cosas'' Si bien Serres -quien falleció este mes a los 88-
tuvo razón, solo le faltaba pruebas visibles en forma de dibujo.
Maria Antonia Fernández Porto/ junio en Residencia Corazón
María
estudia arte y viaja. Siempre que puede, viaja.
Llegó
a La Plata hace un mes y desde entonces no dejó de examinar aquellos detalles
que diferencian (y acercan) a esta ciudad de la propia.
La
mirada de María es como una cámara que registra a través de planos cortos,
cerrados, el entorno citadino. Pero no encuadra cualquier detalle, sino
aquellos que, incluso estando sobre el espacio público transitado, hablan de
elecciones particulares, hogareñas: el dibujo de una reja, el ritmo de unas
baldosas. Módulo y geometría dan lugar a una imagen que, como en el arte
tradicional islámico, trata de un todo y no de meras formas yuxtapuestas.
María
es como un radar: busca, detecta, destaca. Aísla, como una científica a un
virus, la figura-patrón que encuentra en la deriva del caminar citadino. María
la reproduce y le da protagonismo, una nueva presencia casi monumental.
Sin
quererlo, María nos invita a imitar su práctica. Deja repicando, como un eco,
el deseo de observar, detectar y rescatar nuestro propio ambiente. Queda en
nosotrxs la forma de hacerlo.
Mariel Uncal
Scotti (Curadora-Curator)
Laura Atkinson/ Un poco verde
Hay
veces en las que, caminando por alguna calle, me siento molesta sin saber por
qué; el misterio se resuelve cuando me doy cuenta que en las veredas faltan los
árboles.
Por
el contrario, hay casas en las que me siento cómoda demasiado rápido; lo
comprendo cuando advierto que en sus rincones habitan plantas.
En
macetas.
En
balcones.
En
terrazas.
En
canteros.
En
jardines
a
la calle
al
fondo
“quiero
resbalarme hoy hasta el fondo verde” decía la banda Suárez en la canción Prueba
de valor.
Y
lo dice Laura en las pinturas y dibujos que fue produciendo a la largo de su
viaje por Latinoamérica. Porque, atravesando interiores y exteriores lejanos a
su Inglaterra natal, notó que en el día a día existía una presencia natural
constante, generadora de cierta seguridad y estabilidad. Casi como un
soundtrack visual, el verde, siempre acompañando.
Así
decidió regalarnos hoy, a través de esta muestra, escenas donde exista esa
cuota mínima pero obligatoria de naturaleza que nos mantiene en marcha en el
cotidiano. Por veredas llenas de árboles, claro.
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A little
green
Sometimes when I walk down some street, I feel
annoyed without knowing why. The mystery is solved when I realize that the
sidewalks are missing trees.
On the contrary, there are houses in which I feel
comfortable too fast; I understand it when I warn that in their corners live
plants.
In pots.
On balconies.
On terraces.
In
quarries.
In
gardens
to the street
in the backyard
"I want to slip today to the green
background" said the argentinian band Suárez
in the song Test of bravery.
So it does Laura on the paintings and drawings that
she was producing throughout her journey through Latin America. Because,
traversing distant interiors and exteriors to her native England, she noticed
that in the day-to-day there was a constant natural presence that generates
certain security and stability. Almost like a visual soundtrack, the green,
always accompanying.
So she decided to give us today, through this
exhibition, scenes where there is this minimum but obligatory dose of nature
that keeps us going everyday... on sidewalks full of trees, of course.
Mariel Uncal Scotti (Curadora-Curator)
https://www.instagram.com/lauraatkinson_art/
2019/ Sarah Naomi Zakaib/ Feb-Ma en Residencia Corazón
Soy Sarah Naomi Zakaib, una artista de Canadá participando
en el programa de residencias de RC.
Mi próximo proyecto es trabajar con historias
de familia e historia oral. Actualmente estoy en proceso de recolección de mis historias
familiares -la mayoría de las cuales tienen entre 60 y 120 años- y son
naturalmente fantásticas.
Estoy buscando más historias -nuevas o viejas-
que sean importantes para vos o que simplemente se cuenten, circulen dentro de
tu familia. El objetivo es crear piezas de sonido con las historias y
grabaciones de ruidos cotidianos que he ido coleccionando en los últimos seis
meses, con la intención de representar tanto una conexión como una desconexión
íntima con el pasado individual.
Espero conocerte y recopilar una de tus
historias para crear alguna pieza en colaboración que la represente. La
profundidad y el método de colaboración serán determinados por nosotros. El
resultado final será una serie de piezas de sonido en una estética que las
represente entre la narración de cuentos, una conversación con un miembro de la
familia y susurros cotidianos. Entre la realidad, el mito, el sueño y la
insensatez.
Sarah Naomi
Zakaib is a visiting artist at Residencia Corazon's artistic residency program.
My next project is dealing with family stories and oral history. I am currently
in the process of collecting my own family stories, most of which are 60-120
years old, and are fantastic in nature. I am searching formore stories, as
unbelievable as can be, old and young, that are important to your sense of
self. The goal is to create sound pieces with those stories, and various
recordings of everyday noises that I have been collecting over the past six
months with the intention to depict both an intimate connection to one's past, and
a disconnection to that same thing. My hope is to meet you and collect one of
your stories, in order to create a collaborative piece depicting that story.
The depth and method of collaboration will be determined by both of us. The end
result will be a series of sound pieces depicting these stories in an aesthetic
that is in between storytelling, a conversation with a family member, and
everyday rustling. Between reality, myth, dream, and senselessness.
...To be continued in September 2019
Maelenn Le Bret/ Itinerrance en Residencia Corazón
Sharing a poetic walk : Installation at Residencia Corazón
Mapping a constellation of words, images and drawings within Residencia Corazón's garden, I invited the spectators to wander through a poetic path which didn't have any precise direction. Immersed in the sound of the conversations and poems I had recorded, the people could follow the itinerary they themselves chose, according to their own feelings and imagination.
Since I consider that l'errance is a state of encounters and that "identity can be moved", I created some postcards out of the drawings I made on my skin and offered people to take one home in order to spread the wandering a bit further. Being part of a postcard which will travel on its own, I disseminate my identity and merge myself to the words that I will be put on. This collective voice is, for me, the language of subjectivity.
Gabrielle Lajoie Bergeron/ sep-oct en Residencia Corazón
¿Qué es la brujería hoy en día? ¿Por qué este resurgimiento de la figura de la bruja/chamán? ¿Se trata de un acto politizado o subversivo? ¿O de un acto de canonización femenina? ¿Un homenaje, una santificación, una apología de la hermana rebelde, sacrificada, pisoteada, internada, asesinada? ¿Será la nueva figura de la resistencia trabajando por la emancipación?
¿También serian brujas todxs aquellas violadas, las
marcadas visible o invisiblemente?
Históricamente, la figura de la bruja/chamán ha
inspirado al mismo tiempo respeto, miedo, temor y fantasías en el imaginario
colectivo. Según los lugares, las épocas y/o los poderes de turno, ellas han
pasado de ser las poseedoras del conocimiento, de saberes y remedios a aquellas
que deben ser exterminadas. Un poderoso régimen del terror y una lógica del
odio (esencialmente masculina) se instaló para identificar y eliminar todas
aquellas que eran llamadas brujas.
¿Quiénes eran ellas realmente?
Las parteras, las viudas, las prostitutas, las
mujeres marginales, las jóvenes emancipadas, las mayores, las independientes,
las mujeres de poder. En resumen, eran las que vivían solas, las fuera de lo
común, las mujeres “demasiado” activas en la sociedad, las “demasiado”
poderosas, aquellas que escapan al orden establecido, las que se rebelan. Ellas
son las insubordinadas y las que están contra la opresión social. Ellas son las
diferentes, las militantes, las de identidad sexual no binaria, las
transgénero, las homosexuales, las desheredadas, las masacradas, las
invisibilizadas, las enfermas, las accidentadas, las lisiadas.
La caza de brujas hace parte del miedo al Otro, de la necesidad de ejercer un
control. Es una conspiración solapada contra la diferencia, contra el derecho a
la autodeterminación, contra las mujeres. En la actualidad, vemos como
movimientos feministas militantes alrededor del mundo se han apropiado de los
arquetipos de la bruja/chamán de manera positiva con el fin de luchar contra la
opresión social y por los derechos de las mujeres, por la reapropiación de sus
cuerpos y de su sexualidad.
Gabrielle
Lajoie-Bergeron vive y trabaja en Quebec (Canadá) y Baltimore (Estados Unidos).
Posee un título de Master en artes visuales y multimedia de la Université du
Québec à Montréal (2014) y recibío numerosos premios y becas. Su trabajo ha fue
mostrado en Canadá, Europa, Argentina, Italia y África. En 2018, forma parte
del programa de la Residencia Corazon
(Argentina / apoyado por el CALQ y el CAC), el Museo IlTorrione (Italia), la Feria
del Arte actual de Quebec y el 36º Simposio
internacional de Arte contemporáneo de Baie-St-Paul. L'Oeil de Poisson la albergará en 2019. Lajoie-Bergeron curó
numerosas exposiciones y el PigmentSauvage
- Art & Residencies, en Baltimore, será el anfitrión del proyecto La Track / TheTrack en 2019.
Mi
práctica cuestiona los mecanismos de construcción de imágenes e historia, su
reproducción, su circulación y su trivialización. Una gran parte de mi
producción es sobre la historia del arte y cómo "juntar todo". A
través de un enfoque feminista, mis exploraciones se centran en las nociones de
territorio: salvaje, íntimo, público y de pertenencia. ¿Cómo pensar hoy en la noción
de conquista del territorio y su
apropiación? A través de una serie de pinturas, dibujos, pequeñas esculturas,
bordados, objetos recolectados o donados y fragmentos de textos, mi práctica
desafía las divisiones e interpretaciones del mundo, del cuerpo y de la historia.
El aquí y el otro, el centro y la periferia, la Historia colectiva (olvidada,
reprimida, oculta) y las historias íntimas se mezclan para hacer surgir nueva
historia: las reapropiaciones del cuerpo, las historias y la experiencia
vivida. Trabajando sobre los códigos normativos transmitidos a través de los
arquetipos de la figura femenina, intento llenar el vacío dejado por la
historia, ya sea feminista, política, mediática o social. Me interesa el hecho
que una misma representación pueda ser una fuente de dominación o de
emancipación. Al hibridar imágenes y textos de diferentes fuentes, creo un
nuevo campo de virtualidades.
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Alzar una voz colectiva
Una pregunta retorna: ¿cómo vivir en un mundo injusto y desigual? ¿Qué hacer frente a la violencia de este mundo?La pregunta de los feminismos nos invita a llevar la atención al territorio en disputa: nuestros cuerpos. ¿Qué hacer con este malestar? ¿Cómo podemos desaprender esos modos de vida que internalizamos e inventar nuevos? Algunas filósofas nos invitan a comenzar por la sensación, por lo sensible: lo personal es político, ese malestar que sentimos es un producto social, es político. Pero si necesitamos extraer conclusiones de las experiencias que vivimos, la única manera de hacerlo es con otrxs.
El proyecto "Mujer esqueleto – un beso en el culo del diablo" de Gabrielle Lajoie-Bergeron aborda desde esa perspectiva las nociones de pertenencia, territorio(s), cuerpo y poder. Su objetivo es
crear instancias para que esas preguntas y esos encuentros tengan lugar.Su práctica como artista
privilegia el diálogo, lo relacional, incluso cuando pinta e intenta poner
juntos espacios y situaciones pertenecientes a tiempos y lugares diferentes. Su
práctica habita lo colectivo y su investigación la lleva a estudiar la historia
de ciertas imágenes míticas y símbolos ancestrales.Cuando sus reflexiones
necesitan materializarse,se re apropia de técnicas pertenecientes a tradiciones
populares, haceres manuales y saberes que se transmiten de forma oral, de mano
en mano, de boca en boca. La escala de los dibujos, pequeñas esculturas y
objetos que reúne en esta exposición es coherente con esa atención a lo "menor",
a aquello que habita en lo cotidiano.
El territorio de su exploración es el
límite entre lo público y lo íntimo. Su habilidad reside en crear espacios de encuentro
donde la confianza y apertura permiten hacer aflorar eso que se mueve cuando
hablamos de lo que nos interpela. Una práctica artística que es política cuando
busca propiciar instancias donde esas voces que en general permanecen en
silencio, se vuelvan audibles. Desde una perspectiva feminista, investiga sobre
aquellos arquetipos y representaciones que la cultura genera para dar cuenta de
esos cuerpos e identidades otrxs, que se escapan de la norma, de lo instituido,
de lo esperable, de lo deseable:"las
insubordinadas y las que están contra la opresión social. Ellas son las
diferentes, las militantes, las de identidad sexual no binaria, las
transgénero, las homosexuales, las desheredadas, las masacradas, las
invisibilizadas, las enfermas, las accidentadas, las lisiadas."
El camino trazado por este proyecto
configura una trayectoria que podría cartografiarse. De algún modo estas
producciones hablan de ese proceso. Forman parte de algo que las excede, un
tejido hecho de historias que no es visible, pero que podemos oír, como un
sonido que de repente no podemos dejar de escuchar y que
ahora aparece como fondo de todas las cosas.
Lic. Lucía Savloff (Curadora/ Curator)
Nicoláz Sáez en Residencia Corazón
Artefacto entendido como “Arte Público
Efímero” que pretende provocar una experiencia inmersiva en el visitante que
transita por Plaza Moreno en ciudad de La Plata. A partir de fotografías
esterescópicas de vistas aéreas de la Plaza Moreno, se intentará realizar un
calce entre estas imágenes 3D y la dirección del visor desde donde el visitante
observará. Como una especie de autoscopia (1) el visitante verá el lugar donde
se encuentra desde lo alto y tomará conciencia del trazado urbano, su
geometría, simetría y los elementos pregnantes que dan sentido cultural y
político a esta ciudad… sus dos más grandes obras de arquitectura, el Palacio
Municipal (1888) y la Catedral (1902), poder político y eclesiástico dispuesto
uno frente al otro. Modelo dual de poder que fue exportado desde España a las
ciudades coloniales y que hoy, al igual que muchas otras plazas en el mundo,
son patrimonio tangible e identitario de cada ciudad. Si bien las plazas siguen
siendo el espacio “abierto” donde los ciudadanos pueden escuchar y ser
escuchados ¿Cómo el ciudadano percibe hoy estos espacios democráticos? A partir
de un dispositivo artesanal de visualización de imágenes estereoscópicas que
dará un panorama aéreo fragmentado de 360º se pretende dar una síntesis visual
del “plan”Urbano que jerarquiza este espacio político. Como una espacie de
Imagoscopio (2) el artefacto intentará transportar al observador a una mirada
interna sobre su posición actual.
(1) La autoscopia (del griego antiguo αὐτός
("yo") y σκοπός ("vigilante")) es la experiencia en la que
el individuo, mientras cree estar despierto, ve su propio cuerpo desde una
perspectiva fuera de su cuerpo. (Wipipedia)
(2) El concepto de Imago (en latín significa «imagen»). Imago
designa la imagen interna, aquella representación de una persona determinada
que la mayor parte de la veces es inconsciente, y que incluso, tras el
encuentro real con esa persona, permanece viva en la psique. (Wipipedia) / Scopio. Del lat. cient. -scopium, y este
de la raíz del gr. σκοπεῖνskopeîn 'observar'. Significa 'instrumento para ver o
examinar'. Telescopio, oftalmoscopio. (RAE)
ESTEREO(AUTO)SCOPIO, obra de Arte Público Efímero realizado co
creativamente por Esteban Pastorino y Nicolás Sáez.
El proyecto de co creación es financiado por la beca “Residencias Chile - Argentina /
Programa de intercambio de residencias artísticas
de Artes Escénicas y Artes Visuales” del Ministerio de las Culturas, las artes
y el Patrimonio, Gobierno de Chile. Estadía
creativa desarrollada en “Residencia Corazón” de la ciudad de La Plata -
Argentina.
El proyecto cuenta con la
colaboración de Diego del Pozo, realizador y piloto de drone;
Nahuel Bralo, Laboratorio Hypo, revelado análogo;además de Juan Pablo
Ferrer y Rodrigo Mirto, de Residencia Corazón, en la gestión cultural y
difusión
NICOLÁS SÁEZ (1973) Arquitecto y fotógrafo Chileno radicado en la ciudad de Concepción, ha desarrollado su obra a partir de la relación entre Arquitectura, imagen y experiencia incorporando el concepto de didáctica de la imagen a sus instalaciones de arte. Es académico de la Universidad del Bío-Bío, Co creador del programa "FAAF, Fotografía de Arquitectura y viceversa" y Co director editorial de la revista "Ojo Zurdo, Fotografía y Política". Ha recibido en dos ocasiones el premio CERES (2015 y 2017) de su ciudad y ha participando en muestras internacionales destacándose: Bienal Internacional FOTOGRÁFICA BOGOTÁ, Colombia (2017); NANO Festival 2017, en FOLA (Fototeca Latinoamericana). (2017); “Photobooks 10x10 latinoamericanos” en Museo de Pittsburgh, Pensilvania. USA (2016); "Map of the New Art - Imago Mundi" en Fondazione Giorgio Cini, Venezia (2015); “El espejo roto” en Musée de l’ÉlyséeLausanne, Suiza (2011); Bienal de Photoquai en Paris, Francia (2011).
ESTEBAN
PASTORINO(1972) Fotógrafo Argentino radicado en
la ciudad de La Plata,ha desarrollado su obra a partir de la construcción de
mecanismos de representación (cámaras, visores, soportes) produciendo imágenes
fotográficas que extreman los límites de este tipo de imagen técnica. Ha
recibido diversos premios en su carrera destacándose el Konex 2012 en la
categoría Fotografía, quinquenio 2007 – 2011, que es uno de los premios más
prestigiosos del país. El 2006 el Premio a la mejor muestra de fotografía otorgados por la Asociación Argentina de Críticos
de Arte y el 2001 recibió el Premio al fotógrafo del año y el "Leonardo a
la fotografía" otorgado por el Museo Nacional de Bellas Artes.
Paulina Videla/ Troquel Tropicalia
El
trabajo de Paulina Videla siempre aborda el carácter testimonial de las cosas,
el relato contenido en la materialidad, sean superficies construidas o
naturales, sean espacios interiores o exteriores. Principalmente retoma los
escenarios que evidencian algún problema, debido a condiciones ambientales,
huellas de humedad o situaciones accidentales, como incendios o el rastro de un
contexto sociocultural, como es la producción del grafiti.
El
llamado casco histórico tanto en Chile como en La Plata se han constituido como un aliciente para la
artista al presentar escenarios donde el espacio arquitectónico construido
convive con lo vegetal y un contexto sociocultural que lo graba; rastro,
huella, historia, registro son sólo algunas de las palabras que abordan alguna
dimensión de lo observado.
En las
obras anteriores la complicidad con lo observado se materializa mediante el papel, el troquel y la pintura, aquí el
hecho pictórico residía 50% en lo manual
y 50% de la pintura, donde la huella - mancha y textura fueron trasladadas y
recombinadas en una superficie, ampliando el espectro estético de sus formas.
Troquel
Tropicalia trata
de una propuesta completamente manual, que aborda el género pictórico y el
tópico antes mencionado, a través de una mímica, si se quiere, realizada por un
pliego de papel. La obra es de esta forma compuesta en una sola pieza, como una
gran superficie muda y monocroma.
Nota: Del único
elemento que la artista no se hace responsable en esta muestra es la de la
materialidad pasajera de la sombra, ecuación resultante de la fuente de luz y
del cuerpo que la obstruye.
Troquel Tropicalia
Entre agosto y septiembre de 2018
Paulina Videla desarrolló durante su estancia en Residencia Corazón un proyecto
que investiga las posibilidades del papel como material, soporte y cuerpo de lo
pictórico. Hacer una residencia es una manera de viajar a través del espacio
geográfico y a la vez, hacia adentro. Suena contradictorio, pero hay un
movimiento de doble faz entre el desplazamiento y el repliegue que implica
concentrar la atención en el propio trabajo.
En su última muestra individual
"Superficies", Paulina Videla trabajó sobre papel de grandes
dimensiones. En general abstractas, sus pinturas invitan a observar el
comportamiento de los elementos del lenguaje visual como la textura del
pigmento que cae en forma de lluvia sobre el papel cuando la aplica con
aerógrafo, generando manchas que recorta por medio de plantillas y stencils. Su
trabajo desarrolla una poética de la superposición, entre el traslapo y la
transparencia, como en un juego de encastres entre llenos y vacíos. En una
oportunidad, el plegado de uno de esos grandes pliegos de papel mural dió como
resultado una pieza de arquitectura ficticia: una columna artificial. La
mímesis escenográfica disfraza el papel de muro, engañando al ojo. De esas
trasposiciones, camuflajes y tránsitos del plano al volumen se nutre el trabajo
de Paulina Videla.
Durante varios años ha realizado
proyectos de intervención urbana y pintura mural de fachadas e interiores de
edificios. Su interés por la arquitectura reside en su cualidad de reservorio
material de la historia, en la superficie de las construcciones suele encontrar testimonio, marcas y signos de distintos acontecimientos y tiempos históricos.
Como parte de sus exploraciones en la ciudad de La Plata, sus recorridos fueron
insumo para seleccionar motivos, patrones, pequeñas escenas de interacción de
formas, luz y texturas. Como en búsqueda de "lo pictórico encontrado"
esta muestra orbita en torno al abordaje de las problemáticas de la pintura por
otros medios.
Doblar, plegar, deshojar,
desgajar.
En esta exposición Paulina Videla
concentró su atención en el papel y el cartón como materiales de base. Elaboró
una serie de piezas de escala mediana, en las que explora la producción de
formas a través del corte y el silueteado. Sus "paisajes" desbordan
los límites del campo, especialmente cuando la superficie de soporte se vuelve
sobre sí misma para adquirir volumen. En una operación que recuerda el gesto de
Lucio Fontana, que rompe con el soporte pictórico tradicional a partir de una
hendidura en el lienzo que cancela la tradición representativa. Sin embargo,
cuando Paulina Videla corta el papel y deja caer sus gajos, devela detrás una
nueva capa, y otra, sin que pueda advertirse del todo donde comienza y dónde
termina el espacio plástico. Del soporte pictórico tradicional, PV rescata el
la función del marco, que mientras remite a la vieja metáfora del cuadro como
ventana, se ve excedido y desbordado por las formas que de él brotan en proyección ilusoria hacia el fondo y hacia el espacio exterior. Así como sus
"paisajes" trastocan las convenciones del género, las operaciones que
realiza la artista exploran los efectos pictóricos por otras vías.
La forma va del plano al volumen
por sucesivos dobleces en línea recta o por la curvatura suave que ejerce la
caída de su propio peso. Pero mientras se evidencia la potencia del papel de
vencer su delgadez y ocupar el espacio, su manipulación tiene un límite: el
recorte debilita el material. Como contrapartida, las líneas que dibuja el
calado se multiplican. La forma, el hueco que deja en el papel, la sombra que
proyecta en la pared, generan un juego de ritmos, ecos y reiteraciones. Entre
las capas y el muro, un arco de valores y texturas producen vibrantes efectos
ópticos, como en un caleidoscopio.
Si como señalaba Anni Albers el
material puede ser pensado como metáfora, en Troquel tropicalia Paulina
Videla juega con la idea de marco y límite. La cualidad poética y sensible de
estos trabajos, quizás nos permita reflexionar sobre la tensión entre nuestra
necesidad de encuadre-estructura-sostén y la fragilidad de las infraestructuras que supimos construir (urbanas, edilicias,
políticas, de pensamiento, escritura de la historia, etc.). Entre la
ilusión pictórica y el engaño al ojo, en las superficies de los muros de las
ciudades del sur con su urbanismo otrora planificado, en permanente lucha con
la proliferación caótica y la entropía, los trabajos de Paulina Videla nos
invitan a encontrar en el lenguaje plástico una poética que trastoque la
precariedad en potencia.
Lic. Lucía Savloff/ Curadora
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